PENTAGRAFIC

EL MURALISMO MEXICANO.

2011-12-14T02:17:00.001-08:00

a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_V1bUGRTMe7g/S2HNbiesqKI/AAAAAAAABsI/_ND9ZRIt4fE/s1600-h/tmpR3gHER.jpg">

El muralismo nació en un momento en el que el marximo estaba en plena ebullición. Los ideales marxistas estaban muy presentes en los países latinoamericanos y en México en particular que había vivido su revolución en 1910.

Comenzó así un proceso en el que se quería acercar el arte al pueblo retomando el arte autóctono, azteca y maya dejando de lado el academicismo europeo que era el que imperaba hasta ese momento.

En 1922 se fundó el Sindicato de Pintores, Escultores y Obreros Intelectuales , desde el cual se apoyaba la importancia de la comunidad frente a la individualidad que se había dado en la América precolombina, reivindicando el cambio de las bases de la economía mexicana sobretodo en lo referente a la propiedad de la tierra , tal como preconizaba la revolución de 1910.

Después de un proceso en el que cada vez más desde el gobierno se apoyó la identidad nacional, José Vasconcelos, Secretario de Instrucción Pública, cedió espacios públicos para que los artistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Siqueiros entre otros, pudieran realizar murales que pudieran contemplar todas las personas, incidiendo mucho en las clases trabajadoras que no tenían posibilidad de acceder a la cultura. Así en 1922 se inició la andadura del muralismo mexicano decorando la Secretaría de Educación y la Escuela Nacional Preparatoria.

Los murales tenían gran tradición en la América precolombina, recordemos los murales de Teotihuacan por lo que no extraña que retomaran este tipo de arte al intentar un renacimiento del arte indígena. Se trataba de aleccionar al pueblo a través de los murales tal y como había ocurrido en el pasado.

Diego Rivera( 1886-1957), había estudiado en Italia a los muralistas del Renacimiento, especialmente a Giotto, que le influyó en la utilización de tintas planas y en su estilo narrativo. Rivera sugería las formas y volúmenes mediante las aplicaciones de juegos de contrastes entre las luces y las sombras. Como sus compañeros trató de captar en su obra la esencia mexicana.

José Clemente Orozco(1883-1949), estuvo muy comprometido con la revolución mexicana. A Orozco lo podemos relacionar con el movimiento expresionista, en cuanto a que no estaba tan interesado tanto en el color o en la forma como en plasmar el sufrimiento y la opresión del pueblo.

José David Alfaro Siqueiros (1896-1974), estuvo muy comprometido políticamente, tanto que fue encarcelado en siete ocasiones. Varios movimientos de principios de siglo influyeron en su obra, el expresionismo, al igual que en el caso de Orozco pero también el futurismo y el surrealismo. Sus obras destacaron por el intenso empleo del color y por su utilización de la perspectiva de una manera muy intensa.

Hay que añadir que los muralistas mexicanos contribuyeron al perfeccionamiento de la técnica mural utilizada en el Renacimiento, ya que tuvieron que buscar los medios para adaptar la técnica a la climatología ya que en muchos casos las obras se pintaban en el exterior. Se dieron cuenta que la pintura al óleo o el fresco no podía soportar la intemperie y comenzaron a desarrollar la pintura acrílica que debido a sus componentes permanecía estable ante cambios climáticos y además se secaba rápidamente.

EL MURALISMO MEXICANO

El Muralismo es un movimiento artístico mexicano de mediados del siglo XX que se distingue por tener un fin político (en su mayoría marxista o sobre la situación social y política del México post-revolucionario).

Descripción

El Muralismo fue pensado como modo de enseñanza y era empleado en lugares públicos a los que todo tipo de gente sin importar raza y clase social pudiera acceder. Trabajaban sobre una superficie de hormigón (concreto) o sobre la fachada de un edificio. Los temas que relataban o retrataban lo que estaba pasando en el país políticamente. Los murales de Diego Rivera hablaban en especial de la revolución.

Hay murales en la mayoría de los edificios públicos de la Ciudad de México y de otras ciudades, siendo una de estas Guanajuato, localizada en un Estado muy importante para el país por ser cuna del movimiento de Independencia.

Aunque es considerado un movimiento artístico, el Muralismo también se puede considerar un movimiento socio politico.

ACCIÓN DE MURALES / 2005-2011

2011-10-15T12:10:00.001-07:00

ACCIÓN DE MURALES.
Proyecto de arte callejero (2005-2008) donde sus hacedores fueron grupos de acción social y vecinal con la coordinación de creadores plásticos del lugar y de ciudades cercanas.

Participantes
Escuela Dr. Martirené (INAU), Escuela Especial n.255, Museo Departamental de San José, ONG Todo por los niños, Liceo Local n.2, Radio Comunitaria SPIKA, Centro Materno Infantil, ONG Nuestra Tarea y Fratters, Colonia Dr. Etchepare, Levantad Juventud, Espantapájaros, Flía. Mathón- Fernández, Jardín de Infantes Pulgarcito.

LEGNANI Y VOLPE (2005)

CENTRO MATERNO INFANTIL / Chile y 29 de Diciembre (2005)

LACUEVA Y MITRE (2005)

HERRERA casi CHILE (2005)

HERRERA Y PAGANINI (2007)
PLAZA DE DEPORTES. Mitre y Lacueva. (2005)

PLAZA DE DEPORTES: Mitre y Lacueva. (2005)

SUÁREZ Y CALLE ANCHA. (2006)

VOLPE Y LEGNANI. (2006)

HERRERA Y COLOMBIA. (2006)

TREINTA Y TRES Y MIRANDA (2005)

HERRERA Y PAGANINI (2005)

ITUZAINGÓ Y COLOMBES (2005)

ITUZAINGÓ Y BRASIL (2005)

TAJES Y V. GRUCCI (2005)

PLAZA DE DEPORTES , MITRE Y LACUEVA (2005)

VOLPE Y LEGNANI (2006)
HERRERA CASI PAGANINI (2007)

LEGNANI Y VOLPE (2006)

COLOMBIA Y HERRERA (2006)
SUÁREZ Y CALLE ANCHA (2006)

SUÁREZ Y TREINTA Y TRES (2006)

SUÁREZ Y LEGNANI (2006)

FRANCIA Y ARTIGAS (2007)

SARANDI Y FRANCIA (2007)

VICTORIANO PEREZ/ El fotógrafo del pueblo.

2011-10-15T12:09:00.001-07:00

VICTORIANO PEREZ
“Solo quise ser un fotógrafo de pueblo, y tal vez lo he logrado” C.Saura

Tiempo después que Mitre y Micaela Mancuello iniciarán el conflicto de tierras, que duró más de una veintena de años y algún tiempo antes que Monzeglio compusiera “Libélula”("Grabados/Están en mis sentidos./Libélula,/Mi novia de unas horas,/Destello/Sublime de pasión".), Victoriano J. Perez Suarez, llegó a Santa Lucía desde su Oviedo natal. Más precisamente hacia 1890, cuando esta ciudad ya habia olvidado la humildad del caserío para ser humildemente un pueblo-Un pueblo con algunas curiosidades, convengamos, la de ser balneario por ejemplo. Hasta alli llegaban familias de otras tierras para pasar sus vacaciones, seducidos por el río, el parque y la tranquilidad. Entre ellos Las Flias Pernin y Mondino, cuyos hijos trabaron amistad con el jóven Victoriano . Ambos eran aficionados a la fotografía, y fue alli dónde conoció las primeras máquinas, el oficio y principalmente supo, desde entonces y para siempre que de ese amor ya no se desprendería jamás.En la calle Rivera al 140, instaló su local comercial “Fotografía del Pueblo” , lo llamó. Y no se equivocó ni esto.Con su cámara capturó todos los vaivenes de nuestras vidas, del gran vecindario: bautismos, casamientos, picnic, inauguraciones, fiestas, deportes, decesos. También miró más allá de los “árboles altos” (Más de Ayala dixit)y consagró para la eternidad momentos históricos: las terribles inundaciones de 900, el paso de las tropas nacionalistas en 1897, el homenaje a Diego Lamas en el Hotel Oriental, o la inauguración del puente carretero por don José Batlle y Ordóñez , solo por nombrar algunas de las obras rescatadas de lugares inhóspitos, de cajas de sombreros o las que estan en propiedad de celosos guardianes.Después le enseñó su oficio a su hija mayor María Victoria quien continuó hasta 1942, cinco años después que muriera V. Pérez . El local cerró definitivamente sus puertas en 1947.Años más tarde, cuando Mitre solo retumba en el nomeclator, Monzeglio calló su piano , y Santa Lucía es ciudad ,es posible encontrarse con la obra de Victoriano , fina , exacta y notable, esa que solo existe entre el artista y su pueblo, juntos y en comunión. Con Uds. el maestro.

JAVIEL RAÚL CABRERA ¨CABRERITA¨

2011-10-15T12:08:00.001-07:00

CABRERITA, no está solo el que no está
por Rodolfo TORRES (1992)

Formaba parte de la geografía en la calle Rivera y la plaza.
Era un referente de esos tiempos.
En vida, pasó a integrar la galería de personas que el propio pueblo continenta en su mitología popular, ¨EL MAESTRO¨, cuyas obras quizás desconocían, pero que cruzaban por la calle o por la plaza, ¨que tenía un cuadro en Paris¨.
Pocos supieron de su enfermedad.
Su andar encorvardo y rítmico, con sus manos por detrás, su campera liviana gris, muchas veces hablando con alguien que tal vez hubiera que buscarlo en su pasado.
Demasiados sabían algunas cosas de su vida...mentiras...verdades o ambas cosas, por que el tiempo tiende a confundirlas y de alguna manera se transforman en verdades casi absolutas.
En el Plaza Bar su mesa espera, Marino mira hacia calle Legnani, Falcón lo espera para invitarlo con un café, Jorge también, recostado a la máquina de café, como esperando la rutina diaria de Cabrerita al llegar, dar la vuelta al mostrador pedir un café y una pepsi y pagarle por adelantado, con un montoncito de plata enrollada en su mano.
Pocos se enteraron de su adiós.
Se fue así nomás, dejando una novela policial inconclusa, como olvidando sus paradas habituales, la peluquería del Chiche Morán, su café y la pepsi del Plaza siguiendo por Rivera hasta el final, como si Santa Lucía hubiera sido una estación intermedia entre la Colonia Etchepare y el cementerio.
No quiso morir tal vez sin filtrarse en árboles y calles, como una especie de bautismo liberador para vivir sin interferencias ni vejaciones, con sus colores, sus sueños y quizás Esther... o como se llamara...
Como siempre...ahora muchos lo recuerdan...por lo menos ¨no está solo el que no está¨

CABRERITA

por Leticia TERÁN (1994)

Anoche me dormí mirando el cielo asomado entre los parrales y te soñé pintando en un camino de paz. Tus niñas tienen los ojos abiertos esperando que alguien las mire y encuentre en ellas algo de vos...de tú vuelo. Tú poesía de pinceles recostada en los bancos de la plaza o trepada a la copa de los árboles espera verte pasar por la vereda.
En el bar de la esquina un jubilado espera que llegue un forastero...que mire tú foto...que pregunte quien sos.

Entre candidez e ingenuidad...CABRERITA

por Alondra MENDIZABAL (1994)

Crear implica riesgo...es originar, instituir, instaurar...
crear es establecer y fundar...
crear es concebir y engendrar...

Quizá si lo pensáramos así en frio, nos paralizaria la idea de todo lo que implica, nombrado e innombrado.

A él? ( ¨y seréis como dioses¨...insinúa sutil la letra sacra...) ¿ permitir al reino de la fantasía, la loca esperanza de lo eterno?
¿ Será quedarse, permanecer, estar?
Quizá crear tenga que ver con permitir que el misterio, que se expresa a través de nuestra existencia, sutilmente se devele...nos devele...lo devele... ( a él: a Dios...)
quizá sea animarse a que el valiente mito de héroe nosencarne una y otra vez...
arriesgarnos...desde tener un hijo: abrir mano de la propia vida para permitir la encarnación de un nuevo ser, hasta crear universos vibrantes, insinuaciones del enigma en que estamos inmersos...
porque quien crea expone, aún sin quererlo, un visel, un rincón de lo incógnito y produce una revelación más...
batalla sin final, pues ni el misterio se agotará, ni la revelación será total...
siempre sedientos de más sed y de más manantial...
CABRERITA...un verdadero revelador, y digo verdadero pues alguien una vez le preguntó quien era, que era esa niña eterna que él pintaba
y él, humildemente insinuó : ¨es poesía¨, dice (aún hoy), ¨poesía¨...

Poesía: restándole importancia, mostrando desentendimiento, cuando la poesía es eso : es HACER...

Ya van dos años que CABRERITA nos dejó...nos dejó pues voló libre por fin, ...dejándonos una herencia de acuarelas ¨naive¨ porque no tienen parangón en la plástica uruguaya...
porque CABRERITA habitó la candidez, fue un alma blanca y nos enfrentó a la ingenuidad de esa niña eterna que pintaba y pintaba una y otra vez...
ingenuo quiere decir nacido libre¨ y más allá de las cárceles internas y externas que lo asediaron, él transitó arriesgadamente por la ingenuidad, por esa libertad interior, verdadera...

A nosotros, uruguayos, afectos al intelecto y la razón, el escepticismo y la ironía...la crítica despiadada y competitiva...¿ dónde se nos quedó CABRERITA?
¿ dónde su riesgo en develar la inocencia?
¿dónde su niña eterna, símbolo que se ha perdido y sin embargo está ahí?

Cabrerita

por daniel DA ROSA (2009)

Cabrerita tiene los ojos de sus niñas quietas

Sus brazos forman una v en esa espalda oblicua

Su ropa no tiene los colores de los vestidos de sus ninfas

Tiene el color del tabaco

Su tiempo no tiene el apuro del reloj

Es tan lento como una sonrisa suave

La vida para él puede parecerse a un paseo en la plaza

A un vuelo corto y a ras de suelo

A un tibio café con leche y pan con dulce de membrillo

Sabe que el cielo está ahí nomás

que lo puede tocar con un pincel

Que la locura

es un fino río

que lo separa del nosocomio

Sabe que el corazón que lleva puesto

es un montón de corazones

de amigos que no se olvidan

Que su música

es la lluvia

que golpea rítmicamente

en la ventana

por donde ahora nos mira.

Cabrerita

ahora

es

un lugar habitable

confortable

eterno.-

ALBERTO BORTEIRO/ Carmelo 1946- Villa Ituzaingó 2011

2011-10-15T12:07:00.001-07:00

ADIOS AL AMIGO BORTEIROLuis Borteiro (Carmelo 1947- Villa Ituzaingó 2011)Tenía una forma de ser callada y amable. Tímido en extremo. En la exposición de noviembre 2008 sorprendió con sus pinturas nada menos que al artista Ernesto Vila, que le seguía la pista d cerca. Vivió décadas en la Colonia Etchepare en condiciones de penuria y soledad extremas. Hablaba muy bajito y muy lento. Pintando se metía en su mundo: ¿ que habrá sido de aquel cuadro que lo vi ejecutando, ¨MÁSCARA DEL TIEMPO¨, que en una serie de balanzas sopesaban el tiempo del hombre? La última vez que hablé con él ue para llevarle el libro y una carta de agradecimiento por haber participado el proyecto ¨OTRO ARTE...¨ .Se emocionó, pero no quería aceptar el regalo: la verdad, me confesó, no tenía donde guardarlo, pues apenas si había sitio para sus prendas. Todo lo demás se lo hubieran robado. Convenimos con Isabel Cavadini- la tallerista de la Colonia Etchepare- . en conservr el libro y la nota en el Centro educativo. Tal era la pobreza que lo envolvía. Sé por Isabel que en los últimos años salió de la Colonia en régimen de externato y vivió más cómodo. Su pérdida nos llena de tristeza.Tal vez la balanza del triempo terminó de inclinarse hacia el costado más luminosos y huyó enuno de esos globos aerostáticos que gustaba recrear, intrépidamente quiado por su admirado Santos Dumont..por PABLO THIAGO ROCCA

LA ESCUELA DEL SUR. Joaquín TORRES GARCÍA.

2011-08-22T07:57:00.000-07:00

En estos años de resurgimiento y estudio del arte latinoamericano, una de las imágenes más solicitadas para ilustrar publicaciones sobre el arte moderno de nuestro continente es el mapa de América del Sur al revés, de Torres-García. La reivindicación de la cultura del Sur en contraposición a la del Norte fue un tema recurrente en el ideario de Torres. A principios de siglo en Barcelona, había defendido el arte y la tradición mediterráneas frente al avasallante auge del Art Nouveau francés y vienés. Al volver a su país después de vivir 43 años en el hemisferio norte, la causa del sur volvía a tener particular urgencia. El concepto del mapa invertido, poderoso símbolo de la afirmación de nuestra identidad cultural, fue gestado en febrero de 1935 en la conferencia titulada La Escuela del Sur.

"He dicho Escuela del Sur; porque en realidad nuestro norte es el sur. No debe de haber norte para nosotros, sino por oposición a nuestro sur. Por eso ahora ponemos el mapa al revés y entonces ya tenemos la justa idea de nuestra posición."

Es extraordinario constatar, que en este texto, escrito antes del primer aniversario de su llegada a Montevideo, Torres-García ya había comprendido las carencias existentes en las artes en Uruguay, y además asumía la titánica tarea de proponer la creación de un estilo de arte inédito basado en sus ideas. Esta identidad artística sudamericana él la definía en un difícil equilibrio entre la ineludible tradición del arte occidental (referida por Torres en esa conferencia como "aquello que había traído el tiempo"), y el peligro de caer en un tipismo o foldorismo; la solución entonces era "hacer de lo ajeno sustancia propia" y así consolidar "una positiva originalidad nuestra".

En esta misma conferencia exhortaba a tomar conciencia de los elementos que distinguen nuestra geografía; la luz tan blanca, el viento, la humedad que mancha todo de verde, la anchura y el color del Río de la Plata. Así como las particularidades de los gestos al hablar y los modismos de nuestro lenguaje, para asimilar estas características e imbuir la obra de arte con su especificidad, sin tener que recurrir a la descripción narrativa.

Las obras que integran esta exposición ejemplifican cabalmente esta fusión de complejos y diversos componentes; la herencia cultural del arte moderno europeo, la valoración e incorporación de la geometría del arte autóctono indoamericano y el sabor, color y textura particulares de nuestro entorno. Se puede afirmar que el trabajo de estos artistas constituye una verdadera Escuela del Sur, por su presencia y carácter únicos y por la validez que cobran cada día, cuando vistas en el contexto del arte moderno internacional, sus obras se distinguen por las innovaciones en los sistemas de abstracción constructiva, por el énfasis en la superficie pictórica sensible, y por afirmar la función metafísica del arte más allá de la meramente estética. Michael Brenson, critico de arte del New York Times, hizo una evaluación muy justa y acertada sobre este aspecto de la obra de los artistas del Taller:

Este aforismo de Victor Hugo, "Benditos sean nuestros discípulos, porque los defectos de ellos serán nuestros", nunca podría haberlo dicho Torres-García porque las personalidades de sus discípulos fueron tan independientes que nunca se los podría considerar simples seguidores. Si hay algo que une a Julio Alpuy y a Gonzalo Fonseca es lo profundo de sus búsquedas y el rigor con que practican su arte. En sus investigaciones no hacen ninguna concesión; exploran con la misma intensidad el mundo interno y privado como la conciencia colectiva de la historia del hombre. Fonseca usa motivos primitivos como eslabón entre la modernidad y la prehistoria, atravesando la totalidad del espíritu creativo humano.

En efecto, en el Taller el arte de todas las civilizaciones y de todas las épocas era considerado y estudiado con el mismo interés desprovisto de prejuicios; por ejemplo, una pintura Cubista y una cerámica Nazca, a pesar de que cronológicamente las separan varios siglos, para ellos estéticamente estaban al mismo nivel. Por eso la posición de estar a "la vanguardia" como fin en sí mismo nunca les interesó. Si en algún momento se los tuvo por revolucionarios, fue a pesar de ellos, ya que su posición respecto del arte consistía simplemente en que su obra era otro eslabón más en esa cadena fuera del tiempo, porque más que ser artistas modernos, aspiraban a ser clásicos y universales.

En los comienzos del Taller Torres-García, al principio de los años 40, Torres-García daba clases en su propio taller, enseñaba a sus alumnos los rudimentos de dibujo y pintura, ilustrando las lecciones con sus propias obras que cubrían las paredes del taller. Si bien Torres había estado siempre en contra de las academias, donde decía que se aprendían tantas cosas que luego había que olvidar, reconocía que había que saber el oficio de pintor. En su taller no se practicaba ningn método establecido, aunque todos los ejercicios de pintura y dibujo apuntaban a la profunda comprensión del término abstracción, el cual para él no significaba necesariamente la ausencia de representación sino más bien la creación en la obra de un valor plástico absoluto.

El ambiente era parecido al de los talleres medievales o renacentistas donde los alumnos trabajaban junto al maestro y por consiguiente existía un ambiente de interacción fértil y vital propicio para el aprendizaje y el ensayo en técnicas y materiales diversos.

A partir de 1944, el Taller Torres-García ya estaba bien establecido, aunque nunca fue una institución aceptada "oficialmente" en Uruguay, era un centro no sólo de enseñanza de arte activo y controversial, sino también de exposiciones, conciertos y conferencias. Con motivo de esta muestra, es oportuno recordar la intensa relación cultural que hubo entre Montevideo y Buenos Aires entorno del Taller Torres-García, ya que de este intercambio surgió uno de los capítulos más importantes de nuestra historia del arte moderno.

Como consecuencia primero de la Guerra Civil española, y luego de la Segunda Guerra Mundial, la vida cultural del Rio de la Plata se benefició por los numerosos concertistas, compañías de teatro, exposiciones y con la llegada de escritores y artistas. Algunos ya conocían a Torres de Europa, como fue el caso de Guillermo de Torre, Jules Supervielle, Julio Payró y Maruja Mallo, quienes a pesar de estar radicados en Buenos Aires viajaban periódicamente a Montevideo a visitar y dar conferencias en el Taller.

Este intercambio comenzó en 1940, cuando Pettoruti expuso en Montevideo, y Torres escribió: "Pettoruti, el pionero de la nueva plástica", y en 1941, cuando a su vez Torres-García expuso por primera vez en Buenos Aires en la galería Müller. A partir de entonces tanto él como los artistas del Taller viajaban y exponían periódicamente en Buenos Aires. Para los jóvenes montevideanos era en el Museo de Bellas Artes y en colecciones privadas como la de Santamarina donde podían ver pintura. Siempre eran bienvenidos en la casa del fotógrafo Anatole Saderman, quien realizó una serie genial de retratos de varios artistas del Taller. Durante estas estadías era de rigor ir a la Boca a pintar paisajes del puerto. Varios miembros del grupo Madí en 1944 y 45 visitaron el Taller y el Hospital Saint Bois, decorado con murales constructivos por los miembros del Taller Torres-García.

Las relaciones entre los dos grupos no fueron siempre armoniosas, ya que desde las páginas de Removedor, el diario editado por el Taller Torres-García, se publicaban polémicas con renombrados artistas argentinos como Antonio Berni, Juan del Prete y Tomás Maldonado, quienes a su vez respondían desde las páginas de Contrapunto, Correo Literario y Revista Latitud y el Boletín de la Asociación de Arte Concreto. En 1946, en el Boletín N° 2, Tomás Maldonado publicó un virulento ataque contra Torres-García, a pesar de que Torres había colaborado con la revista Arturo sólo dos años antes. Desde las páginas de Removedor, la respuesta no se hizo esperar.

Universalismo Constructivo, el testamento teórico de Torres-García, de enorme trascendencia para varias generaciones de artistas, fue publicado en Buenos Aires por la editorial Poseidón, gracias al entusiasmo y generosidad de Fredy Guthman, a quien Torres se lo dedicó en el espíritu de Juan Sebastián Bach.

Sergio de Castro, artista argentino radicado en París desde 1948, abandonó sus clases de composición con Manuel de Falla, otro brillante exiliado de España en la Argentina, para estudiar pintura en el Taller. De Castro afirmaba que "quizás como pintor, sin haber encontrado a Torres-García, yo no hubiera practicado verdaderamente esa disciplina, ni adquirido esta manera de expresión y de vida".

La culminación y el epilogo de esta larga y fructífera relación, fue en 1970, cuando en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, se realizó la exposición "Universalismo Constructivo", que incluía obras de Torres-García, y pinturas y esculturas recientes de Julio Alpuy, Gonzalo Fonseca, José Gurvich, Francisco Matto, Manuel Pailós, Augusto y Horacio Torres.

Esta exposición fue muy significativa; no sólo porque fue la primera ocasión en que exponían en el museo que había sido tan importante para ellos cuando jóvenes, sino porque además mostraban su obra de madurez junto a la del maestro, ya no como sus alumnos sino como artistas a la par. Entonces el Taller ya se había cerrado, sus integrantes se dispersaron por Europa y Estados Unidos, aunque algunos an viven en Montevideo.

La trayectoria de cada uno de estos artistas a partir de ese momento, da testimonio de la fuerza y de lo imperecedero del ideal del Taller Torres-García, porque es con el poder y la afirmación de su obra que contribuyeron a expandir y renovar el aporte original de su maestro, llevándolo a trascender los límites del Taller y a constituir un episodio vital en la tradición del arte moderno, no sólo para el Río de la Plata sino universal

CLEMENTE PADIN: el arte correo.

2011-08-22T07:54:00.000-07:00

Clemente Padin, referente del arte correo universal,como creador y teórico.
Su acción se puede ver en ENLACES.

Es un circuito o tendencia alternativa de arte por correo donde participan artistas de todo el mundo, que tienen como objetivo central la comunicación y contacto a través del intercambio de información y propuestas creativas.
Además de una corriente artística, el Arte Correo es un fenómeno de las comunicaciones en donde el creador de los mensajes es a la vez el emisor y receptor de los mismos. Es un fenómeno vivo de respuesta y creación que no reconoce fronteras, donde se incluyen las técnicas y soportes más diversos; gráfica, postales, adhesivos, poesía visual, timbres y libros de artistas, sellos, fax, videos, etc, busca además contactar e intercambiar con todos los circuitos existentes en distintas latitudes, dedicados a las más diversas diaciplinas.
Se considera que el Arte Correo se inició con la CORRESPONDANCE ART SCHOOL de Ray JOHNSON en los años 50, pero si queremos hacer justicia a la historia, esta actividad de comunicación creativa tiene sus inicios a partir de dos fenómenos que entre si están estrechamente vinculados; por una parte la revolución científica/ industrial que permite el funcionamiento a nivel universal de los servicios de correos; y el otro, la ruptura con la tradición artística que significaron los movimientos y escuelas artísticas de comienzo de siglo XX y posteriores a la primera guerra mundial.
Tantos los miembros de los grupos expresionistas CABALLO AZUL y EL JINETE, como los dadaístas y surrealistas, entre los que cabe destacar a Kurt SCHWITTERS, Tristán TZARA, Marcel DUCHAMP y MARINETTI, hicieron uso del Arte Correo no solo para divulgar los puntos de vista de cada grupo, sino como medio ideal para el intercambio de mensajes creativos.
A mediados de los 60 se inició en el cono sur de América una intensa actividad creativa entre los poetas y editores Edgardo Antonio VIGO con su revista y ediciones DIAGONAL CERO, del uruguayo Clemente PADIN, LOS HUEVOS DEL PLATA y OVUM, del brasileño Wlademir DIAZ PINO, uno de los miembros de poesía concreta de su país y junto con PADIN, han venido alimentando ideológicamente la vanguardia artística sudamericana y mundial, y el chileno Guillermo DEISLER, quien en 1963 fundó en Santiago, EDICIONES MIMBRE, llegando a publicar una cincuentena de títulos.
Los archivos, las revistas, fanzines y exposiciones son algunas de las manifestaciones más corrientes, de los artistas en forma pública. Uno de los puntos culminantes es la inclusión, por vez primera, fuera de los circuitos marginales y alternativos, en la Bienal de San Pablo a mediados de los 70, en una sección dedicada exclusivamente a ese fenómeno. A partir de ese
momento es ya caso corriente la aceptación en los medios oficiales del funcionamiento de estos circuitos de creación artística sin el cuestionamiento de su legitimidad.
Es así como existen museos en Suecia e Italia. En otros países se abren secciones en bibliotecas o en archivos.

EL AFICHE.

2011-07-08T02:36:00.003-07:00

Imagen publicitaria.

Además de la intención artística, en la que la representación visual manifiesta la vivencia o fantasía de quien la crea, la imagen ha tenido y tiene en distintos momentos históricos y contextos culturales, otros usos y finalidades que responden a diferentes necesidades del hombre.

Así la imagen ha sido utilizada con fines tanto artísticos como educativos, informativos, ilustrativos, documentales, ornamentales, etc.

Imagen publicitaria.

Además de la intención artística, en la que la representación visual manifiesta la vivencia o fantasía de quien la crea, la imagen ha tenido y tiene en distintos momentos históricos y contextos culturales, otros usos y finalidades que responden a diferentes necesidades del hombre.

Así la imagen ha sido utilizada con fines tanto artísticos como educativos, informativos, ilustrativos, documentales, ornamentales, etc.
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Entre sus diversas funciones, la representación visual tiene la posibilidad de comunicar y difundir un determinado mensaje. Las señales de tránsito que ordenan la vida urbana, los escudos, banderas y colores que identifican a un país o a un grupo humano, las ilustraciones que conforman el soporte visual de las ideas desarrolladas en un texto escolar; son algunos de los tantos usos de la imagen en la vida de las personas.

Los afiches, en particular, son imágenes pensadas y diseñadas para hacer público un mensaje, para enunciar algo y para difundirlo. Se pretende que el mensaje que porta el afiche llegue al receptor (que puede ser el público en general o un determinado sector de aquél) y sea comprendido por él con claridad.

Los afiches están destinados a ser leídos y comprendidos ágilmente. Necesitan captar la mirada y el interés del observador en forma rápida, y para eso se utilizan fundamentalmente dos elementos: el texto y la imagen. Quien crea y diseña un afiche selecciona texto e imagen y los organiza visualmente con el objetivo de captar la atención del espectador, lograr que se detenga, observe y de este modo efectivizar la comunicación.

En la escuela, la observación, el análisis y la producción de afiches por parte de los alumnos permite abordar la imagen desde su función comunicativa. Mediante estas propuestas -relacionadas con la observación, el análisis y la producción de afiches- los alumnos del Tercer Ciclo trabajarán distintos aspectos relacionados con la función comunicativa y las posibilidades que el lenguaje visual ofrece para desarrollarla.
Contenidos
El afiche y sus características comunicativas

* Relación función/diseño.
* Combinación texto e imagen.
* Organización visual en función del contenido del mensaje y del público destinatario.
* Comunicabilidad.

Utilización de distintos elementos del lenguaje visual y su organización para el diseño de afiches

* El color, las formas y las texturas visuales.
* Las relaciones de tamaño, forma y color.
* Los contrastes (de color, textura, forma).
* La distribución de elementos en el plano.

Técnicas, materiales, herramientas y soportes

* El uso y la combinación de distintas técnicas y procedimientos para la realización de afiches (grabado, collage, pintura, técnicas mixtas)
* El soporte: calidad, tamaño y forma en relación con las características del afiche.

Propuestas de trabajo

La publicidad gráfica, una presencia en la vida cotidiana

Trabajar en el aula entre todos

En esta parte de la actividad le proponemos un trabajo con todo el grupo para realizar un primer análisis de publicidades gráficas, material que se puede seleccionar de revistas. Sugerimos algunas preguntas orientadoras que permitirán a los chicos prestar atención y relacionar los distintos aspectos que intervienen en las imágenes, al modo en que han sido utilizados los elementos visuales, así como a la combinación entre texto e imagen:

¿Qué mensaje comunica esta publicidad? Observen y describan la imagen. ¿Qué sensación transmite? ¿Cómo se relaciona el texto con la imagen? Presten atención a los colores. ¿Por qué se habrán seleccionado? ¿Qué relación tienen con el producto o situación que publicitan? Miren cómo están organizadas y combinadas letras e imágenes, formas y colores.

Del mismo modo, usted puede formular preguntas respecto de las relaciones de tamaño, las formas, los contrastes, la ubicación de los distintos elementos en el plano gráfico, el protagonismo de algunos elementos por sobre otros, etc. Puede establecer comparaciones entre diferentes tipos de publicidades como así también descubrir características comunes entre las que están dedicadas a un mismo tipo de productos (por ejemplo, productos para lavar ropa, golosinas, etc.).

La comunicación visual y el mundo extraescolar

Para enriquecer lo trabajado y relacionarlo con el mundo extraescolar, y si existe la posibilidad, será interesante poner a los alumnos en contacto con algún profesional de la comunicación gráfica, por ejemplo un publicista, un diseñador o un ilustrador.

Realizar entrevistas a profesionales permitirá a los niños conocer los planteos que ellos se hacen, los distintos modos de encontrar soluciones, el aporte o el trabajo conjunto que realizan con otros profesionales. Todo eso dará cuenta no sólo de aspectos relacionados con lo disciplinar propiamente dicho sino, además, de la inserción de la comunicación gráfica en el mundo del trabajo.

EL AFICHE.

2011-07-08T02:36:00.001-07:00

EL GRABADO/ breve historia.

2011-07-08T02:35:00.002-07:00

Breve historia de la obra gráfica

En el principio
En el principio, antes de la imprenta, la estampación de imágenes no se consideraba una de las bellas artes, sino un simple medio de comunicación. No fue hasta el siglo XVIII que las estampaciones se empezaban a considerarse arte, y no hasta el XIX que los artistas comenzaron a producir ediciones limitadas, firmar sus copias y autentificar esas copias con información de la tirada anotada en los márgenes. El grabado se remonta al hombre de las cuevas, ejecutado sobre piedras, huesos y las paredes de las cuevas. La duplicación de imágenes grabados data de hace unos 3.000 años cuando los Sumerios grabaron diseños sobre sellos cilíndricos de piedra. Los académicos creen que los chinos produjeron una forma primitiva de impresión hacía el siglo II a.c. Los japoneses hicieron las primeras impresiones auténticas, xilografías de exvotos budistas a mediados del siglo VIII.

La obra gráfica en Europa
La historia de las artes seriadas en Europa se remonta a primeros del siglo VI con las primeras impresiones sobre tejidos. La impresión sobre papel tuvo que esperar algo más, mientras que la tecnología del papel llegaba desde Oriente. El primero papel hecho en Europa fue él de Játiva, a mediados del siglo XII. Las primeras xilografías sobre papel fueron las barajas de cartas que se hacían en Alemania al principios del siglo XV. Sólo unos años antes aparecieron los primeros sellos y timbres reales en la corte de Enrique VIII en Inglaterra.

La impresión desde un grabado sobre metal se introdujo unas cuantas décadas después de la xilografía, y con resultados mucho más refinados. Restringido al principio a orfebres y armeros, pronto se convirtió en la forma preferida de reproducción seriada. El primer grabado fechado data de 1.446, "La Flagelación", y fue en Alemania en donde se desarrolló la técnica antes de pasar a Italia (Mantegna, Raimondi, Ghisi) y los Paises Bajos (Lucas van Leyden, Goltzius, Claesz, Matsys). Desde los fabricantes de barajas la técnica del grabado sobre metal pasó a los artistas donde alcanzó quizás su máxima expresión a manos de Durero en el siglo XVI. Este representó un hito en la historia del arte seriado y, puesto que viajó a Italia, su influencia se sintió allí de forma directa.

Los siglos XVII y XVIII
El siglo XVII vio el florecimiento de obra ornamental y del retrato por toda Europa, con Rubens y Van Dyck a la vanguardia en Flandes. Para entonces el gran parte del trabajo de intaglio fue grabado al ácido, puesto que los artistas contemporáneos consideraban que este fue un procedimiento más noble y menos comercial que el grabado directo. Italia fue un hervidero de actividad en este tiempo aunque, irónicamente, los principales grabadores fueron extranjeros: Jacques Callot y Claude Lorrain de Francia y el español José de la Ribera. La principal figura en los Países Bajos en este tiempo fue, sin duda, Rembrandt, quien dejo a la posterioridad un hito artístico, tanto en términos de cantidad como en calidad. Sus aproximadamente 300 planchas representan prácticamente todos los aspectos de la actividad humana.

El centro de gravedad de grabado pasó a Italia en el siglo XVIII, empezando por Tiepolo quien, se dice, ejerció una influencia importante sobre Goya. Luego vino Canaleto, el cronista de Venecia, y Piranesi, el más importante grabador de temas arquitectónicos de todos los tiempos, con unos 3.000 grabados sobre temas arquitectónicos. La tradición del grabado en Gran Bretaña data sólo de Hogarth en el XVIII, pero le siguieron rápidamente el satírico Rowlandson y luego Blake, la joya de la corona entre grabadores británicos. El contemporáneo de Blake en España era Francisco Goya, quien llevó los limites del grabado a nuevas alturas y profundidades.

El siglo XIX
El siglo XIX vio como el arte seriado seguía el mismo camino turbulento que el resto de las artes visuales. En Francia los artistas activos en este tiempo incluían a Ingres, Delacroix, la escuela de Barbizon (Daubigny, Theodore Rousseau y Jean-Baptiste-Camille Corot) y el satírico político, Honoré Daumier, quien ejecutó más de 4.000 litografías, sobre todo para ilustraciones de periódico. Entre los Impresionistas los más importantes en términos de arte seriado fueron Degas y Manet, este sobre todo en litografía. Aunque apenas hemos tocado aquí el tema del grabado japonés, hay que hacer mención especial del maestro de xilografía, Katsushika Hokusai, quien en la última mitad del siglo XVII y la primera del XVIII hizo unos 35.000 dibujos y grabados. Muchas de estas obras fueron reconocidas como obras maestras, y han ejercido una notable influencia en los artistas europeos y americanos. Los más importantes grabadores activos en la Inglaterra del XIX fueron un inglés, Francis Seymour Hayden, y un norteamericano, James McNeil Whistler. El otro americano notable de esta época fue James Audubon, aunque sus magníficas ilustraciones grabadas de pájaros tienen más importancia como ciencia natural que como arte.

Entra Picasso
El grabado, como el resto del mundo de las bellas artes, explotó en la primera mitad del siglo XX. Ante todo fue Pablo Picasso, el chico español de Málaga que hizo más de 1.000 obras sobre papel, incluidos grabados, aguafuertes, punta secas, xilografías, litografías y linóleos. Fue Picasso, casi por sí solo, quien devolvió el centro de gravedad del grabado a Francia. Luego vinieron Braque, Matisse, Rouault, Chagall, Joan Miró, Max Ernst, Jan Arp, Salvador Dalí y otros. En Alemania este fue el tiempo de los expresionistas, Emil Nolde, Max Beckmann (quien enseñó arte en los EE UU después de la II Guerra Mundial), George Grosz, Ernst Barlach, Erich Heckel, Oskar Kokoschka y otros.

A renglón seguido en Alemania se presentó la Bauhaus, donde artists como Paul Klee y Kandinsky hicieron trabajos fundamentales. En Inglaterra Henry Moore, además de trabajar en escultura, también creó una poderosa serie de litografías. Otro inglés, Graham Sutherland, también hizo trabajo notable, junto con Anthony Gross. En los EE UU del siglo XX la tradición de grabadores distinguidos incluya George Wesley Bellows en litografía, John Sloan y Reginald Marsh en aguafuerte y Milton Avery en punta seca. Pero quizas los más destacados sean Edward Hopper, con su trabajo altamente personal, y Ben Shahn, quien dominaba un amplio abanico de las técnicas seriales.

LA FOTOGRAFÍA/ parte una

2011-07-08T02:35:00.001-07:00

Antecedentes

Un antecedente de la fotografía es la necesidad del hombre moderno de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística manual, como había sido hasta la fecha.

Como antecedentes de la fotografía se encuentra la cámara oscura, y las diversas investigaciones sobre la reacción de las sales de plata a la luz, así como a las técnicas artísticas de la figura.

Cronología

1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles.

1558, Giovanni Battista della Porta por sus publicaciones sobre la cámara oscura se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura de la cámara.

1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un instrumento parecido a lo usado en los principios de la fotografía.

En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz.

1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn ya la cámara estaba lista para la fotografía, pero tuvieron que pasar 130 años más para que pudiera dar los primeros frutos concretos, aún los químicos no estaban listos.

1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz en latín y alemán, en 1780 en inglés y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se preserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos.

El fisionotrazo para hacer perfiles inventado por Gilles Louis Chretien despertaron en la burguesía francesa el apetito por la iconografía, así, pocas décadas faltaban para la aparición del invento que nos interesa.

1801, pocos años antes de su muerte el inglés Thomas Wedgwood hizo los últimos descubrimientos en los procedimientos para capturar imágenes, pero hasta su muerte en 1805 no logró hacerlas permanentes.
Inicios
Vista desde la ventana en Le Gras. Debido a las 8 horas de exposición, la luz del sol ilumina los edificios de ambos lados.

La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.

Por esos tiempos el daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, que empezaron a divulgarse entre la clase media burguesa de la Revolución industrial por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica.
Innovaciones técnicas y científicas
Daguerrotipo de 1837.

Para captar las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el daguerrotipo, el calotipo, el colodión húmedo y el gelatino-bromuro. Éstos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una serie de mejoras en el calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge.

La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía en color se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1925.
La cinta de un tartán. Primera fotografía en color. Tomada por James Clerk Maxwell realizando tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

La fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color -Autochrome- no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

EL ARTE RUPESTRE.

2011-07-08T02:34:00.001-07:00

Origen: Wikipédia, la enciclopédia libre.

Arte rupestre, pintura rupestre o aún gravura rupestre, es el nombre que se da a la más antiguas representaciones pictóricas conocidas, las más antiguas datadas del periodo Paleolítico Superior (40.000 a.C.) grabadas en abrigos o cavernas, en sus paredes y techos rocosos, o también en superficies rocosas al aire libre, pero en lugares protegidos, normalmente datando de épocas pre-históricas.

En la vida del Hombre pre-histórico tenían lugar el Arte y el espíritu de conservación de aquello de que necesitaba. Estudios arqueológicos demuestran que el Hombre de la Pre-Historia (la fase de la Historia que precede la escritura) ya conservaba, además de cerámicas, armas y utensílios trabajados en la piedra, en los huesos de los animales que abatían y en el metal. Arqueólogos y antropólogos datando y estudiando piezas extraídas en escavações conferem a estos vestigios su real valor como "documentos históricos", verdaderos testimonios de la vida del Hombre en tiempos remotos y de culturas extintas.

Prospecciones arqueológicas realizadas en Europa, Asia y África, entre otras, revelan en que medio surgieron entre los primitivos hombres cazadores los primeros artistas, que pintaban, esculpiam y grababan, demostrando que el deseo de expresión a través de los artes es inerente al ser humano. El color en la pintura ya era conocida por el Hombre de Neandertal. Las "Venus Esteatopígicas", esculturas en piedra o marfim de figuras femeninas estilizadas, con formas muy acentuadas, son manifestaciones artísticas de las más primitivas del "Homo Sapiens" (Paleolítico Superior, inicio 40000a.C) y que demuestran su capacidad de simbolizar. La estas esculturas es atribuido un sentido mágico, propiciatório de la fertilidade femenina y al primer registro de un sentimiento religioso o de divindade, el cual convencionou-denominarse de Diosa madre, Madre Cósmica o Madre-tierra.

No es menos notable el desarrollo de la pintura en la misma época. Encontradas en los techos y paredes de las oscuras cuevas, descubrimientos por casualidad, situadas en fondos de cavernas. Son pinturas vibrantes realizadas en policromia que causan gran impresión, con la firme determinación de imitar la naturaleza con el máximo de realismo, a partir de observaciones hechas durante la cacería. En la Caverna de Altamira (a llamada Capela Sistina de la Pre-Historia), en España]], la pintura rupestre del bisonte impresiona por el tamaño y por el volumen conseguido con la técnica claro-oscuro. En otros locales y en otras cuevas, pinturas que impresionan por el realismo. En algunas, puntos vitales del animal marcados por flechas. Para algunos, "la magia propiciatória" destinada a garantizar el éxito del cazador. Para otros estudiosos, era la gana de producir arte.

Cualquiera que sea la justificación, el arte preservado por milenios permitió que las cuevas pre-históricas se transformaran en los primeros museos de la humanidad.

ARTE URUGUAYO/ José CÚNEO (1887- 1977)

2011-07-04T13:53:00.000-07:00

José Cuneo
(1887-1977)

Nace el 11 de setiembre de 1887 en Montevideo. Sus primeros estudios los realiza con Carlos María Herrera en 1906. Viaja por primera vez a Turín en 1907 a estudiar en el taller de Anton María Mucchi, realizando paisajes de Italia que expone a su regreso en 1910.
En su segundo viaje a Europa estudia con Anglada Camarasa y Van Dongen.
En 1917 estudia en la Grande Chaumiere de París, se interesa en la pintura de Cézanne y Gauguin. Regresa al año siguiente y da comienzo a su etapa de pintura planista realizando una serie de retratos y paisajes de la ciudad de Melo.
En 1927 en Europa conoce la obra de Chaim Soutine atrayéndole las deformaciones expresionistas y el uso de la diagonal, lo que marcará su obra futura. Expone los paisajes de ese período de Cagnes Sur Mer en la Galería Zak y a su regreso a Montevideo, en el Ateneo. A partir de 1930 pasa temporadas en Florida y en Melo y comienza la serie de ranchos, lunas y acuarelas del campo uruguayo.
En 1942 obtiene el Gran Premio de Pintura del Salón Oficial, el Primer Premio en el Salón Nacional de Acuarelas y el Premio de Pintura en la Bienal Nacional de Arte.
Viaja a Europa en 1954 y toma contacto con la pintura abstracta, lo que generará a su regreso una nueva serie que firmará con su apellido materno: Perinetti, sin abandonar las otras series anteriores.
En 1961 expone una retrospectiva de sus 50 años como artista, pero su vida artística llegará a abarcar 70 años de producción. A partir de 1963 el reconocimiento de su obra alcanza importantes distinciones dentro y fuera de fronteras.
Es premiado en la X Bienal de San Pablo en 1969 y en 1974 recibe el Premio Nacional de Pintura de Cagnes su Mer. Vuelve a Europa en 1976, donde fallece el 19 de julio de 1977 en Bonn.

ARTE URUGUAYO/ Pedro FIGARI ( 1861- 1938)

2011-07-04T13:52:00.000-07:00

Pedro Figari
(1861-1938)

Nace en Montevideo el 29 de julio de 1861. Su inclinación artística se manifiesta tempranamente combinándose con múltiples actividades. Es abogado desde 1886, nombrado Defensor de Pobres en lo Civil y Criminal, periodista y codirector de un periódico, impulsor de la creación de la Escuela de Bellas Artes, diputado, miembro del Consejo de Estado, elegido presidente del Ateneo de Montevideo, director de la Escuela Nacional de Artes y Oficios, miembro honorario de la Sociedad de Artistas Uruguayos, Asesor Letrado de la Sociedad de Arquitectos del Uruguay. Entre estas múltiples actividades se destaca su creación de ensayos filosóficos, crítica artística y poesía. Participa en numerosas tertulias junto a artistas como Sáez y Blanes Viale. En 1921 y por cuatro años consecutivos, se radica en Buenos Aires dedicándose plenamente a la tarea pictórica y recibiendo del medio una crítica elogiosa. En 1925 se traslada a París donde permanece nueve años y obtiene la consagración como artista plástico. Desde allí proyecta y organiza exposiciones en Europa y América. Regresa al Uruguay en 1933 y es nombrado Asesor Artístico del Ministerio de Instrucción Pública.
Pedro Figari es un pintor de manchas y no de líneas. Pinta el pasado sin documentarse, lo hace de memoria; con una memoria afectiva. Puebla sus espacios inconmensurables con gauchos, negros y criollos como metáforas de un presunto ser nacional.
Muere en Montevideo, el 24 de junio de 1938.

ARTE URUGUAYO/ Carlos Federico SÁEZ ( 1978-1901)

2011-07-04T13:51:00.000-07:00

Carlos Federico Sáez (24 de enero de 1878, Mercedes — 4 de enero de 1901, Montevideo)
A la prematura edad de 13 años Carlos Federico Saéz ya realizaba pinturas en su Mercedes natal de una calidad innegable. En 1891 se traslada a Montevideo donde concurre a las clases de pintura del profesor Juan Franzi.

El pintor académico Juan Manuel Blanes aconseja enviar al joven artista a Italia, práctica común en el Uruguay de la época. El gobierno otorga una beca de estudios al artista de sólo 14 años de edad. Se inicia de esta forma un periplo de siete años de estadía europea quedando bajo la tutela de Daniel Muñoz, Ministro uruguayo en Roma. Instalado en Roma en 1893, huye del academisismo y se interesa por las nuevas corrientes artísticas de la época: los Macchiaioli y el Art Nouveau.

Su obra se caracteriza por la soltura de pincelada sin dejar de lado la precisión verosimil. Al igual de la tendencia a pintar individuos y no grupos. Produciendo más de setenta óleos y cien dibujos en su breve carrera, Carlos Federico Sáez deja un legado enorme de sabiduría tanto como pintor como dibujante en el Río de la Plata. En 1900 vuelve a Montevideo ya enfermo donde muere a los 22 años de edad.

ARTE URUGUAYO/ Amalia NIETO ( 1907- 2003)

2011-07-04T13:50:00.000-07:00

Amalia Nieto
(1907 - 2003)

Nace en Montevideo el 3 de agosto de 1907 en una familia acomodada. Su padre, el Dr.Manuel Benito Nieto, pionero en cirugía cardíaca, es por entonces Director del Hospital Maciel. Tempranamente Amalia Nieto manifiesta su gusto por la plástica y en 1925 ingresa al Círculo de Bellas Artes, donde estudia pintura con el Prof. Domingo Bazzurro. Es el momento del auge del planismo en la pintura uruguaya y es también el momento del auge de los ideales demócratas e igualitarios en lo socio-político.
Estimulada por padres que le brindan los medios, emprende su primer viaje de estudios a Europa en 1929. Asiste en París a la Academia de André Lothe y a la Academia de la Grande Chaumière. En 1955 volverá a París para tomar cursos de mosaico con Gino Severini y grabado con J. Friedlander.
La década del ´30 sorprende al Uruguay con el gobierno autoritario de Gabriel Terra, pero también con el retorno de Joaquín Torres García en 1934, quien sacude el medio artístico local con su teoría constructiva. Amalia Nieto comienza a asistir al Taller como discípula a la vez que contribuye a que la labor de Torres García sea posible. En mayo de 1936 realiza una muestra de sus pinturas constructivas en Amigos del Arte y a partir de entonces se suceden en su trayectoria 33 muestras individuales y 37 premios en salones nacionales, municipales, destacándose entre ellos el Gran Premio Pintura en el XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas de 1967, el Gran Premio Escultura en el XXXIII Salón Nacional de 1969 y el Premio Pintura del Concurso de Caja Notarial de 1991.
Ha representado al Uruguay en las bienales de San Pablo, Córdoba, San Marino y Spoletto en Italia. En 1995 es invitada a participar en el Concurso Premio Figari. En diciembre del mismo año se realiza la retrospectiva de sus setenta años de pintura en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo.
Su obra consta de series, siendo las más conocidas la de calles de París, la de búhos y la de naturalezas muertas mentales. En esta última se da una progresiva pérdida del espacio representado. En 1975 la autora instala la tercera dimensión mediante la sugerencia de una situación espacial en la que se ubican objetos simples y su sombra. Poco después la tercera dimensión pierde profundidad para desaparecer en 1989, momento en que se consolida la frontalidad con la serie que la autora llama Naturalezas Muertas Mentales. Los objetos se compactan en número impar y el ícono humanizado que representan, operará como transición temática hacia las series siguientes, en las que se transformará en un claro arquetipo objeto-hombre.
Falleció en Montevideo, el 7 de febrero de 2003.

ARTE URUGUAYO/ Clemente PADIN (1939)

2011-07-04T13:49:00.000-07:00

CLEMENTE PADIN
Nace en Lazcano en 1939.

Desarrolla su trayectoria creativa en el ámbito del diseño gráfico, el net art, la performance, el videoarte y la poesía visual.
Licenciado en Letras Hispánicas por la Universidad de la República.
Ha sido director de varias revistas de poesía y arte, como OVUM 10, Los Huevos del Plata, Participación y Correo del Sur.
Desde el año 1969 ha participado en más de 220 exposiciones en diversos países como Alemania, Japón, Argentina, EstadosUnidos, Uruguay, Italia, España, Bélgica, Brasil, Corea del Sur,, Canadá y otros.
Asimismo ha organizado y formado parte en numerosos eventos artísticos y performances, entre los que destacan el Festival Latinoamericano de Arte en la Calles, Montevideo (1972), La Trienal de Poesía Visual de Porto Alegre (2000), el IV Salón de Arte Digital de La Habana (2002), el Festival de Videopoesía de Buenos Aires (2006), Rancontres Int d Art Performance de Quebec (2006) o el Cardiff Art in Time de Inglaterra (2007).
Es autor de más de 29 libros publicados en numerosos países europeos y mericanos, entre los que se destacan Horizontes Abiertos¨, ¨Visual poems¨, ¨La poesía experimental latinoamericana¨, ¨Poems to eye¨, ¨Visual World Poetry¨.
En el año 2005 es premiado con el Premio FiGARI, máximo galardón otorgado en el país a un artista de artes visuales, por su trayectoria y su presente en el arte.

ARTE URUGUAYO/ E.SILVEYRA (1928)- J.ABBONDANZZA (1936)

2011-07-04T13:48:00.000-07:00

Enrique Silveira - Jorge Abbondanza
(1928) - (1936)

Enrique Silveira
Ceramista nacido en Montevideo el 9 de setiembre de 1928. Estudió con el ceramista austriaco Carlos Heller. Fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para viajar a España.

Jorge Abbondanza
Pintor y ceramista nacido en Montevideo el 6 de marzo de 1936. Estudió dibujo y pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes y luego cerámica en el taller de Enrique Silveira. Ganó Beca del Instituto de Cultura Hispánica para viajar por España. Realizó crítica de cine, arte, teatro en varios medios.

La obra en común
La formación de Silveira y Abbondanza como ceramistas desembocó en la instalación de un taller común y en un trabajo en equipo que desarrollan desde 1957, luego de una etapa de investigación de materiales y creación de esmaltes que les permitirá en las dos primeras décadas de esa labor en común el desarrollo de objetos revestidos de cierta suntuosidad de texturas, calidades y color. Desde mediados de la década del 70, han derivado hacia el agrupamiento de piezas sólo bizcochadas y montadas sobre amplias superficies, aludiendo a multitudes y a procesos de deformación, hundimiento o masificación que son desde entonces un reflejo del impacto de la realidad sobre la obra de estos artistas. Puede verse la vicisitud de una fila de cacharros con lectura de orientación abierta para la mirada nunca neutral del espectador, tanto hacia la destrucción como hacia la regeneración. Tales lecturas pueden ir desde la reflexión acerca de una condición humana inmutable, pasando por la visión histórica y latinoamericana, hasta una evocación de situaciones precisas y nacionales.

Han llevado a cabo exposiciones individuales desde 1960 en Montevideo (Centro de Artes y Letras, Centro de Promoción Cultural, Galería Karlen Gugelmeier), en Buenos Aires (Museo de Arte Moderno, 1984; Galería del Retiro, 1988; en Porto Alegre, 1974; Caracas, 1977. Han integrado envíos uruguayos de arte a: Palazzo delle Esposizioni, Roma, 1964; Smithsonian Institute , Washington, 1966; Stuttgart y Berlín, 1982; Bienal de Arte de San Pablo, 1985; Galería Tretiakov, 1988; Instituto Italo-Latinoamericano, Roma, 1989; Arte BA, Buenos Aires, 1992; Caracas, 1992.

Obtuvieron premio Adquisición en el XXXII Salón Nacional, 1968; Premio Adquisición XV Salón Municipal, 1967. Les fue otorgado el Premio Nacional Pedro Figari del Banco Central en 1999.
Poseen obras suyas el Museo Nacional de Artes Visuales, el Museo Municipal de Bellas Artes, Smithsonian Institute de Washington D.C., Museo Cívico de Montevideo (Minnesota, EEUU).

ARTE URUGUAYO/ Jorge PAEZ VILARÓ (1922- 1994)

2011-07-04T13:40:00.000-07:00

Jorge Páez Vilaró

Nació en Montevideo el 19 de Mayo de 1922, y falleció el 26 de noviembre de 1994.

Perteneciente a una de las más antiguas, fundadoras, familias del país, creció y se educó en un ambiente culturalmente rico.

Su padre el. Dr. Miguel A. Páez Formoso, fue eminente abogado, autor de varios libros sobre historia americana, redactor de la Constitución de la República (1917), catedrático de economía política y derecho en la Facultad de Derecho y catedrático de Ética, Historia, Filosofía en la Universidad de la República.

JPV completó sus estudios especializándose en Contabilidad Industrial (Lasalle University) asegurándose una primera etapa de labor administrativa en importantes industrias del Uruguay.

Su firme vocación artística despertó muy temprano, concurriendo a los talleres de varios maestros del arte nacional en los que afirmó sus condiciones para las artes plásticas.

Desde 1948, apenas terminada la segunda guerra se instaló en Inglaterra, vinculándose a las más destacadas figuras de las artes locales. A partir de esa instancia, realizó múltiples viajes por Europa, donde estudió, se contactó con grandes maestros con los que convivió importantes experiencias

En 1957 organizó y llevó al museo de Arte Municipal de Amsterdam una importante muestra de arte uruguayo, incluyendo a Torres García, que giró luego por varias ciudades, teniéndolo como principal animador y locutor. Con tal motivo siguió cursos de museología con las máximas autoridades mundiales en la materia.

Su pintura o visión del arte giró ciento ochenta grados a partir de estos encuentros, volcándose hacia la pesquisa de una nueva expresión, dando rienda suelta a su actitud vital. Cada uno de sus viajes dio lugar a sostenidos debates y actuaciones públicas en su Montevideo natal así como en Buenos Aires, en donde también tenia formado su ambiente relacionado con los artistas más destacados del momento

Fue precisamente en Buenos Aires que expuso por primera vez, en la Galería Pizarro (1961), dando lugar a elogiosos comentarios y al entusiasmo de los más jóvenes que en aquel instante estaban pautando el renacer de un arte más universalista en la Argentina. Corresponde señalar que la acción de Jorge Páez Vilaró artista pintor estaba y fue acompasada por una apasionada vocación por la temática total del arte, creando al paso una de las colecciones privadas más importantes e influyentes del país.

Durante varios años ocupó la titularidad de la crítica y fundó el Suplemento Cultural del diario El Bien Público, dejando inolvidable huella con sus estimulantes e inteligentes artículos y apreciaciones sobre las artes plásticas y el revisionismo conceptual exigido por la hora de nuevas vivencias.
Entre todo este agitar de innumerables actividades, que rememoramos, conferencias, redacción de prólogos, mesas redondas, audiciones radiales, giras por el interior del país ofreciendo charlas con audiovisuales en escuelas y liceos de la República, Jorge Páez Vilaró cumplió una consecuente y nutrida cadena de exposiciones individuales y colectivas además de ser seleccionado en repetidas oportunidades para representar al país con sus trabajos, en eventos, certámenes y bienales en los que obtuvo consagratorios premios.

Analizada su rica biografía puede decirse que Jorge Páez Vilaró fue el pintor latinoamericano que obtuvo mayor cantidad de distinciones en compulsas internacionales, dentro de las cuales la más exigente, la Bienal de San Pablo le otorgó en tres ediciones el Premio Brindes Pombo por sus dibujos, el Premio Caio Alcantara Machado por sus pinturas informales, y el Premio al Mejor dibujante Latinoamericano por sus "dibujazos". Cabe a la vez ilustrar para la más inteligente comprensión de su personalidad en el terreno de la estética, que luego de sus contactos con los maestros del Informal en Europa (Tapies, Millares, Feito, Fautrier,etc.) supo de un sentido pasaje por esta búsqueda, convirtiéndose en uno de los líderes del movimiento en Sudamérica a partir de su labor irradiatoria de Montevideo.

Un trabajo histórico y una muestra retrospectiva en el Museo Municipal de su capital, le fijó en el sitial de honor de toda esta generación de los años cincuenta que cambió sustancialmente el rumbo del arte uruguayo contemporáneo. La extensa lista de muestras que hilvanó en su inquieta travesía por importantes centros de América y Europa puede ser valorada con la lectura paciente de su curriculum referente.

ARTE URUGUAYO/ Juan Manuel BLANES (1830-1901)

2011-07-04T13:39:00.000-07:00

Juan Manuel Blanes
(1830-1901)

Nace en Montevideo en junio de 1830 en el seno de una familia modesta. Tempranamente revela afición por el dibujo, el que no abandona a pesar de sus múltiples actividades. Finalizada la Guerra Grande pasa a instalar un taller en Montevideo y comienza a ganarse el sustento pintando retratos. Por problemas familiares se traslada a Salto y de ahí a Entre Ríos donde pinta para el General Urquiza los cuadros de sus victorias militares, retratos familiares y motivos religiosos.
Convencido de su necesidad de formarse, solicita al gobierno uruguayo una beca a Europa, la que le es concedida en 1860. Es el primero de una serie de viajes al viejo continente, en los que incluirá con posterioridad Medio Oriente. Sus cinco años en Europa se centran en Florencia con el maestro Antonio Ciseri de neta filiación academicista, que marcará su obra posterior. Vuelve a Montevideo entre 1865 y 1879. Realiza algunos de sus grandes cuadros de tema histórico o de actualidad y su fama se divide entre Montevideo, Buenos Aires y Santiago de Chile.
Su dibujo es naturalista. En la distribución de la luz es un académico preocupado por aislar los colores puros en medio de ocres y grises.
Con Blanes la historia nacional se convirtió en tema, con su obra despunta la pintura republicana y por ello fue llamado "el pintor de la Patria". La seriedad historicista con que realiza su tarea queda demostrada en su correspondencia, Buena parte de la cual está destinada a solicitar información minuciosa para documentarse antes de emprender sus cuadros históricos. También el paisajismo uruguayo se inaugura con Blanes. No recurre al paisaje en un sentido estricto, ya que éste constituye para él en telón de fondo de sus escenas y nunca en protagonista. Alcanza también renombre a través del género retratístico inscripto en estricta escuela academicista.
Muere en Italia, en 1901.

ARTE URUGUAYO/ Antonio FRASCONI (1919)

2011-07-04T13:38:00.000-07:00

Antonio Frasconi
(1919)

Grabador y pintor nacido en Buenos Aires el 28 de abril de 1919. Es ciudadano legal uruguayo. Reside en Estados Unidos.
En 1945 viajó a los Estados Unidos como becario de The Arts Students League of New York, y se radicó en ese país. Estudió grabado con Gross y con el pintor japonés radicado en Estados Unidos Yasu´o Kuniyoshi. Recibió una beca de la New School for Social Research de Nueva York por la que perfeccionó su técnica de grabado en madera; de la Guggenheim Memorial Foundation y del National Institute of Arts and Letters e Interamerican Felowship. Es autor de ilustraciones de múltiples libros, carátulas de revistas, y discos. Publicó colecciones de sus propios grabados. Ilustró una edición limitada de "Fábulas de Esopo" para el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Obtuvo Premio Adquisición IV Salón Municipal, Montevideo, 1943; Gran Premio Internacional de Venecia con 100 grabados sobre poemas de Walt Whitman, 1959; Premio Adquisición XXI Salón Nacional, 1967; Premio Adquisición XXXIII Salón Nacional, 1969. En1999 recibió el Premio Figari del Banco Central.

Expuso individualmente en el Ateneo de Montevideo, 1939; A.I.A.P.E., 1944; Cleveland Museum, 1952; Baltimore Museum, 1963; Museo de Brooklyn, 1964; expuso en la Comisión de Bellas Artes de Montevideo, 1957; Subte Municipal, 1961; Smithsonian Institution, 1953, 1963; Instituto General Electric, 1967; National Gallery, Washington; Museo de Arte Moderno de Nueva York, 1983; Museo Nacional de Artes Visuales, 1986; Winterthur, Suiza, 1993; Fredikstad, Noruega, 1995. Representó a Uruguay en la Bienal de Arte Moderno de San Pablo, 1957; en la XXXIV Bienal de Venecia, 1967; Primera Bienal de la Habana.

Frasconi no reproduce dibujos. Tampoco reproduce objetos: los convierte en signos. Descompone la figura en signos y, al mismo tiempo, los descubre en la textura propia de la madera. Signos con un fuerte carácter emblemático. Son (casi) caligráficos; de ahí la escritura. Acaso esa sea la razón por la cual le atraen los exlibris. En los grabados de Frasconi los textos se integran a un medio visual homólogo, a igual título que la imagen.

Está representado en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo Municipal "Juan Manuel Blanes", Library of Congress, Washington, D.C.; Smithsonian Institution, Washington, D.C.; Philadelphia Museum of Art, Philadelphia; Museum of Modern Art, New York City y en decenas de museos y colecciones públicas internacionales.

ARTE URUGUAYO/ Luis Pedro COSTIGLIOLO ( 1902-1992)

2011-07-04T13:37:00.000-07:00

Biografía
Nace en Montevideo, el 6 de noviembre de 1902. De 1921 a 1925 realiza estudios en el Círculo de Bellas Artes, en 1929 comienza su periodo abstracto. Participa en la fundación del Grupo de Arte No- figurativo en 1952. Viaja a Europa entre los años 1957 y 1959. Realiza numerosas exposiciones individuales en el medio nacional y en el exterior destacándose: Museo de Arte Moderno de San Pablo, 1956; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, 1957; Ateneo Barcelonés, Barcelona, 1958; Galeria Les Contemporains, Bruselas, Bélgica 1959; Unión Panamericana, Washington, 1966. En Montevideo realiza una gran muestra retrospectiva organizada por la Intendencia Municipal en 1983 y otra muestra individual en la Sala de la Alianza Francesa. Interviene en múltiples exposiciones colectivas en el país y en el exterior, entre ellas: Pintores Sudamericanos, Galería Sudamericana, Nueva York, 1961; Integra el envío uruguayo a las Bienales de San Pablo, 1951 -53 -55 -57 -61; XXXIII Bienal de Venecia, 1966. Interviene en salones nacionales y municipales de Uruguay donde obtiene numerosos premios entre ellos el Medalla de Oro en el Salón Nacional, 1966; entre otras distinciones. Investigador de la pintura, se transforma en el precursor de la estética no figurativa en el medio uruguayo. De sus primeras producciones quedan pocos ejemplos que muestran a un artista interesado en organizar la composición a través de una creciente simplificación. Su formación personal atiende con entusiasmo las teorías de los constructivistas rusos y neoplasticistas holandeses y madura una creciente obra geométrica que lo distingue hasta sus últimas creaciones. Está representado en el Museo Nacional de Artes Visuales y en los museos: Municipal Juan Manuel Blanes, Museo de Arte Moderno de San Pablo, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, y Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Fallece el 2 de junio de 1982.-

ARTE URUGUAYO/ Nelson RAMOS (1932-2006)

2011-07-04T13:36:00.000-07:00

Nelson Ramos
(1932 - 2006)

Nació en Dolores, Departamento de Soriano, el 19 de diciembre de 1932. En 1951 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde estudió con Vicente Martín. Viajó becado a Río de Janeiro para estudiar técnicas de grabado con Iberé Camargo y Johnny Friedlander (1959).

Fue colaborador de diarios brasileños como ilustrador. Becado en 1962 por el Ministerio de Educación y Cultura, viajó a Europa: visitó España, Italia y Francia. Fue contratado por el College of Art and Design de Minneapolis (EEUU, 1981). Artista residente en Massachusetts College of Art de Boston (1992). Ha recibido numerosos premios, entre ellos: Gran Premio de Pintura (Primera Bienal de Jóvenes Pintores, Uruguay, 1961); Premio Adquisición (Salón Municipal de los años 1956, 1958, 1962 y 1967); Premio de Dibujo en "Arte Actual de América y España" (Madrid, 1963); Gran Premio XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas (1967); Premio MID-AMERICA ARTS ALLIANCE, EEUU (1991), Premio ECO-ART, Río de Janeiro (1992), etc. Participó, entre otras, en las siguientes exposiciones: Primera Bienal de Arte, Córdoba, Argentina (1962); VII Bienal de San Pablo; Palazzo delle Esposizioni, Roma (1964); XXXII Bienal de Venecia; Primera Bienal de Arte (Medellín, Colombia, 1968); X Bienal de San Pablo; VII Festival Internacional de la Pintura de Cagnes-sur-Mer (Francia, 1976); XVIII Bienal de San Pablo; Galería Tretiakov de Moscú (1988); IV Bienal de La Habana (1991); XLVII Bienal de Venecia, etc. Recibió el Premio Fraternidad de la B'Nai B'Rith de Uruguay. En 1996 se le otorgó el Premio Figari. Ramos recompone la realidad a partir de fragmentos de otras realidades ya elaboradas llegando en algunos casos a suprimir el soporte, en una evolución que comienza en la década de los setenta con sus cajas reticuladas y llega a la actualidad con los casilleros sin diferenciación entre continente y contenido realizando con ello, indagaciones puramente plásticas. Sus obras se encuentran en museos de Uruguay, Argentina, Brasil, España, EEUU, etc.
Muere el 2 de febrero del 2006.

ARTE URUGUAYO/ Nelson ROMERO (1951)

2011-07-04T13:35:00.000-07:00

Nelson Romero

Un barroco contemporáneo por Alfredo Torres.

"Según Manuel Espínola Gómez, uno de los más grandes artistas que tuvo y tiene el Uruguay, el dibujo no existía como disciplina independiente, como técnica con atributos propios. Según él, siempre terminaba siendo instrumento de la pintura. En ocasiones, una especie de esqueleto fundacional, en otras, incluso su carne. Toda la obra de Nelson Romero, persistente, aparentemente igual y siempre diferente, parece ser una clara prueba sobre el acierto de esa sentencia.

Podría decirse que Nelson Romero es, un orquestador de paradojas. La primera, la más ostensible, su capacidad de abatir fronteras entre disciplinas estrictas. Dibujos que son, más allá de un notable manejo de la línea, escenarios pictóricos. Dibujos con una embriagante fragancia de grabados. La convicción de estar ante un aguafuerte, para que la mirada minuciosa, hurgadora, descubra la suavidad del lápiz, la sedosidad del carboncillo. Es en este sentido, sobre todo, que su arte pregona una sutil contemporaneidad. Todo el arte del pasado siglo, sobre todo en la segunda mitad, se ha dedicado a desajustar etiquetas. Pero además, segunda paradoja, esa contemporaneidad se encuentra fuertemente anclada en la tradición del arte occidental desde el Renacimiento al presente. La tercera paradoja remite a su habilidad para dar continuidad a un lenguaje barroco que, sin embargo, despliega un lenguaje también contemporáneo. Conste que se habla del barroco como estilo, como corriente histórica, no como adjetivo elegante. Carácter barroco, se en el contexto del movimiento pos-renacentista que nace a fines del siglo XVI y alcanza sus esplendores por tierras latinoamericanas hasta la mitad del XVIII.

Los itinerarios de sus apropiaciones a más de paradojales son prodigiosos, sobre todo, porque terminan transmitiendo lejanas fragancias sin presencias contundentes. Mezclas y cruces, superposiciones inesperadas, incrustaciones prejuzgadas imposibles, para terminar siendo, siempre, de un modo inexorable, Nelson Romero. Por ejemplo, Hieronymus Bosch, Brueghel el Viejo, interceptan con Fernando Botero, con las máscaras satíricas de otro gran artista uruguayo, Luis Solari. Durero, la robustez escultórica de Miguel Ángel, la exagerada estilización de El Greco convergen hacia los árboles de vida que se esparcen en Santo Domingo de Oaxaca y otros templos del barroco virreinal mexicano. Una banda de músicos transmite rasgos de los sensuales ornamentos de la Iglesia de Santa Bárbara en Tunja, obra cumbre del barroco colombiano. Todas sus imágenes, todos los personajes que actúan en ellas, aun las que muestran mayor cercanía con la tradición del arte occidental, terminan desembocando en una visión muy uruguaya, de ciudades muy uruguayas. No son ciudades evidentes, tangibles, son esas ciudades invisibles que cuenta Ítalo Calvino. Puede que sea Montevideo, o la ciudad donde vive, San José de Mayo. Sus bebedores irradian la melancolía infinita que nubla miradas de otros solitarios bebedores, afincados en sillas y sitios de mostradores que definen un territorio intransferible, por bares y boliches de esas ciudades, de otras ciudades rioplatenses.

Esas apropiaciones, la certeza de que las “citas” visuales terminarán siendo propias de manera indiscutible y gracias a su fuerte personalidad expresiva, le permite asumir desafíos riesgosos. No es nada fácil, transcurridas nueve décadas, experimentar con el lenguaje del cubismo y salir airoso. Contemplar imágenes como “Los esposos geométricos” o “Los músicos” y comprobar que Nelson Romero ha sabido encontrar la vuelta de tuerca para acceder a una lozanía en la sintaxis formal que termina instaurando una semántica que es, al mismo tiempo, nueva paradoja, cubismo riguroso y travesías imprevisibles por territorios expresivos casi antagónicos con la celebre vanguardia. Porque si el cubismo era, en Picasso y en Braque, desestructuración formal, en el creador uruguayo es pretexto para un juego de formas espesas, escultóricas, pregonando un vigor exuberante, triunfal, más allá de todo intento de fractura. Algo similar ocurre con la “cita” a Francis Bacon y su serie relativa a los Papas, la que a su vez es resultado de una personal “cita” a Velásquez. “Un Papa rojo” encuentra un camino absolutamente diferente de homenajear al notable pintor inglés. Si en Bacon los Papas son casi desintegraciones centrífugas, los Papas más o menos aullantes establecen una exasperación que anhela escapar del cuadro, Nelson Romero lleva ese grito, esa exasperación, hacia adentro. El rostro del Papa parece estar ahogándose en su grito, como si el dramatismo de sutiles acentos caricaturescos provocase una distorsión que hunde el rostro, desfigura todos sus rasgos anatómicos, hacen desaparecer ojos y boca, y toda la cabeza se abandona a la vorágine de las desmesuradas vestimenta, del puntiagudo tocado.

La serie de las máscaras, la serie que como se dijo engaña con su aspecto de grabado, luce una expresión asombrosa, realmente genial. La ambigüedad paradojal se manifiesta en ella por la convivencia de climas con sentidos contrapuestos, patetismo y humor, crítica y piedad, parodia y conmiseración. Máscaras que beben hasta el derrumbe o intentar aterrar, sin éxito, a una mujer en un pub, máscaras que parecen entablar diálogos apocalípticos o que se abandonan a una versión funambulesca de la última cena. Máscaras que bailan con total desenfreno o fuman larguísimas pipas. Todas ellas, más allá de su aspecto animal o de sus casi poliédricas armazones parecidas a latas o cajas de cartón, acercan una última paradoja. Son máscaras, sin duda, pero más allá de su función disimuladora, de su intención de ocultar, reflejan y desnudan la condición humana con implacable sinceridad. El creador no intenta juzgar. Al modo de un muy actual apunte de costumbre, testimonio, muestra, y sin ajenidad. En tanto ser humano él también trasiega el equipaje de sus máscaras, acarrea ese arduo trabajo de revelar y ocultar, de impudor y disimulo, de pequeñeces y grandezas. Porque la única redención posible reside en ese disyunción constante, en ese juego complejo y pendular de identidades."

Nelson Romero nace en 1951, en San José, Uruguay.

Autodidacta.

Exposiciones Individuales

1972

Realiza su primera Exposición Individual en Galería de Arte del Palacio Salvo, Montevideo

1973

Exposición Individual en Instituto Cultural Uruguay-RDA, San José

Exposición Individual, Casa Berthold Brecht

Exposición Individual en Galería Lirolay, Buenos Aires, Argentina

1976

Exposición Individual en Galería Barcelona, Barcelona, España

1977

Exposición Individual en Galería Gordon, Buenos Aires Argentina

1978

Exposición Individual, Instituto Cultural Uruguay. EEUU

Exposición Individual en Galería del Notariado, Montevideo

1979

Exposición Individual en Galería Gordon, Buenos Aires, Argentina

Exposición Individual Museo Municipal de Santa Fe, Argentina

Anual Staff Gordon Gallery, Buenos Aires, Argentina

1980

Exposición Individual en Galería del Portal, Montevideo

Anual Staff Gordon Gallery, Buenos Aires, Argentina

1981

Exposición Individual en Galería Brecha, Montevideo

1984

Exposición Individual en Galería Latina, Punta del Este

1986

Exposición Individual en Embajada de Uruguay en Argentina, Buenos Aires, Argentina

1990

Exposición Individual en Museo Departamental de San José

1992

Exposición Individual en Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo

1993

Exposición Individual en Galería Bernheim, Panamá

Exposición Individual “Escenas Judaicas”, Galería Latina, Montevideo

1999

Exposición Individual en Sala Nueva Congregación Israelita del Uruguay, Universidad de Tel Aviv, Israel

2001

Exposición Individual “Contemporary Artworks from Uruguay”, Galería Eklektikos, Washington DC, EEUU.

Exposiciones Colectivas

1972

Muestra Colectiva “10 dibujantes”, Montevideo

Exposición Colectiva en Feria de Libros y Grabados, Montevideo

Exposición Colectiva en Teatro San Martín, Buenos Aires, Argentina

Exposición en Stand de Galería "U" en la 13a. Feria Nacional de Libros y Grabados

1973

Muestra “8 dibujantes Uruguayos”, Galería Lirolay, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva “10 Artistas Uruguayos”, Galería de Arte Yasigi, Porto Alegre, Brasil

1974

Exposición Colectiva “6 Artistas Uruguayos”, Galería Lirolay, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva “4 Artistas Uruguayos”, Galería Atia, Buenos Aires.

Exposición Colectiva en Galería "U" y Galería de Arte Palacio Salvo, Montevideo

1975

Exposición Colectiva en Alliance Francaise, Montevideo

Exposición Colectiva en Galería "U"

1976

Exposición Colectiva “Segundo Salón Artistas Plásticos del Interior”, IMCA

Exposición Colectiva “Semana de la Juventud Maragata”, San José

1977

Exposición Colectiva en Galería Gordon, Buenos Aires, Argentina

1978

Exposición Colectiva en Galería Gordon, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva en Foyer, Cine Pocitos, Montevideo

1979

Exposición Colectiva “Semana de la Juventud Maragata”, San José

Exposición Colectiva en Galería Multhipla, Montevideo

Exposición Colectiva "El juguete antiguo", Galería Gordon, Buenos Aires, Argentina

1980

Exposición Colectiva “Salón de Artistas Plásticos de San José”, San Joseé

Exposición Colectiva en Asociación Cristiana de Jóvenes, Montevideo

1981

Exposición Colectiva Galería Portón de San Pedro y Secretaría de la OEA Montevideo

Exposición Colectiva, Galería Latina, Montevideo.

1982

Exposición Colectiva Artistas Jóvenes, Secretaría de la OEA, Montevideo

Exposición Colectiva Arte Uruguayo, Museo Nacional de Artes Plásticas y Visuales y Embajada de Alemania Federal, Montevideo, Berlín, Bonn, Stuttgart y Munich (Alemania)

1983

Exposición Colectiva Galería Latina, Punta del Este

Exposición Colectiva “Homenaje al Bicenteneraio de San José de Mayo”, Club Fraternidad, San José.

1984

Exposición Colectiva “Artistas Uruguayos”, Museo Nacional de Artes Plásticas y Visuales, Montevideo

Exposición permanente en Galería Latina, Montevideo

1986

Exposición Colectiva en Montevideo, Shopping Center

1987

Exposición Colectiva en Galería Latina, Montevideo

1989

Exposición Colectiva en Venezuelan Arts Center, New York, EEUU

Exposición Colectiva, Fine Arts Work Center, Province Town Massachussetts, EEUU

1990

Exposición Colectiva “3 artistas Becados a EEUU”, Club del Lago, Punta del Este

Exposición Colectiva “30 Artistas Plásticos Uruguayos”, Museo de las Américas de la OEA, Washington, EEUU

1991

Exposición permanente en Galería Latina, Montevideo

1993

Exposición Colectiva Cátedra Alicia Goyena, Montevideo

1994

Exposición Colectiva en Galería Sur, Punta del Este

Exposición Colectiva en Centro Cultural Corriente Alterna, Lima, Perú

Exposición Colectiva en Centro Cultural de Asunción, Asunción, Paraguay

Exposición Colectiva “Ambientarte”, Cabildo de Montevideo

Doble Muestra en Galería Zira Guichón, Montevideo

1995

Exposición Colectiva en Galería de la Matriz, Punta del Este

Exposición Colectiva en Punta Carretas Shopping Center, Montevideo

Doble Muestra en Galería Zira Guichón, Montevideo

Exposición Colectiva en Galería Sur, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva en Subte Municipal Montevideo (obras premiadas)

1996

Exposición Colectiva en Sala Eduardo Carvajal, Teatro Macció, San José

Exposición Colectiva en Centro Cultural Vasseur, Santa Lucía

Exposición Colectiva “Artistas Plásticos Maragatos”, Ateneo de Montevideo, Montevideo.

1997

Exposición Colectiva en Museo del Gaucho y la Moneda, Montevideo

Exposición Colectiva en Teatro Macció, San José

Exposición Colectiva en Embajada de Uruguay en Argentina, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva en Museo de San José

Exposición Colectiva en Cátedra Alicia Goyena, Montevideo

1998

Exposición Colectiva en Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo

1999

Exposición Colectiva en Embajada de Uruguay en Washington DC, EEUU

2004

Exposiciones colectivas con Trazos UY – Exhibition of Uruguayan Artists:

- “Annual Gala of Hispanic Achievers”, Plaza Hotel, Nueva York, EEUU

- “Premier Event and silent auction” Waldorf Astoria, Nueva York, EEUU

- “1st Exhibition of Uruguayan Artist", Manulife Centre, Toronto, Canadá

- “2nd Exhibition of Uruguayan Artist", Manulife Centre, Toronto, Canadá

- "First Year Anniversary Celebration", Pearson Convention Centre, Brampton, Canadá

- “3rd Exhibition of Uruguayan Artist", Manulife Centre, Toronto, Canadá

2005

Exposiciones colectivas con Trazos UY – Exhibition of Uruguayan Artists:

- “The Rainbow Ball” Mississauga Convention Centre, Mississauga, Canadá

- “Salón Iberoamericano de Artes Plásticas”, Consulado General de México, Montreal, Canadá

Premios, Concursos y Bienales de arte

1973

Invitado a participar en el Premio de Dibujo “Joan Miró”, Barcelona, España

Invitado a la Segunda Bienal de Dibujo y Grabado de Cali, Colombia

1974

Invitado al “Salón de Dib” organizado por el Centro de Artes y Letras de Punta del Este

Gran Premio “Salón de Dibujo”, Punta del Este

1979

Premio Bienal Latinoamericana de dibujo, Museo de Maldonado

Anual Staff Gordon Gallery, Buenos Aires, Argentina

1980

Anual Staff Gordon Gallery, Buenos Aires, Argentina

Invitado a la “1º Bienal Internacional del Deporte en las Artes plásticas”, Montevideo

Invitado a la “4º Bienal de Dibujo, Museo de Arte Americano de Maldonado”, Maldonado

Invitado a la “3º Bienal Latinoamericana de Dibujo, Museo de Arte Americano de Maldonado”, Maldonado

1983

Seleccionado Premio Concurso “Club del Lago”, Galería Latina, Punta del Este.

1984

Primer Premio Concurso "El Olimpismo y las Artes Plásticas", Subte Municipal de Montevideo

1985

Mención de Honor en la “7º Bienal Internacional del Humor y Sátira en el Arte”, Grabrovo, Bulgaria

Exposición en “Arco”. Madrid, España.

1986

Invitado a la “2º Bienal de la Habana”, Cuba

Invitado al “6º Premio Citicorp”, Museo de Arte Americano de Maldonado, Maldonado

1994

Participa en el “10º. Seminario de Dibujo Iberoamericano”, Washington, EEUU

1995

Seleccionado en la “12º Bienal del Humor y la Sátira 95”, Grabrovo, Bulgaria

Premio “Museo Departamental” en el “XXIV Salón de Artistas Plásticos del Interior”, Museo de San José

2004

Invitado a la “Bienal Internacional del Humor y la Satira en el Arte”, Grabrovo, Bulgaria

Bibliografía

"El Dibujo", W.E. Laroche

"Arte Uruguayo y otros" , Prof. Ángel Kalenberg

"Escenas del Mundo Interior", Prof. Nelson Pilosof

Colecciones particulares

Uruguay, Argentina, Brasil, Venezuela, Colombia, México, EEUU, Canadá, España, Japón, Francia, Alemania, Suiza, Holanda, Italia e Israel.

Museos

Casa del Humor y la Sátira, Grabrovo, Bulgaria.

Fine Arts Work Center, Province Town Massachussets, EEUU

Fundación Pompidou, Paris, Francia.

Fundación Rally, Punta del este.

Museo de Arte Americano, Maldonado

Museo de Arte Contemporáneo”, Montevideo.

Museo Nacional de Bellas Artes, Montevideo.

Museo José Luis Cuevas, México
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ARTE URUGUAYO/ Clarel NEME (1926-2004)

2011-07-04T13:29:00.000-07:00

Clarel Neme
(1926 - 2004)

Pintor uruguayo nacido en Rivera el 9 de julio de 1926. Falleció en Montevideo el 14 de febrero de 2004.
Desde 1954 hasta 1958, estudia dibujo y pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes, Montevideo con Vicente Martín; En 1962 gana por concurso la Beca Carlos María Herrera, realizando un viaje de estudios a Europa.
Realizó exposiciones individuales en varias oportunidades, entre ellas: Galería Moretti, 1966; Galería Aramayo, Galería Portón de San Pedro, 1968; Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos, 1969; Galería Karlen Gugelmeier, 1970, 1983; Museo de Arte Americano de Maldonado,1984,1992; Galería Swiss Bank Corp, 1994. En 1995 el Banco Central le otorgó el Premio Figari.
Participó en los salones nacionales de 1960, 1962, 1966; en el Salón del Retrato del Museo Nacional de Bellas Artes, 1966; en el Salón Municipal, 1967; Comisión Nacional de Bellas Artes en Paysandú, 1967; First National City Bank, 1968; y otras muestras colectivas dentro y fuera del País.
Con una pintura muy imaginativa Neme crea grotescas y voluminosas carnaciones de expresionismo rudo y despojado con el que retrata la condición humana. Evidencia una crítica social cruda al mismo tiempo que poética. Un extraño clima es logrado por el uso de un cromatismo irreal. En su obra aparece el humor, el talento y la sensibilidad.
Está representado en museos y colecciones del Uruguay y del extranjero.
arriba

ARTE URUGUAYO/ Hugo LONGA (1934-1990)

2011-07-04T13:28:00.000-07:00

Hugo Longa (1934 - 1990) Este artista comenzó a exponer desde 1966. Su obra refleja un peculiar desenfado imaginativo y cromático. Entre sus series se destacan los collages sobre Auschwitz creados entre 1967 y 1976, el plasmado de objetos, assemblages y collages donde explora mundos imaginarios, lo fabuloso y lo mágico, con cuotas de surrealismo y arte Pop. Plasmó lo inverosímil y lo grotesco en pintura y en las técnicas antes mencionadas, mostrando un poderoso sentido del humor , explorando ciertas perspectivas humanas y buceando en las realidades inconscientes. Los cuadros neoexpresionistas creados a partir de los años ochenta son incitantes por la densidad de la materia, las pincelados violentas en múltiples direcciones, las alteradas relaciones de escala, el cromatismo desbordante, los chorreados y manchas vehementes, y la iconografía agresiva.

La trayectoria docente de Hugo Longa fue muy importante; sus numerosos alumnos integran el grupo de artistas jóvenes del Uruguay actual.

ARTE URUGUAYO/ Rodolfo Fuentes (1954)

2011-07-04T13:27:00.000-07:00

Rodolfo Fuentes Baez
Santa Lucía 1954.

Diseñador gráfico / Fotógrafo. Vive (exactamente desde 1954) y trabaja (aproximadamente desde 1970) en Uruguay.

Fundador de la Asociación de Diseñadores Gráficos Profesionales del Uruguay (1990), Miembro Fundador de la Alianza Latinoamericana y del Caribe de Diseñadores Gráficos (1992), Miembro Honorario de la Asociación Argentina de Diseñadores Gráficos (1993).

Premio Morosoli (1996).

Docente: Foto Club Uruguayo (1987), Centro de Diseño Industrial (1992-95), Universidad ORT (1995-2000)

Conferencista en simposios y workshops en congresos y universidades de Uruguay, México y Brasil.

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Algunas exposiciones:

Como diseñador

30 POSTERS ON ENVIRONMENT AND DEVELOPMENT, ECO 92 Cumbre de la Tierra, Rio de Janeiro, BRASIL. Invitado junto a Shigeo Fukuda, Neville Brody, Dan Reisinger, Gert Dumbar, Nancy Skolos, Pierre Bernard, Ken Cato, Niklaus Troxler y otros, para el proyecto exhibido en 61 galerías y museos de todo el mundo, incluyendo el MUSEU DE ARTE MODERNA DE SAO PAULO, el CENTRE GEORGES POMPIDOU y las sedes centrales de las NACIONES UNIDAS en New York y Ginebra. (1992)

INTER GLOBAL DESIGN ACTION, fax contra los test nucleares franceses
Convocatoria mundial exhibida en forma itinerante en Europa. (1995)

FAX ART por la preservación de la capa de OZONO, junto a diseñadores de todo el mundo. (M. Glaser, Shigeo Fukuda, Dan Reisinger y Helmut Langer entre otros) Convocatoria mundial , itinerante en Venezuela y otros países de Latinoamérica y Europa. (1996).

2da Exposición Internacional del Cartel organizada por ADA/Alianza de Diseñadores Argentinos.
En la Universidad Nacional de Tucumán, Argentina. (1996)

INTERCAMBIOS / 16 Diseñadores Exposición con motivo del XVII Congreso Mundial de ICOGRADA, Punta del Este. (1997)

AGITNET Posters contra la censura del e-mail en Zimbabwe, Convocatoria mundial, exhibida en sitio web (2000).

LUIS ALMEIDA / RODOLFO FUENTES: Identidad Latinoamericana en un mundo global Galería del Instituto de Artes Visuales de la UNIVERCIDADE, Río de Janeiro, BRASIL (2005).

Como fotógrafo
Además de su trabajo profesional, que continúa desarrollando, expone entre 1976 y 1993 a través de muestras individuales y colectivas en Uruguay, Argentina, Brasil, Chile, Venezuela, URSS y Alemania. Sus muestras son seleccionadas por AICA (Asociación Internacional de Críticos de Arte, Filial Uruguay) como lo mejor del año en 1986/87/88.

Su obra de diseño en colecciones internacionales:
Colecciones permanentes del MUSEU DE ARTE MODERNA (Río de Janeiro, BRASIL), THE ISRAEL MUSEUM, (Jerusalen, ISRAEL), MUSEO DE LA PUBLICIDAD, (Louvre, Paris, FRANCIA), Biblioteca del Congreso de los EE.UU, Colección de la Bienal de BRNO (Rep. CHECA), Colección de la UNIVERCIDADE (Río de Janeiro, BRASIL)

Algunas publicaciones sobre su trabajo:
NOVUM (Alemania), DESIGN ART (Taiwan), ABIGRAFICA (Brasil), tipoGRÁFICA (Argentina), GREATIS (Rusia), IDEA (Japón) DESIGNE (Brasil) y EL ARQA (Uruguay) entre otras.

Publicaciones teóricas de R. Fuentes sobre Diseño Gráfico:

La práctica del diseño gráfico / Prólogo de Joan Costa / Editorial PAIDOS, España / 2005 (Edición en portugués para Brasil y Portugal: Ediçoes ROSARI, Brasil / Abril 2006) Texto utilizado en Universidades de Brasil, Bolivia y España.

¿Qué es el diseño? / Introducción a textos de 50 diseñadores internacionales de primer nivel: Alan Fletcher, Milton Glaser, Niklaus Troxler, Xavier Bermúdez, Felipe Taborda, Uwe Loesch, Chaz Maviyane, Wang Xu, Carlos Palleiro, Pablo Kunst, Fernando Medina entre otros. Editorial CommTOOLS, Argentina / 2005

Los Veinte: el proyecto uruguayo. Arte y diseño de un imaginario 1916-1934 / Texto sobre Diseño Gráfico en Libro- Catálogo de exposición / Museo Municipal de Bellas Artes Juan Manuel Blanes, Montevideo / 1999

Diversos artículos en revistas: IMPRESIÓN GRAFICA (Bolivia), DESIGNE (Brasil), EL ARQA, y CULTURAL de El País (Uruguay), entre otras (1983- ).

ARTE URUGUAYO/ José BELLONI (1882-1965)

2011-07-04T13:15:00.000-07:00

Nació en la ciudad de Montevideo el 12 de setiembre de 1882. Muy joven se trasladó a Europa, comenzando su carrera artística en Lugano (Suiza) bajo la dirección del maestro Luis Vasseli, en la Escuela Profesional de dicha ciudad.Vuelto al Uruguay obtuvo por concurso una beca de escultura en el año 1899. Regresó a Europa, concurriendo a la Academia de Munich, enviando anualmente sus trabajos a las exposiciones de esa ciudad, como asimismo a las de Roma, Ginebra, Budapest, Lugano, Lausana y Neuchatel. Enseñó dibujo profesional en Tesino (Suiza).

Finalizada su beca regresó a Montevideo, donde fue designado por la Comisión del Círculo Fomento de Bellas Artes, para dirigir las clases de modelado y de dibujo ornamental, cargo que ocupó hasta el año 1914, cuando con motivo de la muerte del pintor Carlos María de Herrera, director del Círculo fue designado para ocupar esa vacante.

En el año 1910 concurrió a la exposición de Arte del Centenerio Argentino, en el que obtuvo una medalla de plata por su obra "Angustia". En el año 1914, realizó el monumento conmemorativo a la memoria del pintor uruguayo Carlos María de Herrera, ubicado en el Paseo del Prado. Dentro de su vastísima obra cabe mencionar el monumento a "La Carreta", emplazado en el Parque Batlle y Ordoñez, una de las más admirables obras del género escultórico, que alcanzara justa fama universal, así como "La Diligencia", ubicada en el Prado, obra de similares características a la anterior.

Es también autor de algunas figuras decorativas del Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo y de bajorrelieves que se hallan al frente de dicho edificio.

Paralelamente a su producción artítica se desempeñó en la docencia, al frente de la clase de modelado y dibujo al natural y modelo vivo en la Facultad de Arquitectura. Una desbordante tarea de taller absorbió lo mejor del genio creador del artista.

Es así que entre las diversas esculturas ubicadas en diferentes lugares públicos de Montevideo se puede citar: los monumentos a Ansina, Juan Manuel Blanes, Dr. Julio Carrere, El Aguatero, El Entrevero, Dr. Luis Morquio, Nuevos Rumbos, José Enrique Rodó, Guillermo Tell y María Eugenia Vaz Ferreira.

Falleció el 28 de noviembre de 1965, en la ciudad de Montevideo, en la que ha quedado perpetuado el genio creador del gran maestro.

ARTE URUGUAYO/ Augusto TORRES (1913-1992)

2011-07-04T13:14:00.002-07:00

Augusto Torres
(1913 - 1992)

Nace el 19 de junio de 1913 en Barcelona siendo el segundo hijo del pintor uruguayo Joaquín Torres García. Los traslados permanentes caracterizan a la familia Torres García y contribuyen a que la primera formación del joven pintor se desarrolle en Europa y Norte América. Trabaja en París en el taller del escultor Julio González y asiste a las clases de dibujo de Amadeo Ozenfant. En abril de 1934 la familia Torres García arriba a la ciudad de Montevideo, Uruguay. Poco tiempo después Joaquín Torres García funda la Asociación de Arte Constructivo (AAC, 1935) de la cual su hijo forma parte. Dicha Asociación se disuelve en 1943 fundándose el Taller Torres García del cual Augusto Torres es uno de sus miembros. De esta época datan los trabajos que firmaban indistintamente TTG. El Taller presenta numerosas exposiciones colectivas en: Montevideo, Buenos Aires, París y Washington entre otras ciudades. Mientras tanto realizan 27 grandes murales en el Hospital Saint Bois. En 1954 Augusto Torres pinta un mural para el Sindicato Médico de Montevideo con ayuda de Elsa Andrada y otros compañeros. Participa en 1953 y 1979 en las Bienales de San Pablo representando a Uruguay. Entre los años 1954 y 1956 expone en la XXIX Exposition del Salón des Surindependents en el Museo de Arte Moderno y en el Museo de Amsterdam "Jonges Schilders uit Uruguay". Realiza exposiciones en el Santa Barbara Museum of Art y además interviene en muestras colectivas en Dusseldorf (1986) y Japón (1987). En la obra de Augusto Torres se destaca la fusión de las dos tendencias que predominan en el arte desde los tiempos más remotos: por una parte la tradición mental, abstracta, racional, geométrica, universal y por otra un arte visual concreto, sensible, luminoso y particular. Pretende así el pintor que esos dos polos coexistan simultáneamente en su obra. Este fenómeno lo logra acentuando en algunos casos lo que la sombra tiene de formal y en otros lo que posee de accidente luminoso.

Muere en la ciudad de Barcelona el 13 de marzo de 1992.

ARTE URUGUAYO/ Mario LORIETO (1919)

2011-07-04T13:14:00.001-07:00

Mario Lorieto
(1919)

Pintor y escultor nacido en Montevideo el 10 de agosto de 1919. Integró el Taller Torres García desde 1952 hasta el cierre del mismo en 1964.

Estudió pintura y dibujo con José Gurvich, Julio U. Alpuy y Augusto Torres. Realizó viajes de estudio a varios países europeos en 1953, 1966 y 1969.

Expuso individualmente en Taller Torres García, Instituto General Electric,1965; Due Mondi, Roma, 1971, 1976,1978; Losada Artes y Letras, 1970, 1972, 1975; Galería Vieytes, Montevideo, 1981; Allianza Francesa, 1984; Galería Espacio Amalfi, 1980; Galería Bruzzone, 1990; Galería Sur, Punta del Este, 1995; Atrio Intendencia Municipal de Montevideo, 1996; Molino de Pérez, 2001. Participó en todas las muestras colectivas del Taller Torres García desde la 9º exposición, en Montevideo y en Nueva York.

Obtuvo Premio Adquisición XI Salón Municipal 1959; Medalla de Oro en el Concurso del Instituto Panamericano de Cultura, 1969; Premio Adquisición XII Salón Municipal, 1960; 1er. Premio Escultura XXXVI Salón Municipal, 1989; Premio Nacional Pedro Figari del Banco Central, 1998.

En la década del 60 comenzó a experimentar con madera y cemento, aplicando estos materiales a trabajos murales. Desde 1970 trabaja en collage y en hierro. Utiliza el collage con criterio plástico-pictórico. Con los papeles obtiene gradaciones cromáticas propias de la pintura. La paleta tonal, el despojamiento y la austeridad son características salientes de su obra. Trabaja el metal por medio de la soldadura de diferentes piezas, crea figuras antropomórficas sugestivas en las que el peso del material cuenta poco debido lo aéreo y leve de las formas.

Está representado en el Museo Municipal de Bellas Artes "Juan Manuel Blanes "; Museo Nacional de Artes Visuales; Hospital de Clínicas; Parque de Esculturas del "Edificio Libertad"; Bolivia y Avenida Italia; Jardines de Tres Cruces; Hall de la Institución Médica IMPASA; sede del Club Peñarol; Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid; Museo de Bellas Artes de Buenos Aires; Museo de Arte Moderno de Roma.

ARTE URUGUaYO/ Clever LARA (1952)

2011-07-04T13:13:00.001-07:00

Clever Lara
(1952)

Nació en Rivera, el 26 de noviembre de 1952. Sus primeros estudios los realizó en su ciudad natal. En el período comprendido entre 1964 y 1968, participó en el Taller de Edgardo Ribeiro. En usufructo de la Beca Guggenheim estudió grabado en metales en el Prat Graphics Center de Nueva York (1984). En ese mismo año hizo un curso de grabado con Luis Camnitzer en Valdottavo-Lucca, Italia. Entre las principales exposiciones colectivas en las que intervino, pueden citarse: Premio Miró, Barcelona, 1976; XVI Bienal de San Pablo; Bicentenario del Nacimiento de Simón Bolívar, Mérida, Venezuela, 1983; Four from Uruguay, Nueva York, 1984; Primera Bienal de La Habana, 1984; XLII Bienal de Venecia; Primera Bienal de Pintura, Cuenca, Ecuador, 1987, etc. Además, ha expuesto en Paraguay, Chile, España, Alemania, EEUU, Israel, Unión Soviética, etc. En 1989 expuso en el Venezuelan Arts Center de Nueva York. Recibió el Tercer Premio en la exposición Bicentenario del Nacimiento de Bolívar, Gran Premio PANAM-VII Bienal Internacionalde Pintura de Maldonado (1987), etc. En 1988 fue distinguido por la Fund for Artists Colonies, EEUU. Dirige su propio Taller. Recibió el Premio Figari en 2001. Ha actuado como comisario en envíos de Uruguay a exposiciones internacionales (Bienal de San Pablo y Bienal de Venecia). En los lienzos de Lara emerge de un modo natural un aura de mundo mágico y trágico al que se superpone un orden geométrico que respeta la identidad de los objetos. No desemboca en un juego manierista merced a las relaciones encuentro/desencuentro que establece con los objetos. En las zonas centrales de sus pinturas se inscriben ventanas hacia lo real que confieren credibilidaad a la imagen, mientras la pintura se desvanece a los márgenes. Obras suyas se encuentran en museos de Uruguay y Paraguay, así como en colecciones privadas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, EEUU y Paraguay.

ARTE URUGUAYO/ Ignacio ITURRIA (1949)

2011-07-04T13:08:00.001-07:00

Ignacio Iturria nació en Montevideo en 1949. Su origen paterno se remonta al País Vasco español. Estudió ilustración publicitaria y diseño gráfico en la Universidad del Trabajo, antes de dedicarse de lleno a la pintura y las Bellas Artes en los talleres de Nelson Ramos, W. Marchand, J. Verdié y Ribeiro en Montevideo. Vivió en Cadaqués, ciudad de la costa mediterránea, cerca de Barcelona , durante la década de 1980, donde trabajó con Ramón Aguilar Moré y estuvo en contacto con la escuela catalana de pintura. Iturria ha exhibido su trabajo a lo largo y ancho de América Central y del Sur, así como en Estados Unidos y Canadá; en Europa y en Japón.
Entre los premios obtenidos se destacan: Gran Premio de la IV Bienal de Pintura de Cuenca, Ecuador, 1994. Premio Especial "Casa di Risparmio" en la XLVI Bienal de Venecia,1995. Gran Premio de la XII Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe, Puerto Rico,1997. "Premio Figari" Montevideo, Uruguay, 2001.

ARTE URUGUAYO/ Luis ARIAS (1953)

2011-07-04T13:07:00.000-07:00

LUIS ARIAS.
Nace en la ciudad de Rivera el 21 de setiembre de 1953.
A los 9 años ingresa en el Taller de Expresión Plástica infantil de Rivera (E.T.A.P.) donde estudia dibujo y pintura con el Prof. O. Santos.
En 1964 estudia escultura con el Prof. Bulmini en el Centro Rodó de Rivera.

En 1987 ingresa al "Taller Lara" en Montevideo donde pasa luego a ser docente.
En el mismo año comienza a cursar estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes (asimilada a la Facultad) de la Universidad de la República, donde egresa como creador plástico en 1998.
Participa en 1990 en el curso Post Grabado sobre acrílico en el Museo de Artes Visuales, dictado por el Prof. David Finkbeiner de la Universidad de New York; En el mismo año estudia grabado con el Prof. Luis Solari y en 1995 Teoría del Arte con a Dra. Dorothée Willert.
En el año 2000 la AECI le otorga una beca para realizar estudios e investigación en la Real Academia de San Fernando - Instituto Nacional de Calcografías en Madrid.

ARTE URUGUAYO/ Manuel PAILÓS

2011-07-04T13:06:00.000-07:00

Nació en Galicia, España, en 1918. En 1920 su familia se trasladó a Montevideo, en 1942 ingresó en el Círculo de Bellas Artes, estudió con Guillermo Laborde y José Cúneo. Conoció a Torres-García en una exposición del maestro. En 1943 se unió al Taller Torres-García. Experimentó con múltiples materiales: probó la encáustica, trabajó combinando construcciones en yeso y madera, el cemento poroso, el polvo de ladrillo, hasta recogió tierra de diferentes colores para pintar. De 1963 a 1967 enseñó en el Taller. En 1968 ganó el premio de escultura en el Salón Nacional de Artes Plásticas. En 1991 fue invitado por la Junta de Galicia a realizar una exposición en Santiago de Compostela y una escultura en granito para los jardines de la Facultad de Economía. Vive en Montevideo.
Exposiciones individuales (selección):

1991 Manuel Pailós, Santiago de Compostela, Madrid. España.

1987 Los Ideogramas de Manuel Pailós, Galería Bruzzone, Montevideo.

1985 Exposición Manuel Pailós, Intendencia Municipal de Montevideo.

1984-76 Galería Bruzzone, Montevideo.

1979 Manuel Pailós, Galería de Arte Basifud, Sáo Paulo Manuel Pailós, Museo de la Ciudad de Santa Fe, Argentina.

1967-65 Manuel Pailós, Jockey Club de Montevideo.

1967-60 Manuel Pailós, Amigos del Arte, Montevideo.

1966 Manuel Pailós, Instituto General Electric, Montevideo.

Exposiciones colectivas (selección):

1996 Le Cercle de Torres-García, Zabriskie Gallery, París Constructive Universalism-School of the South, OAS Museum of the Americas, Washington, D.C. y 1997 Museo del Banco Central, San José, Costa Rica.

1995 65 Years of Constructivist Wood, Cecilia de Torres, Ltd., New York.

1994 Torres-García y la Escuela del Sur, Quinta Galería, Bogotá, Colombia.

1993 El Taller Torres-García, The School of the South, Museo Reina Sofía, Madrid.

1991 Archer M. Huntington Art Gallery, Austin, Texas; Museo de Monterrey & Museo Rufino Tamayo, México; The Bronx Museum, New York.

1989 Museo Nacional de Artes Plásticas, Montevideo.

1979 Surrealismo: Manuel Pailós, Montevideo.

1978 Instituto Paraguayo-Americano, Asunción, Paraguay.

1973 XXXVII, Salón Nacional de Artes Plásticas, Montevideo.

1972 XXXVI, Salón Nacional de Artes Plásticas, Montevideo. Bienal de Coltejer, Medellín, Colombia.

1970 I Bienal de Escultura, Montevideo, Uruguay.

ARTE URUGUAYO/ Gonzalo FONSECA (1922- 1997)

2011-07-04T06:44:00.000-07:00

Fonseca siempre investigando materiales, introduce en su obra el cemento, la madera y la arcilla, con la que llegó a reproducir la antigua técnica de la cerámica precolombina y griega. En esta obra logra la conjunción entre la pintura, el símbolo y el objeto. Aquí se manifiesta la semilla de su futura obra arquitectónica, tribal y pétrea de sus esculturas en piedra donde el artista nos transporta a un mundo mágico, misterioso y mítico.

Nació en Montevideo en 1922; de niño viajó frecuentemente a Europa con su familia. Las impresiones de visitas a museos y lugares arqueológicos marcaron su sensibilidad definitivamente. A los 15 años aprendió a tallar la piedra, en 1939 ingresó en la Facultad de Arquitectura de Montevideo. En 1942 abandonó los estudios de arquitectura para integrar el Taller Torres-García. Con un grupo de artistas del Taller viajó en 1945 a Per y Bolivia para estudiar el arte precolombino. Realizó varios murales en cafés de Montevideo. Viajó a Europa en 1950, residió un año en Paris, donde trabajó en cerámica en el taller Savigní; en 1952 viajó a Roma donde expuso sus cerámicas. Recorrió el Cercano Oriente trabajando en excavaciones arqueológicas en Jordania, Egipto y Siria.

Al reencontrar el arte que tanto le había impresionado en su adolescencia, comenzó a experimentar en su obra con materiales, volumen y texturas que distinguen ya la presencia única de su personalidad. En 1958 se radicó en Nueva York. A partir de 1970 pasa parte del año en Italia, cerca de Carrara, donde trabaja en esculturas de gran escala. En 1975 viajó a la India.

Fallece en su taller de Pietra Santa, Italia el 11 de junio del 1997.

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ARTE URUGUAYO/ Rafael BARRADAS. (1890-1929)

2011-07-04T06:42:00.000-07:00

Rafael Barradas (Montevideo, 4 de enero de 1890 - 12 de febrero de 1929), dibujante y pintor uruguayo.
A pesar de su corta vida realizó obras que lo hacen figurar entre los pintores destacados de su generación. Su viaje a Europa en 1913 gracias a su amigo, el cantante Alfredo Medici que le compartió su beca del gobierno uruguayo para perfeccionarse en el Teatro de la Scala de Milán, donde contactó con los futuristas italianos, de allí viajó a París donde tuvo la posibilidad de ver los movimientos de vanguardia que allí se gestaban y regresó a Milan.
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Desarrolló una particular forma de expresión pictórica, consistente en dotar a sus dibujos de una gran fuerza expresiva apoyada en un excelente cromatismo que se lo define como "vibracionismo". En Barcelona a donde se trasladó en (1914), se relacionó con poetas catalanes de la corriente de vanguardia como también con el andaluz Federico García Lorca y en 1916 conoció y trabó amistad con Torres García cuya obra dio un vuelco desde que conoció el vibracionismo de Barradas. En 1915 se casa en Zaragoza con Simona Lainez, mas conocida como Pilar. Allí expuso sus obras y en 1923 regresó y pintó los "Magníficos", personajes del pueblo en sus quehaceres con otro tono de color más expresivo, abandonando el vibracionismo. También ilustró con sus dibujos las obras de Joan Salvat-Papasseit, Gregorio Martínez Sierra y Ramón Gómez de la Serna y muchas revistas de arte (Alfar, Hélices, Grecia entre otras) y publicaciones para niños. Influyó en la pintura del joven Salvador Dalí y el escultor Alberto Sánchez. Las tertulias en las que el participaba eran las frecuentadas por toda la España de las artes de vanguardia. En 1926 se traslada a L'Hospitalet de Llobregat, en Cataluña, y desarrolla la serie de los "Místicos", pintura de evocación religiosa, así como, en 1928, la serie "Estampones Montevideanos" inspirándose en su ciudad natal y las escenas del puerto y el barrio Sur. A finales de ese año regresa a Uruguay, enfermo, y a los pocos meses muere dejando la mayor parte de su obra en manos de su familia quien la expone permanentemente en su casa.

La familia hace entrega de la obra, en 1969, al Ministerio de Cultura, a fin de crear un Museo Barradas. Hoy en día se encuentra en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, donde se expuso en 1972. Desde esa fecha hasta nuestros días no se ha repetido una muestra de esas características.

El 16 de abril de 2008 se remató un oleo sobre tela, titulado "Muñeca" fechado 1919, de 51.5 X 59.5 cm; en la firma Castells y Castells de Montevideo, Uruguay por el cual se pagó USD 108.000.

ARTE URUGUAYO/ Petrona VIERA(1895- 1960)

2011-07-04T06:39:00.000-07:00

El 24 de marzo de 1895 nace Petrona Viera, a quien llamarían afectuoamente “Lala”, primera hija del matrimonio formado por el Dr. Feliciano Viera y doña Carmen Garino.

A los dos años Petrona fue víctima de una fuerte meningitis que la deja sordomuda. Desde muy pequeña aprende, con una maestra especializada, a leer las letras y los labios, a escribir y hacerse entender con gestos.

Apenas sobrepasada su adolescencia descubre su vocación, comenzando sus estudios artísticos a los 18 años.

En 1915 (año en que su padre asume la Presidencia de la República) surgen sus primeras muestras, manifestando un talento natural para la expresión plástica. En 1920, Vicente Puig la inicia en las técnicas del dibujo y la pintura.

Desde 1922 Guillermo Laborde es su maestro, amigo y consejero, hasta su muerte en 1940.

En 1926 realiza su primera exposición individual en Galería Maveroff.

En 1927 muere su padre, a los 58 años. Dos años después venden al Estado la casa quinta ubicada en 8 de Octubre 3050 (hoy Escuela de Sanidad) y se mudan a una casa, que les donara gente amiga del Partido Colorado, en 8 de Octubre 2850 (hoy Escuela Especial N° 210 “Petrona Viera”).

Desde 1940 a 1950 aprende grabado con el maestro Guillermo Rodríguez. En esos años nacen sus sobrinos Matilde y Feliciano.

El 5 de octubre de 1960, a los 65 años, Petrona muere de cáncer.

El ambiente familiar

El gran cariño que rodea a Petrona impide que desde muy pequeña su limitación la haga sentirse diferente. Si bien no salía de su casa, la activa vida social que tiene lugar en la casa quinta de los Viera la mantiene en contacto con el mundo exterior. Grandes figuras de la cultura y de la política visitaban aquella casa con frecuencia. Su padre era un hombre culto y conservador, y su madre, una mujer elegante y culta, muy cuidadosa en la educación de sus hijas.

Su padre era impulsor y amigo de quienes habían fundado el Círculo de Bellas Artes, por lo cual no le fue difícil procurar una formación artística para su hija (en su propia casa), que demostraba, además de interés, un talento natural para la expresión plástica.

La muerte de su padre ocasiona un gran cambio en la vida familiar. La tristeza invadió la casa y las visitas empezaron a escasear hasta desaparecer. La situación económica se volvió muy difícil y tuvieron que vender la casa quinta. La alegría volvería a la casa recién, años más tarde, con la llegada de los sobrinos Matildita y Feliciano. A pesar de las dificultades económicas, su madre disponía mensualmente de un dinero para las pinturas de Petrona, quien pasa horas pintando en su taller, donde sigue recibiendo la visita de su maestro, primero Laborde y luego Rodríguez, pero también sale con su hermana Lucha a pintar exteriores. Su hermana fue su gran compañera, quien más la ayudó a comunicarse con otras personas.

Los distintos momentos duros en la vida de Petrona se reflejan en las variaciones estilísticas y los temas de sus obras: la muerte de su padre, y luego de su maestro y amigo Laborde, más tarde la enfermedad de Lucha, quien ya no la podrá acompañar a pintar, la muerte de Rodríguez, un año antes de la suya, y el avance de su enfermedad que su familia ignoraba.

CARACTERÍSTICAS GENERACIONALES

En plena era batllista, el país se hallaba en un momento de hondas transformaciones. Fue una época de notable optimismo en Uruguay, en la que comenzó a desarrollarse el mito del “Uruguay feliz”.

El planismo fue la corriente pictórica principal en aquellos años y contribuyó a impulsar una etapa de modernización en el arte uruguayo. Dentro de ella sobresalen, entre otros, José Cuneo, Andrés Etchebarne Bidart, Guillermo Laborde, Carmelo de Arzadun, Humberto Causa, Domingo Bazzurro, César Pesce Castro, Guillermo Rodríguez, Melchor Méndez Magariños, Alfredo de Simone y la propia Petrona Viera.

Para el desarrollo del planismo y de toda la modernidad pictórica, fue muy importante la proyección de la docencia del Círculo de Bellas Artes y la influencia de los jóvenes becados a Europa, que retornaban de los centros metropolitanos. Estos jóvenes por un lado rechazan el arte uruguayo y por otro lado buscan, dentro del propio medio ambiente, las raíces que los ayuden a adentrarse en esta tierra que tan poco soporte artístico y cultural les brindara.

El Círculo de Bellas Artes fue creado en 1905, merced a un grupito reducido de amantes del arte, inscripto en la “etapa de modernización”, donde por primera vez pueden ingresar mujeres.

Petrona Viera no fue la única mujer que pintaba en los años veinte y treinta pero fue sí quién, en esos años, verdaderamente sobresalió de una manera singular, llamando la atención de sus contemporáneos.

En esa época Uruguay vivía cierto auge del feminismo, pues fueron los años de un protagonismo y activismo femenino en pro de los derechos de la mujer y de su participación cívica, aunque probablemente nada de esto haya tenido repercusión en la muy conservadora vida familiar cotidiana de Petrona y sus hermanas.

DESEMPEÑO PROFESIONAL

Fue la primera mujer uruguaya artista plástica profesional. Emergió como pintora en los años veinte, en pleno auge del planismo y estuvo vinculada a la corriente hasta 1943, en la fase más destacada de su producción.

Comenzará su formación artística con el pintor Vicente Puig. Iniciará luego un largo proceso de formación y consolidación pictórica con Guillermo Laborde, contacto que abarcará casi veinte años de una trayectoria artística que alcanzó cuatro décadas.

Tras la muerte de Laborde, la tragedia y la tensión irrumpen en su obra.

Incursiona por diversas técnicas, entre ellas el grabado sobre madera y metal, con el apoyo del profesor y pintor Guillermo Rodríguez. Esta etapa se prolongará hasta su muerte. A fines de los cincuenta vuelve al planismo, pintando flores y frutas en formatos muy pequeños, quizá carentes de interés.

En cuarenta y cinco años de labor ininterrumpida surgieron variaciones estilísticas y el dibujo las revela de manera inconfundible: las playas uruguayas, el mundo infantil en juegos e interiores, el desnudo femenino, los jardines y los árboles fueron temas esenciales de su quehacer, dejando testimonios de su creatividad en pinturas al óleo, en dibujos, en acuarelas y en grabados.

Su larga trayectoria se evidencia en la periódica participación en exposiciones organizadas por el Círculo de Bellas Artes, en muestras colectivas en el exterior, e individuales en nuestro medio.

ARTE URUGUAYO/ Alfredo DE SIMONE (1892- 1950)

2011-07-04T06:38:00.000-07:00

Alfredo De Simone
(1892 - 1950)

Nace el Latarico, provincia de Cosenza, Italia, el 1 de noviembre de 1892. Emigra con su familia a Montevideo a los tres años de edad, obteniendo la ciudadanía legal uruguaya en 1924. Su existencia estará tempranamente marcada por problemas económicos y circunstancias trágicas. A los pocos meses de nacer, cae desde una terraza en su pueblo natal sufriendo visibles y dolorosas secuelas el resto de su vida. Desafiando su situación, ingresa en los cursos nocturnos del Círculo de Bellas Artes, obteniendo una beca de estudios; contándose entre sus profesores: Pedro Blanes Viale, Guillermo Laborde, Carmelo de Arzadun. Es un contertulio frecuente de los cafés que nuclean a la bohemia montevideana como "El Cosmos", "Tupí Nambá", "La Giralda", en cuyas paredes también expone su obra de juventud. Su producción inicial registra la influencia planista que el aprendizaje en el Círculo le imprimía a toda una generación. La mayoría de los críticos coinciden en ubicar lo más original de su producción desde la segunda mitad de la década de los 30 cuando comienza a preocuparse por la materia, por el empaste, recurso que ya tiene antecedentes en nuestra pintura a partir de la pincelada de Carlos Federico Sáez . Su obra integra la exposición que en Buenos Aires realizara el Grupo Teseo en 1927; participa en la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 1930 recibiendo medalla de plata, interviene en la década del 30 en las exposiciones realizadas por la Escuela Taller de Artes Plásticas, en Salones Municipales y Nacionales; realiza en 1943 una muestra individual en el Subte Municipal, en 1949 expone nuevamente en Buenos Aires.
De su obra- dispersa y en gran número destruida- se destacan temas disímiles: retratos, bodegones y, sobre todo, paisajes de ciudad. De Simone es el paisajista del Barrio Sur de Montevideo, de sus calles y edificios con multiplicación de puertas y ventanas. En sus paisajes urbanos ya no se encuentra la mirada complaciente y esperanzadora de los planistas, sino una paleta tonal inserta en paisajes deshabitados que contribuye a otorgarle a su pintura una visión del entorno cargada de melancolía. Muere en Montevideo, en 1950.

ARTE URUGUAYO/ Carlos GONZÁLEZ (1905-1993)

2011-07-04T06:36:00.000-07:00

Carlos González
(1905-1993)

Nació en Melo, Departamento de Cerro Largo, el primero de diciembre de 1905. Alumno liceal de Andrés Etchebarne Bidart, fue un artista de formación esencialmente autodidáctica. Expuso numerosas veces en los Salones Municipales y en los Salones Nacionales. En estos últimos, recibió el Segundo Premio, Medalla de Plata, por su xilografía "Cuento popular" (1942); el Primer Premio, Medalla de Oro, por la xilografía "Muerte de Martín Aquino" (1943); el Gran Premio, Medalla de Oro, por el grabado en madera "Lobizón" (1944). También en los Salones Municipales recibió distinciones: por sus xilografías "Trabajo" (IV Salón, 1943) y por "Queremos tierra" (VI Salón, 1945). Intervino en la Exposición Internacional del Grabado Contemporáneo de París (1949, único artista americano cuya obra fue reproducida en el catálogo de la muestra). Integró el grupo de grabadores uruguayos invitados por The American Institute of Graphic Arts, para exponer en Nueva York (1945). En colaboración con el pintor y grabador Luis Mazzey, realizó varios murales, uno de ellos por concurso para ANCAP ("Labores de la Ancap") y otro para el Centro de Vendedores Mayoristas ("La historia del comercio en el Uruguay"). Publicó un álbum de grabados sobre temas folclóricos.. En su obra no se evidencian preocupaciones psicológicas. No se trata del folklore, ni del costumbrismo ni de la decoración. González no busca la belleza étnica, estética. Su obra trasciende la mera descripción naturalista, muestra a sus personajes reinventándolos plásticamente, a instancias del instinto. Obras suyas se encuentran en museos de Uruguay, Argentina, EEUU y Francia (Gabinete de Estampas de la Biblioteca de París), así como en colecciones privadas de Uruguay y de otros países.
Falleció en Montevideo el 30 de abril de 1993.

ARTE URUGUAYO/ Manuel ESPINOLA GOMEZ (1921-2003)

2011-07-04T06:35:00.000-07:00

Manuel Espínola Gómez
(1921-2003)

Nació en Solís de Mataojo, Departamento de Lavalleja, el 5 de julio de 1921. De formación autodidáctica, conoció al músico Eduardo Fabini, oriundo de su pueblo, quien lo apoyó en forma permanente. A los 25 años obtuvo la Medalla de Plata en el Salón Nacional de Bellas Artes (1946). Luego, en un corto lapso, recibió los premios más importantes: Primer Premio, Medalla de Oro, en el Salón Nacional (1961), Gran Premio, Medalla de Oro, en el Salón Nacional (1962), Premio Blanes (1963). Participó en la IV, V y VI Bienal de San Pablo (1957, 1959 y 1961) y en la XXXIII Bienal de Venecia (1966). En 1958 integró el envío uruguayo a la Bienal Interamericana de Pintura y Grabado de México y en 1962 a la Primer Bienal Latinoamericana de Arte Moderno de Córdoba (Argentina). En 1960 había participado en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Buenos Aires. Sus obras han integrado muestras exhibidas en Alemania, Unión Soviética, Italia, Holanda, Portugal, etc. Fundador de la Unión de Artistas Plásticos Contemporáneos (1963). Se desempeñó (a partir de 1985) como asesor plástico de la Presidencia de la República. Proyectó y diseñó la decoración de la residencia presidencial de la Avenida Suárez y parcialmente la Sala de Acuerdos de la Presidencia en el Edificio Libertad (1985). En 1987 diseñó la remodelación del segundo piso y del hall de entrada del Edificio Independencia (Palacio Estévez), junto al arquitecto Benech. Las obras fueron parcialmente terminadas. También fue asesor del Departamento de Cultura de la Intendencia Municipal de Montevideo. Ha diseñado logotipos (Frente Amplio, Convención Nacional de Trabajadores, Galería Latina, etc.) y tapas de libros. Realizó bocetos, escenografías y diseños de vestuarios teatrales. Proyectó las obras de decoración del Gasómetro de la Rambla Sur, etc. Galería Latina editó en 1991 su biografía con numerosos documentos gráficos, a cargo de Jorge Abbondanza. En 2000 dio a conocer, después de mucho tiempo, obras exhibidas por primera vez en una muestra titulada "Boligrafías". Recibió el Premio Figari en 2000. Realizó una exposición Retrospectiva en el Centro Municipal de Exposiciones (Subte) en 2001 y en el mismo año expuso dibujos en el Museo de Arte Contemporáneo. Espínola Gómez edifica un mundo que está entre la ciencia ficción y la geometrización metafísica, y su pintura se despliega entre la pintura real y la surreal. Es un clima de ciencia ficción en cuanto espacio solitario, tiempo congelado, habitado por figuras geometrizadas que desempeñan una función simbólica. Pero sus símbolos están lejos de una abstracción decantada: refieren de una manera directa a la realidad y el artista los carga de representatividad.
Falleció en Montevideo, el 10 de mayo de 2003.

ARTE URUGUAYO/ Humberto CAUSA (1890-1925)

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Humberto Causa
(1890-1925)

Nació en Montevideo el 8 de agosto de 1890. Los primeros estudios los realizó en la ciudad de La Plata, Argentina, aunque puede decirse que su verdadera capacitación técnica y su orientación artística las adquirió en los cursos que siguió en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo. En esa institución estudió con Carlos María Herrera y con Vicente Puig. A raíz de una beca que recibió en 1913, tuvo la oportunidad de viajar a Europa. Fue entonces cuando visitó Alemania, Italia, Francia y España, y en particular Mallorca, lugar en el cual residió y realizó varias de sus pinturas más importantes. De regreso en nuestro país, en 1918 se radicó durante seis meses con José Cuneo en el Departamento de Maldonado, para dedicarse a la enseñanza y a pintar el paisaje de la aquella zona. Paralelamente a su dedicación a la pintura, realizó ensayos de cerámica, una expresión artesanal que estaba muy poco desarrollada en Uruguay y para la cual dejó varios proyectos. Realizó obra planista como la mayoría de los mejores pintores de la época. Lo realizaban tanto en el manejo de los colores contrapuntísticos que resultaban inarmónicos para los pintores tonales, como en el modo de aplicarlos. Obras suyas se encuentran en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo Municipal Juan Manuel Blanes y en varias colecciones privadas. Falleció en Argentina, en la ciudad de La Plata, en enero de 1925.
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ARTE URUGUAYO/ Luis SOLARI (1918-1993)

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Nace en la ciudad de Fray Bentos, Uruguay, el 17 de octubre de 1918. En 1925 su familia se traslada a la capital del país, Montevideo, donde entra en contacto esporádico con la pintura y sus técnicas. En 1932 conoce al pintor Zoma Baitler, y un año más tarde ingresa al Taller de Pintura Decorativa de la Escuela Industrial del profesor Guillermo Laborde donde, en colaboración con otros alumnos, realiza escenarios, escenografías, decoraciones de edificios con pinturas murales de gran formato (Hotel Miramar, Casino Municipal, Parque Rodó).

En 1934 ingresa al Círculo de Bellas Artes de Montevideo donde descubre, entre otras corrientes, el post-impresionismo y el simbolismo de la pintura de Gauguin. También le atraen D'Hastrel, Rugendas, Morel, Monvoisin, y los grabados de Adolfo Pastor y Carlos González. En 1937 viaja a estudiar a Buenos Aires donde entra en contacto con la pintura de los maestros argentinos Pettoruti, Butler, Berni, Quinquela Martín y Spilimbergo. Vuelve a Fray Bentos, donde entre otras tareas vinculadas al arte realizará escenografías, decoraciones, carros alegóricos y "cabezudos" para el carnaval de su ciudad, tarea que proseguirá durante muchos años. Hasta 1940 trabaja en su tiempo libre en la Inspección Veterinaria del Frigorífico Anglo en época de matanza, y recorre la región como vendedor ambulante de una tienda, tareas que serían trascendentales para su obra. Es allí donde entra en contacto directo con los refranes populares, las creencias supersticiosas, y los "dichos" pintorescos de la gente del campo uruguayo.

Inicia su vida profesional como expositor con una muestra en el Salón Nacional de Pintura, Dibujo y Grabado de Montevideo. En 1941 recibe su primer galardón importante, el Premio Adquisición del Salón Municipal de Artes Plásticas. El 20 de mayo de 1944 contrae matrimonio con Nora D'Agosto.

En 1948 inicia una etapa fundamental en su carrera, al tomar al carnaval como tema de su obra. En 1951 algunas obras suyas integran el envío uruguayo a la Primera Bienal de San Pablo, Brasil. Al año siguiente viaja a Europa en misión encomendada por el Consejo de Educación de Secundaria para realizar un informe comparativo sobre métodos pedagógicos. En París se vincula a la Jeune Gravure Contemporaine. El escultor Osip Zadkine lo presenta, a su vez, en el Taller de Grabado de L'Ecole Superièure de Beaux Arts, dirigido por el maestro Edouard Goerg, donde se inicia en la técnica del aguafuerte. También realiza estudios del natural en la Grand Chaumière. Conoce en forma directa la obra de maestros como Tiziano, Brueghel, o más recientes como Ensor, Klee, Rouault, y la de uno de sus favoritos: Gauguin. Pero lo que más le impresiona es la pintura renacentista del Cuatrocientos: Van Eyck, El Bosco, Durero, y otros.

Retorna a Uruguay en 1953, fundando en Fray Bentos el Taller de Artes Plásticas. Participa en la 11ª. Bienal de San Pablo. En 1955 obtiene el Primer Premio de Dibujo en el Salón Nacional. En los dos años siguientes se le otorga en forma sucesiva el Premio Adquisición del Salón Municipal de Artes Plásticas. En 1959, durante la celebración del centenario de la ciudad de Fray Bentos, organiza diversos actos culturales entre los que destaca la exposición del Grupo 8. Al año siguiente participa en muestras internacionales de México y Suiza.

En 1961 vuelve a Europa. Conoce los bocetos de los vitrales de Chagall expuestos en París, lo cual lo estimula a abordar el collage, a experimentar con texturas, con los recursos informalistas, a ser más imaginativo y simbolista. En 1964 es invitado a exponer en la División Artes Visuales de la Unión Panamericana de Washington D.C. En 1965 decide radicarse en Montevideo. Practica activamente la docencia, tanto en Uruguay como en el exterior.

En 1967 viaja a los Estados Unidos a perfeccionarse en el Pratt Graphics Center y en el New York Graphics Workshop. Junto a Liliana Porter y Luis Camnitzer comienza su aventura como grabador en metal, técnica que llegará a dominar con maestría. Expone en la Zegry Gallery de Nueva York y en la Galería La Ruche de Buenos Aires. Es galardonado en 1968 en la Exposición de Artistas Grabadores del Pratt Center (Merit Award), y en 1970 decide radicarse en los Estados Unidos. En los años siguientes recibirá varios premios internacionales, y exhibirá su obra tanto en América como en Europa. En 1974 traslada su taller a Port Washington, Rhode Island. En 1975 comienza su trabajo para la edición del libro Fábulas de Esopo con veinte grabados en cobre, para el Taller de Pascual Fort (1975-1979). En los años siguientes se multiplica la participación de su obra en muestras de Estados Unidos, en América Latina, y en varias capitales europeas y en Cercano Oriente.

Reside en Miskenot Sha'ananim, Jerusalem, (1981) invitado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Israel. Esta experiencia determina en su obra una revitalización de temas bíblicos que Solari ya había abordado en otras etapas de su vida artística.

En 1986 retorna a Uruguay, para realizar en 1989 muestras retrospectivas en el Subte Municipal de Montevideo y en el Museo Blanes, y en agosto de ese año se inaugura el Museo Solari de Fray Bentos, una casa reciclada por el Municipio sobre la plaza principal de la ciudad que albergará una importante colección de obras. Instala su taller en Montevideo.

Un jurado designado por el Ministerio de Educación y Cultura le otorga en 1992 el Premio a la Trayectoria en Artes Plásticas.

Fallece el 13 de octubre de 1993.

ARTE LATINO/ Benito QUINQUELA MARTIN . Argentina.

2011-07-04T06:24:00.000-07:00

Benito Quinquela Martín

El 20 de Marzo de 1890 fue dejado en la Casa de Expósitos un niño que se suponía había nacido tres semanas antes, es por eso que el día de nacimiento de Benito ha sido consignado como el 1º de marzo. Fue bautizado con los nombres de Benito Juan y se le asignó el apellido Martín. Su primer nombre fue en razón de ser bautizado el día de San Benito Abad, el 21 de marzo. Casi ocho años después, el 16 de noviembre de 1897 es adoptado por el matrimonio formado por Manuel Chinchella y Justina Molina, quienes vivían en la Boca del Riachuelo, donde vivió toda su vida el maestro.

Cursó tan solo los dos primeros grados de la primaria, y luego se dedicó a repartir el carbón que sus padres vendían a los vecinos del barrio.

Cuando cumplió 15 años su padre que descargaba carbón en el puerto, lo convocó a trabajar con él, pese a su físico poco adecuado para la tarea, pero su empeño y rapidez le hicieron ganar el apodo de «EL MOSQUITO”.

Al poco tiempo, cuando cuenta 17 años, se inscribió en una academia para cursar dibujo y pintura, con le maestro italiano Alfredo Lázzari, quien fue su único maestro. Completó su formación autodidacta a través de lecturas en la biblioteca del Sindicato de Caldereros, y allí descubrió el libro «El Arte” del escultor francés, Auguste Rodin, que lo llevó a dedicar su vida a la creación artística.

Cuando cumple 20 años expone por primera vez sus trabajos en la Sociedad Ligure de Mutuo Socorro. En 1912 se le diagnostica un principio de tuberculosis y busca los purificadores aires de Córdoba para curar su enfermedad. Allí realiza una serie de paisajes acompañado al maestro Walter de Navazio. Retorna a los seis meses milagrosamente curado y convencido que debe reflejar, como decía Rodin, únicamente su vida y su ambiente, es decir pintar su aldea: La Boca del Riachuelo.

ARTE LATINO/ Fernando BOTERO (1932) COLOMBIA.

2011-07-04T06:21:00.000-07:00

Biografía de Fernando Botero

El 19 de abril de 1932 nace Fernando Botero en Medellín, capital del Departamento de Antioquía, Colombia, en el hogar formado por David Botero(1895- 1936), un activo comerciante que viajaba por las provincias vecinas a caballo – el único medio de transporte disponible entonces , y Flora Angulo de Botero.

(1898-1972). Una mujer creativa de reconocida habilidad manual, cuyas hermanas – las tías Ángulo –ocupan un lugar especial en el universo afectivo del pintor. Tiene dos hermanos: Juan David (1928) y Rodrigo(1936).

1938-1949.

Cursa estudios primarios en el Colegio Bolivariano de secundaria. A los doce años su tío Joaquín. gran aficionado taurino. lo envía a una escuela de "matadores" que funcionaba en la plaza de la Macarena de Medellín, dirigida por Aranguito, un banderillero. Lleva sus primeros dibujos – toros y toreros – al almacén de don Rafael Pérez. donde se venden entradas para la plaza de toros. Su primera obra es vendida por dos pesos. Desde los cerros que enmarcan a Medellín. dibuja y pinta en los fines de semana paisajes en acuarela. Admira el arte precolombino . el barroco de las iglesias que lo rodean y a artistas como José Clemente Orozco. de la escuela muralista mexicana. Por esta época descubre también a Dalí y a Picasso. En 1948 dos de sus acuarelas son incluidas en una muestra colectiva en el Instituto de Bellas Artes de Medellín.

1949 -1950.

Botero financia sus estudios en el Liceo San José y en la Normal de Marinilla con los dibujos que realiza para el suplemento dominical de El Colombiano, de donde, luego de escribir un artículo sobre Picasso, es despedido por inconformista. Conoce al pintor Rafael Sáenz quien, entre otras, le muestra reproducciones de Giotto. Botella reconoce en él a un maestro de quien recibió buenos consejos. Diseña la escenografía para la obra Ardiente Oscuridad. de Bueno Vallejo, montada por el grupo español de teatro Lope de Vega, que se hallaba de gira por el país. Colabora en el programa radial "Panorama Intelectual", en el que se enfrentaban la intelectualidad joven del país y la tradicionalista. Se instala en Bogotá, donde se une a la vanguardia artística y participa en varias exposiciones colectivas.

1951.

Realiza su primera exposición individual en la Galería Leo Matiz. El pintor Ignacio Gómez Jaramillo, el poeta León de Greiff y el escritor Jorge Zalamea se interesan por su trabajo. Este año viaja a Tolú. en la costa caribe del país. Allí, en la pensión de Isolinia García paga sus cuentas con un mural. Termina pintando sobre las sábanas que tenían bordado el monograma de su madre. Su obra de este momento refleja la influencia de Gauguin y de los períodos rosa y azul de Pablo Picasso.

1952.

Regresa a Bogotá. Abre una exposición en la que vende todos los cuadros. Obtiene también el segundo premio en el IX Salón Anual de Artistas Colombianos. La editorial de Eddy Torres publica una monografía de su trabajo. Es el primer libro que aparece sobre su obra. El artista tiene sólo 20 años. En el puerto de Buenaventura toma el barco italiano "Uso dimare".LLega a Barcelona y de allí se dirige a Madrid. donde estudia por un tiempo en la Academia de San Fernando. En El Prado se produce el encuentro con Velásquez y con Goya. Ayuda su presupuesto pintan do copias para turistas.

1953-1954.

Pasa los veranos en París. y en el Louvre estudia los grandes maestros. Viaja a Italia. En Florencia se inscribe en la Academia de San Marcos. donde asiste a las conferencias de Roberto Longhi sobre historia del arte. tema que desde entonces lo apasiona y lo nutre. "Mis años en Florencia los considero como los más importantes de mi formación". En los museos de Roma. Florencia, Venecia. Siena y Ravena se familiariza con el arte del Renacimiento italiano y realiza un estudio profundo del arte italiano del siglo XIV. eje de su pintura. Lee a Berenson y aprende sobre los valores táctiles y la representación de los volúmenes. hace un recorrido para conocer los frescos más importantes de Italia y se aplica al estudio de sus técnicas. Se apropia de la plasticidad total que le transmiten Piero della Francesca – 'Por la plenitud de la forma, la organización del espacio y la armonía cromática. Es el mayor exponente del color local en la pintura" –, Paolo Uccello – "Por su pasión por la geometría, que significa para mí la serenidad de la pintura –, Tiziano – "En su pintura se encuentra un co- lor que es como una expresión de la naturaleza' –. Ingres, Giotto, Masaccio. "Estudiando estos artistas, yo adquirí gradualmente mayor claridad sobre lo que el espacio y el volumen querían decirme. Se me acentuó el deseo por lo enorme. por lo fuerte y lo monumental tal –.

l955.

Regresa a Bogotá. En la Biblioteca Nacional presenta una exposición de sus obras italianas, que no es recibida con mayor entusiasmo. En este año contrae matrimonio con Gloria de Artei.

1956.

Se radica en México, donde se interesa por el arte precolombino, y el trabajo de los surrealistas Mexicanos, que le atraen por parecerle que allí estaba la esencia de lo latinoamericano. Es allí donde al pintar la obra 'naturaleza Muerta, con Mandolina, descubre la posibilidad de aumentar el volumen de las fornidas.' Un día, estando completamente agotado, hice una pequeña marca en el centro de una mandolina que había estado dibujando.... El pequeño círculo, que el artista había hecho para marcar la calidad sonora de la mandolina, le dio al instrumento la solidez que irá a desembocar en el encuentro de la proporción “boteriana” que luego desarrolla en toda su obra. “Fue como atravesar una puerta para entrar en otro cuarto”.

Expone por primera vez en Estados Unidos, como parte de una muestra colectiva en el Museo de Bellas Artes de Houston, Texas, Nace su hijo Fernando.

1957.

Viaja a Nueva York con US $200 en el bolsillo y se instala en el Greenwich Village. “Me atraía la energía de la ciudad y la demanda de calidad que exigía un lugar que contaba con una avalancha de talentos”. Se interesa en De Kooning y Dubuffet por la generosidad del gesto y la materia. Viaja a Washington. Allí la Unión Panamericana auspicia su primera exposición individual en Estados Unidos. Regresa a Bogotá. Obtiene el segundo premio del X Salón Anual de Artistas Colombianos.

1958.

Es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá. Recibe el primer premio en el X/ Salón Anual de Artistas Colombianos con su obra La cámara nupcial (Homenaje a Mantegna) No.1 Abre con éxito su primera exposición individual en la Gres Gallery de Washington. Su obra es incluida en la XXIX Bienal de Venecia. Nace su hija Lina.

1959.

Representa a Colombia en la V Bienal de Sao Paulo, Brasil, junto con los artistas Enrique Grau, Alejandro Obregón y Eduardo Ramírez Villamizar.

1960.

Pinta su gran fresco en el Banco Central Hipotecario de Medellín. Nace su hijo Juan Carlos. Actúa como jurado en el concurso de Miss Universo, en Miami. Seleccionado para representar a Colombia en la II Bienal de México, el evento suscita tal controversia que con el resto de colegas se niegan a participar y abren, en cambio, una exposición en Bogotá, titulada 25 Pinturas y Relieves (Los pintores autoexcluidos de la II Bienal de México), Hacia finales de año, se establece en la ciudad de Nueva York. Obtiene el premio a la participación colombiana en la famosa exposición del Guggenheim International Award 1960. En esta ciudad Botero pasa por un período muy difícil de su carrera artística. Es el momento del auge de la pintura abstracta. cuando si no se es un pintor abstracto no se es pintor. “Durante años creí en mí y en lo que hacía, contra las críticas más espantosas. En la revista News dijeron, por ejemplo, que mis figuras eran 'fetos de Mussolini con una campesina idiota’. El Art Magazine me trató mejor, dijo que mi pintura era un 'monumento a la estupidez'. Y estos eran los que hablaban de mi pintura en relación con mi obra porque los demás hablaban de las ‘caricaturas' de Botero... En medio de toda esa tormenta. yo mantuve mi fe en mí, en mi obra". Se separa de Gloria de Antei.

1961.

E1 Museo de Arte Moderno de Nueva York adquiere su obra Mona Lisa a la edad de doce años (1958).

1962.

Expone individualmente en la Gres Gallery de Chicago.

1963

El Museo de Arte Moderno de Nueva York expone la Mona Lisa a la edad de doce años, coincidiendo con la exhibición de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, en el Metropolitan Museum.

1964.

Recibe el segundo premio en el Primer Salón Intercol de Artistas Jóvenes. realizado en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Botero logra el toque consistente y moderado que requería para alcanzar la maestría pictórica, en cuadros como La Familia Pinzón. "Lo que me interesa es exaltar la sensualidad de la forma asociada a los valores táctiles". En este año Contrae matrimonio con Cecilia Zambrano.

1966.

Expone individualmente en Baden-Baden y Hannover. En el Milkwauke Art Center se lleva a cabo su primera ex posición en un museo de Estados Unidos, con una muestra retrospectiva. La revista Time publica una critica elogiosa sobre su trabajo.

1967-1968.

Reparte su tiempo entre Bogotá, Nueva York y Europa. En Munich y Nuremberg estudia la obra de Durero. De esta época son sus Durer- boteros. Se interesa también en la obra de Manet y Bonnard, aunque permanentemente reivindica sus orígenes latinoamericanos. “Quiero ser capaz de pinta todo, hasta María Antonieta y Luis XV, pero con la esperanza de que todo lo que yo haga esté impregnado del alma latinoamericana".

1969.

Expone en el Center for Inter American Relations de Nueva York. y en septiembre abre la primera exposición individual de sus obras en París. en la Galería Claude Bernard. 1970. Inaugura en Baden-Baden, Alemania, una exposición retrospectiva itinerante de 80 obras. que viaja por otros cuatro museos del país Expone en Londres en la Hannover Gallery. "Desde este momento muchas galerías comenzaron a interesarse por mi trabajo". Nace su hijo Pedro.

1971.

Traslada su estudio de Nueva York a la Calle 30. Alquila un apartamento en París en 5 Boulevard du Palais. Abre un estudio en Bogotá.

1972.

Realiza su primera exposición individual en la Galería Mayrl borough de Nueva York.

1973.

Se instala definitivamente en París. Realiza sus primeras esculturas. Organiza su primera retrospectiva en Bogota. 1974. Expone en Hannover, Medellín y Zurich. En un accidente automovilístico ocurrido en España muere su hijo Pedro, de cuatro años. Botero resulta herido..

1975.

Expone en Caracas, Rotterdam, Nueva York, Toronto y Montreal. Se separa de Cecilia Zambrano.

1976.

Expone en París. Abre una retrospectiva en Caracas. El presidente de Venezuela le impone la Orden Andrés Bello. Exhibe en Washington y Bogotá. Dedica todo su tiempo a la escultura. "La escultura es una consecuencia natural de mi trabajo de pintor donde el volumen siempre ha estado presente".

1977.

El gobierno de Colombia le otorga la Cruz de Boyacá. en el grado de Oficial. En memoria de su hijo desaparecido. se abre la Sala Pedrito Botero en el Museo de Antioquía. Botero hace una donación de 16 obras a esta sala. Inaugura su primera exposición individual de esculturas en la Cuarta Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FlAC) de París, Trabaja en la serie de cuadros titulados Margarita, inspirados en Velásquez.

1978

Traslada su estudio de París a lo que fue parte de la antigua sede de la Académie Julian. Este año une su vida a la artista griega Sophia Valí, destacada pintora, escultora y diseñadora de joyas.

1979.

Inaugura en Hirshhorn Museum de Washington su primera gran exposición retrospectiva en Estados Unidos. Realiza exposiciones itinerantes en Bélgica. Noruega, Suecia.

1980.

Instala una residencia y un estudio de escultura en Pietra- santa, Italia, una región famosa por sus canteras de mármol y sus fundiciones. Por encargo de la revista francesa Vogue pinta una serie de sus mujeres, vestidas por grandes modistos del mundo. Expone acuarelas, dibujos y esculturas en Basilea. Colabora con notas e ilustraciones en el diario El Tiempo, de Bogotá.

1981.

Abre exposiciones retrospectivas en Tokio y Osaka. En Roma presenta una muestra de acuarelas y dibujos, cuyo catálogo tiene un ensayo de Alberto Moravia. Expone en Nueva York. San Francisco y Chicago.1982. Abre exposiciones en Bogotá y Nueva York. Esta ultima muestra es llevada también a Houston, Chicago, Filadelfia y Boston.

1983.

Expone en Basilea una muestra de pintura, dibujos y acuarelas. En Londres abre una exposición de su obra mas reciente.

1984.

Inaugura en Chicago una exposición de escultura que es llevada luego a Nueva York. En Ithaca inaugura una muestra de dibujos y esculturas, y en Utica una muestra de escultura que es llevada a Scranton y Lafayette. Dona al Museo de Antioquía una sala de esculturas y 18 cuadros a la Biblioteca Nacional de Bogotá.Por esta época pinta básicamente escenas taurinas. "Yo he osado pintar la corrida porque conozco muy bien el tema. Uno no puede pintar si no hay una relación entre el tema y el alma. Esto le da a uno cierta autoridad moral. Este tema me viene por la sangre. por la vida". 1985. En la Galería Marlborough de Nueva York expone sus esculturas de gran formato, así como su serie de pinturas sobre el tema de La Corrida. Abre exposiciones en Coral Gables y en el Museo de Ponce, en San Juan de Puerto Rico.

1986.

Inaugura una gran muestra retrospectiva en Munich, que es llevada a Bremen y Frankfurt.Expone en Albany, Tokio y Caracas.

1987.

El Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, abre una retrospectiva de su obra. Expone también en Bogotá y Hamburgo. En Milán exhibe su serie de pinturas sobre el tema de La Corrida.

1988.

Se presenta la serie de pinturas sobre el tema de La Corrida, en Nápoles y Palermo.

1989.

Se presenta su serie de pinturas sobre el tema de La Corrida en Coro, Caracas y México. Expone sus esculturas en la Feria de Arte de Los Ángeles, y luego en Nueva York y México.

1990.

Expone en Bélgica. Inaugura una retrospectiva en Suiza y exhibe sus esculturas recientes en Nueva York.

1991.

Inaugura exposiciones en Berlín, Florencia y Tokio. En Roma se presenta la exposición antológica de cuadros, dibujos y esculturas sobre el tema de La Corrida. Envía sus esculturas a la Bienal de Montecarlo.

1992.

Abre una exposición en Sevilla y una retrospectiva en Viena. En septiembre se exhiben sus esculturas monumentales en Montecarlo. En París se muestra su serie de pinturas sobre el tema de La Corrida, así como obras recientes sobre papel y esculturas de pequeño formato. En los Campos Elíseos se exhiben en octubre de este año.32 de sus esculturas -monumentales. Señaló Jacques Chirac. presidente de Francia: "Botero es. en efecto, el lazo entre dos continentes a la vez diferentes y complementarios, entre dos mundos: el de los maestros occidentales y al de la tradición latinoamericana... Los personajes ; las formas generosas de Botero; sus mujeres llenas de sensualidad. de dulzura, paradójicamente de pujanza ; sus creaciones. incestuosas e impresionantes a la vez, van a animar de una manera insoluta la avenida de los Campos Eliseos".

1993.

Inaugura una exposición en el Palacio de los papas en Avignon, que es llevada al Museo Pushkin de Moscú y al Museo Estatal de El Hermitage en San Petersburgo. Sus esculturas monumentales se exhiben a lo largo de la famosa Park Avenue de Nueva York.

1994.

Inaugura exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Helsinki. Expone en Nueva York, Chicago y Fort Lauder dale – Rapto de Europa. Nueva York. Abre una exposición en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, al tiempo con una muestra de sus grandes esculturas en los jardines del Museo. En Madrid se exhiben sus esculturas monumentales en el Paseo de Recoletos.

1995

Expone en Bélgica, París y Beverly Hills. En Japón se abre una muestra que viaja itinerante por el país.

1996.

Sus obras siguen recorriendo el mundo: Jerusalén. Nueva York, Washington. Berlín, Caracas. Kyongju. Diseña escenografía y vestuario para la ópera La hija del regimiento de Caetano Donizetti. coproducida por Montecarlo, Ginebra, y Dusseldorf.

1997.

Inaugura exposiciones en Santiago de Chile, Roma, Madrid Y Lugano

1998.

Expone sus esculturas monumentales en la Plaza del Comercio de Lisboa. Este año también expone en Sao Paulo y Basilea.

1999.

En un reconocimiento sin precedentes, Botero es invitado a exponer su obra en la Plaza de la Señoría, en Florencia. distinción que, hasta ahora, solo se le ha otorgado a él. Simultáneamente expone pinturas y esculturas de formato pequeño en la Sala de Armas del Palazzo Veccio. Este año también expone sus obras en Caracas. Monterrey y Tel Aviv.

2000.

Decide entregar a su ciudad natal una importante colección de 85 obras de su autoría y 21 de artistas internacionales. Su generosidad con la cultura de su tierra suscita la respuesta de la administración municipal, que se compromete con hacer un gran museo para albergar la obra del maestro. Al tiempo. se generan cambios fundamentales que llevan a realizar importantes intervenciones urbanas para la recuperación del centro de la ciudad. lugar donde se ha construido el nuevo Museo de Antioquía, uno de los sueños de Botero. Sophia Vari y Amando Botero.. En el mismo año entrega a Bogotá, la capital de Colombia, 136,de sus obras y 52 de artistas famosos, parte de su colección privada, entre las Cuales se encuentran cuadros de Picasso, Gauguin, Renoir, Dalí, Manet, Corot; entre otras. Se inicia entonces la ampliación de la Biblioteca. Luis Ángel Arango para la exhibición de las nuevas obras, compromiso que asume el Banco de la República. Antes del traslado definitivo de estas obras a Colombia, el artista expone el conjunto de sus donaciones en la Sala de Exposiciones de la Fundación Santander Central Hispano, en Madrid, España.
En este año realiza una exposición de esculturas monumentales en Pietrasanta, Italia y una retrospectiva de 100 obras en el Palazzo Bricherasio de Turín.

ARTE LATINO/ Lino Eneas SPILIMBERGO (1896-1964) Argentina.

2011-07-04T06:20:00.000-07:00

Lino Enea Spilimbergo (12 de agosto de 1896, Buenos Aires - † 16 de marzo de 1964 Unquillo) pintor y grabador es considerado uno de los grandes maestros del arte argentino, su nombre completo era Lino Claro Honorio Enea Spilimbergo.

Nació en la ciudad de Buenos Aires el 12 de agosto de 1896, pasó sus primeros años en el barrio de Palermo. Su padre fue Antonio Enea Spilimbergo y su madre María Giacoboni, ambos inmigrantes italianos.

Durante un viaje a Italia con su familia, sufre una pulmonía que le deja secuelas y se convertirá en asma. Regresa a Buenos Aires en 1902. Comienza en esta ciudad sus estudios primarios y artísticos.
A partir de 1910 comienza a trabajar para mantenerse, fue cadete y telefonista, en 1912 ingresa a la Empresa Nacional de Correos y Telégrafos, puesto que mantendrá paralelamente con su trabajo como artista hasta 1924, este trabajo en el correo era considerado como esclavizante en extremo por el artista.

En 1917 se recibe de profesor nacional de Dibujo de la Academia Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, entre sus profesores se encuentran artistas de la talla de Pío Collivadino, Ernesto de la Cárcova y Carlos Pablo Ripamonte. En septiembre del mismo año muere su padre.
Lino Enea Spilimbergo

A la edad de 22 años inicia la escritura de su autobiografía. Estudiante y trabajador riguroso, lo lleva a organizar un método de vida, con horarios para las comidas, siestas y descansos, organizando de esta manera el tiempo que le dedica al arte.
Al ser asmático crónico los médicos le aconsejan mudarse a un lugar de clima seco, la empresa le gestiona un traslado a Desamparados, provincia de San Juan, allí realiza su primera exposición individual, vive allí desde 1921 hasta 1924, año en que renuncia a su empleo.

ARTE LATINO/ Emilio PETTORUTI (1892-1971) Argentina.

2011-07-04T06:18:00.000-07:00

Emilio Pettoruti (1 de octubre de 1892, La Plata - 16 de octubre de 1971, París) fue un pintor argentino que nació en la ciudad de La Plata provincia de Buenos Aires, el 1 de octubre de 1892.
Emilio Pettoruti
Biografía

Emilio Pettoruti fue un pintor argentino que nació en la ciudad de La Plata, el 1ro.de Octubre del año 1892.Desde pequeño es alentado por su abuelo en dibujo y la pintura.Estudio en Bellas Artes,con maestros como Atilio Boveri y Emilio Courtaret con quien aprendió la perspectiva. En el año 1911 participó en una exposición de caricaturas, gracias a una que representaba a Rodolfo Sarrat, un diputado. En el año 1913 se embarca, becado hacia Europa.Se instaló en Florencia y a pesar de su intención de copiar el arte clásico su destino fue completamente diferente.En la librería de Ferrante Gonelli, adhesor a los futuristas, adquiere un ejemplar de la revista “Lacerba”, perteneciente al Movimiento Futurista el cual pretende el progreso a través de la utilización de la máquina, tiempo después en una exposición del grupo tuvo acceso a su Manifiesto de 1909, desarrollado por Marinetti. Luego Pettoruti conoce a los exponentes futuristas gracias a Gonelli. |Emilio Pettoruti en 1962]] Este es el primer movimiento que transforma tanto su vida como su obra, al punto tal de realizar una exposición en el año 1914, llamada Primera Exposición Invernal de Toscana, presentado cuatro obras,dos de las cuales se titulaban “Armonia-Movimiento Espacio (diseño abstracto)”, aquí presenta los conceptos de los futuristas representando el movimiento en forma abstracta. Esta etapa concluyó cuando Pettoruti conoce el Cubismo.Por estos años también experimento con el collage técnica utilizada por los vanguardistas como los Cubistas para la realización de sus obras.

El Futurismo ya no cumplía con las expectativas de Pettoruti, la pintura debía ser “construcción y color” y el Cubismo cumplía estos requisitos, permitiéndole pintar los objetos que el amaba, como sifones, instrumentos musicales, soles, botellas, fruteras, etc. Entre 1916 y 1917 reside en Roma, allí su concepción cambia nuevamente, luego de la Primera Guerra Mundial se dio en Europa un retorno a lo clásico en contraposición a los movimientos de vanguardia. Pettoruti adhirió a esta concepción De esa época son sus obras Mujer en el café (1917) y El filósofo (1918). En 1916 conoce a Xul Solar con el cual años más tarde serían los pioneros en la vanguardia argentina. Ese mismo año expone en la Galería Gonelli, por primera vez en forma individual. En los años subsiguientes expuso en Milán y Roma 1922)y luego Alemania (1923). En 1924 viaja a París donde conoce al cubista, Juan Gris,luego retorna junto a Xul Solar a la Argentina. Ese mismo año, en el mes de octubre, expone en la Galería Witcomb, en forma individual, generando un escándalo, por un lado, sus detractores, acostumbrados a la pintura costumbrista, naturalista que se desarrollaba en el país en ese momento consideraron a las obras como “Una grave ofensa inferida a la dignidad del país”.Por otra parte, los progresistas consideraban a Pettoruti como lo nuevo. Hasta el año 1952 el pintor permaneció en el país. En el año 1930 se le ofreció el cargo de director del Museo de Bellas Artes de La Plata, el cual se propuso profesionalizar, aumentando su patrimonio pictórico, comprando obras de artistas como Xul Solar. Realizó series de pinturas como sus soles, arlequines y copas, siendo de características menos abstractas, teñido de características del retorno al orden, siendo obras más claras y geométricas. En 1952 se instaló nuevamente en Europa realizando exposiciones a lo largo del continente, volviendo a la abstracción con temas como,las noches de verano, el crepúsculo marino, soles ovalados, en palabras de Roger Bissiere el artista aspira a “la certidumbre, el orden, la pureza, la espiritualidad”.En 1970 decide retornar a su patria pero fallece sin poder lograrlo el 16 de octubre del año siguiente.

ARTE LATINO/ Alejandro XUL SOLAR (1887-1963) Argentina.

2011-07-04T06:17:00.000-07:00

Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari (nombre artístico: Xul Solar), (San Fernando, Buenos Aires, 14 de diciembre de 1887 - Tigre, Buenos Aires, 9 de abril de 1963). Pintor argentino autodidacta.

Su padre, de origen alemán, fue Emilio Schulz Riga, nacido en Riga, Letonia, y su madre Agustina Solari, nacida en la ciudad de Zoagli, Génova, Italia. Durante su estadía en París adopta en 1916 su nombre artístico de Xul Solar por el cual es conocido posteriormente. A su regreso a la Argentina trabaja como ilustrador para la revista Martín Fierro (1924-1927). Fue amigo de Jorge Luis Borges. Su casa, en el Barrio Norte de Buenos Aires, se transformó tras su muerte en el museo de su obra.

Xul Solar fue un personaje excéntrico, versado en religiones, en astrología, ciencias ocultas, idiomas y mitologías. Su amigo Borges contribuyó decisivamente a que se lo conociera, exaltando su figura singular, antes que su obra. Borges hizo saber que Xul era inventor de una panlengua, que de algún modo reflejaba todas las lenguas de la Tierra, y del neocriollo. También había inventado un panajedrez, en el que las casillas convencionales eran más y se relacionaban con las constelaciones y los signos zodiacales. Según Borges, Xul había creado varias cosmogonías en una sola tarde.

La pintura de Xul Solar es fantástica, antes que surrealista, como a veces se la definió. El poeta Fernando Demaría, en un ensayo entitulado “Xul Solar y Paul Klee” publicado en 1971 en la revista argentina de cultura Lyra, escribió: «No es fácil para el espíritu humano elevarse de la astrología a la astronomía, pero haríamos un error si olvidáramos que un auténtico astrólogo como Xul Solar está cerca de la fuente de las estrellas. El primitivismo de Xul Solar es anterior a la aparición de los dioses...” Xul Solar era un profundo conocedor de la astrología. Al menos a partir de 1939 comenzó a diseñar cartas astrológicas. Cuerpos, máscaras, astros, cúpulas, ojos, banderas, escaleras, edificios, figuras precolombinas, signos de todas las religiones, flotan en el espacio, sin apoyatura. Recuerdan al arte primitivo rupestre. Y sugieren la realidad como una serie de visiones sin tiempo ni espacio. Son obras cromáticamente intensas aunque generalmente de formato pequeño.

ARTE LATINO/ Emiliano DI CAVALCANTI (1897-1976) BRASIL

2011-07-04T06:14:00.000-07:00

Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, más conocido como Di Cavalcanti (nació en Río de Janeiro, el 6 de septiembre de 1897 y falleció en Rio de Janeiro, el 26 de octubre de 1976) fue un pintor, ilustrador y caricaturista brasilero.

Se estrenó como dibujante en el Salón de los Humoristas, en 1916. Después de mudarse para São Paulo en 1917, convivió con Mário y Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti y Brecheret. Frecuentó también el atelier del pintor y profesor impresionista alemán George Elpons.

La Semana de Arte Moderna, que se organizó en el Teatro Municipal de São Paulo en 1922 fue idea suya. Era una época de muchas novedades, como el automóvil, la fotografía y el cine mudo. En esos años la vida de la gente mudaba muy rápidamente, pero la poesía y la pintura continuaban a respetar las antiguas reglas, en su mayoría francesas.

Di Cavalcanti fue también un intelectual bien informado respecto a las vanguardias artísticas de su tiempo. En 1921, fue convidado a ilustrar el libro "Balada do Cárcere de Reading", de Oscar Wilde, uno de los más renombrados escritores de esa época.[1] En este mismo año se casa con Maria, su prima en segundo grado.[2]

La semana de 22 fue una especie de festival en que modernistas mostraron sus trabajos. Además de exponer sus telas, Di Cavalcanti dibujó el el programa y las invitaciones para la muestra. Enseguida, en 1923, com Sergio Milliet, viajó a Europa para estudiar, y allí conoció y convivió con los grandes de la pintura, como Picasso, Braque, Matisse y Léger. Di Cavalcanti también tuvo influéncias de Paul Gauguin, de Delacroix y de los muralistas mexicanos. El contato que tuvo con el cubismo de Picasso, el expresionismo y otras corrientes artísticas de vanguárdia, contribuyeron a aumentar su disposición a quebrar paradígmas e imnovar en su arte, sin perder de vista una estética que abordaba la sensualidad tropical.

A su regreso al Brasil, retomó la pintura de temas populares de su país, como "favelas", obreros, soldados, marineros y fiestas populares. Son de esa época también sus bellos retratos de mulatas, en esta fase consagró a la modelo y actriz Marina Montini.

En el 1929, regresando al Brasil, ingresa en el Partido Comunista y continua ha hacer ilustraciones. En 1932, durante la Revolución Constitucionalista, Di Cavalcanti es preso por primera vez. Después de ser liberado se casa con Noêmia Mourão, su segunda esposa.

Di Cavalcanti era un artista con muchas habilidades. Además de cuadros e ilustraciones para revistas, hizo diseño de joyas, tapices y paneles.

ARTE LATINO/ Cándido PORTINARI (1903-1962) Brasil.

2011-07-04T06:12:00.000-07:00

Cândido Portinari (Brodowski, Brasil, 1903 - Rio de Janeiro, 1962) fue un pintor brasileño. Nació en una hacienda cafetalera en la ciudad de Brodowski, estado de São Paulo, el 29 de diciembre de 1903. Hijo de Giovan Portinari y Domenica Torquato, fue el segundo de doce hijos.

Entre otras obras, Portinari es famoso por sus frescos Guerra y paz, que se encuentran en la sede de la ONU en Nueva York.

De familia pobre, Portinari se impresionó desde pequeño por los pies de los labradores, a los cuales describía como "pies deformes, que pueden contar una historia, semejantes a los mapas con montes, valles, ríos y caminos". Estas imágenes marcarían su obra en la que contaría al mundo la realidad del trabajador del campo. A los quince años, Portinari ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, en Río de Janeiro, y vendió su primer cuadro (Un baile en el campo) a la edad de 18 años. Al año siguiente (1922) recibe su primer premio: la medalla de bronce del Salón de Bellas Artes.

Con el fruto de varios premios del Salón de Bellas Artes, Portinari viajó a Europa en 1929, y se establece en París después de recorrer España, Italia e Inglaterra. El choque con la efervescencia plástica de la Europa de los años 1930 define el rumbo que Portinari seguiría al volver a su país. Al llegar a Brasil, en 1931, lo hace casado con Maria Victoria Martinelli, con quien tuvo su único hijo, João Cândido.

En 1935, su cuadro Café recibe mención honorífica en la Exposición Internacional de Arte Moderno del Instituto Carnegie, en Nueva York. Este hecho le abre la conquista de espacio en el continente y el mundo, la cual tendría un momento especial en 1940, cuando Portinari fue el primer artista sudamericano en tener una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con la exposición Portinari of Brazil.

Recibió, entre otros honores, la Legión de Honor de Francia (1946), el Guggenheim´s National Award (1956), y la medalla al pintor del año 1955 por el International Fine Art Council. Fue miembro del Partido Comunista y activista político. A veces sufre el estigma, tal vez injusto, de ser considerado pintor "oficial" de la Revolución del 30 y del Estado Novo, períodos difíciles en la historia de Brasil. Portinari murió a consecuencia de intoxicación plúmbica, el 6 de febrero de 1962.

ARTE LATINO/ Antonio BERNI (19. Argentina.05-1981)

2011-07-04T06:10:00.000-07:00

Antonio Berni fue un pintor argentino. Nació en Rosario (provincia de Santa Fe) el 14 de mayo de 1905, y murió en Buenos Aires el 13 de octubre de 1981. Sus padres eran de origen italiano: su padre —Napoleón Berni— era sastre nacido en Italia, y su madre —Margarita Picco— era argentina hija de inmigrantes italianos radicados en Roldán, un pueblo de la provincia de Santa Fe, a 30 km de Rosario. Berni nació en calle España 288 (entre Salta y Catamarca). Una placa con bajorrelieve indica el sitio.

Berni fue un artista representativo de la época que vivió; lo caracterizó el fuerte contenido social de su obra. Con una galería de personajes entre los que se destacan Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados. Su obra estuvo influenciada por los acontecimientos históricos que vivió a lo largo de su vida.
Biografía

Delesio Antonio Berni nació en la ciudad de Rosario,( Provincia De Santa Fe) el 14 de mayo de 1905.

Su padre, Napoleón Berni era sastre y fue uno de los tantos inmigrantes europeos que se instalaron en Rosario . Su madre se llamaba Margarita Picco era argentina, hija de italianos radicados en Roldán.

En 1914 ingresó como aprendiz en el taller de vitrales Buxadera y Cía. donde recibió las enseñanza de su fundador, N. Bruxadera, un artesano catalán. Poco tiempo estuvo en este taller ya que entre 1914 y 1915 su padre volvió a Italia, entonces Berni es enviado a la casa de sus abuelos en Roldán.

Napoleón Berni murió durante la Primera Guerra Mundial, no se sabe ni cómo, ni cuándo, ni dónde.

A pesar de que Antonio se alojó en Roldán, estudió pintura en el Centre Catalá de Rosario con los maestros Eugenio Brunells y Enrique Minné.

En 1920, a los 15 años, expuso sus cuadros por primera vez, en el Salón Mari. La muestra constó de 17 óleos (paisajes suburbanos y estudio de flores).

Expuso nuevamente sus obras en 1921, 1922 y 1924. En 1923, también expuso pero esta vez en Galería Witcomb de Buenos Aires.

Ya por ese entonces recibía los halagos de los críticos en varios artículos publicados el 4 de noviembre de 1923 en los diarios La Nación y La Prensa.

Sus primeros cuadros respondieron al impresionismo y al paisajismo.
Antonio Berni.

En 1925 consiguió una beca otorgada por el Jockey Club de Rosario para estudiar en Europa y en noviembre de ese año llegó a Madrid.

En febrero de 1926, el Salón de Madrid expuso "Puerta cerrada", es un paisaje madrileño que llamó mucho la atención, como si nadie antes hubiera pintado así la ciudad. Más tarde pintó otros temas españoles, "Toledo y el religioso" (1928), y "El Torero calvo" (1928).

Estando en esta ciudad advirtió que en realidad era París la cuna de la pintura española. Por eso decidió trasladarse a la "Ciudad Luz".

En la París asistió a los cursos de los pintores franceses André Lhote y Othon Friesz, en la Academia libre de la calle Grande Chaumiere. Y aunque sólo estudió unos meses allí, su influencia se dejó sentir en una serie de desnudos figurativos.

Hacia 1927 se instaló en Arcueil, a 6 km al sur de París, en el valle del río Biévre. Se conocen dos paisajes de Arcueil de 1927.

De ese año son "Paisaje de París", también los óleos: "El mantel amarillo", "Desnudo", "La casa del crimen", "Naturaleza muerta con guitarra".

Terminada la beca, Berni volvió por unos meses a Rosario, pero al poco tiempo retornó a París, ahora con un subsidio del Gobierno de la provincia de Santa Fe.

A fines del invierno de 1928 hizo una exposición individual en la Galería Nancy de Madrid.

También durante ese año participó con Badi, Basaldúa, Berni, Butler y Spilimbergo de una muestra que organizó Butler y trajo a Buenos Aires con destino a la Asociación Amigos del Arte.

La exposición, que fuera visitada por el entonces Presidente de la República, Marcelo T. de Alvear, recibió el beneplácito del público e inclusive se vendió una obra de cada expositor. Berni concurrió personalmente a la Casa de Gobierno de Argentina para cursar dicha invitación.

En 1929 Berni presentó una muestra individual en Amigos del Arte y luego en el Museo Municipal de Bellas Artes de Rosario. Además intervino en el XVIII Salón Nacional (Buenos Aires), allí exhibió su obra "Toledo o el religioso".

En 1928 conoció a Louis Aragón, poeta, novelista y ensayista francés, uno de los líderes del movimiento dadaísta y del surrealismo. Aragón lo acercó al surrealismo y también a André Bretón, poeta y crítico de arte.

Por otra parte Berni en ese año se relacionó con el joven pensador Henri Lefebvre, uno de sus mejores amigos franceses, quien lo iniciará en la lectura de Marx. También conoció a Max Jacob, con quien aprendió la técnica del grabado.

Sin lugar a dudas la retrospectiva de Giorgio de Chirico y el conocimiento de las obras de Magritte serán los elementos fundamentales que llevarán a Berni a ingresar al surrealismo.

Para Berni el surrealismo "es una visión nueva del arte y del mundo, la corriente que representa a toda una juventud, su estado de ánimo, su situación interna, después de terminada la Primera Guerra Mundial. Era un movimiento dinámico y realmente representativo".

Berni ayudó a Aragón en su lucha antiimperialista, en un París donde abundaban los chinos, africanos, vietnamitas, Berni ayudó a distribuir un periódico para las minorías asiáticas y colaboró con ilustraciones para otros diarios y revistas.

Estudió las obras surrealistas, leyó a los poetas y escritores de este movimiento y también a Freud.

En 1930 conoció al ensayista y poeta francés Tristán Tzara que tendrá mucho que ver para que Berni considerara que todo el Grupo surrealista estaba formado por monstruos sagrados.

Berni iniciará su pintura surrealista, pero no pertenecerá, ni al automatismo de Miró, ni al onirismo de Dalí. En realidad tomó la pintura de Chirico y le dio un contenido propio. "La Torre Eiffel en la Pampa", de 1930 es un ejemplo de ello. Nunca se supo si esta obra la hizo en Rosario o en París.

Por entonces, la noticia de una revolución en Buenos Aires lo dejó consternado. Ya casado y con una hija decidió volver a la Argentina. No podía quedarse en un París tan distante, con escasas noticias de su país.

Al regresar, vivió por unos meses en una chacra de la provincia de Santa Fe, para luego instalarse en Rosario y trabajar como empleado municipal.

Tomó parte activa de la vida cultural de la ciudad, organizó la Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos y se adhirió por un tiempo al partido comunista.

En 1932, en Amigos del Arte expuso sus obras surrealistas de París, y algunos óleos como "Toledo o el religioso". Esa muestra fue la primera exposición de ese movimiento en América Latina y también la primera en exponer collage. Se tituló Primera exposición de Arte de Vanguardia. El público no estaba acostumbrado y la muestra resultó difícil. La crítica en pleno la rechazó.

Tanto Europa como América, por entonces sufrían la crisis de 1929 en Estados Unidos y Argentina con la revolución del 30 había comenzado la llamada "década infame".

Rosario es un lugar especialísimo en esos años. Ahí se asentó la mafia, la de Chicho Grande y la de Chicho Chico, y la prostitución que tuvo su imperio en el barrio de Pichincha. En 1932 Berni se internó en ese universo para colaborar como fotógrafo en una nota periodística encargada a Rodolfo Puiggrós, futuro dirigente comunista. Era una zona de garitos y varités, que desaparecieron en 1937.

Y fuera de esta miseria humana que observó Berni estaba la otra, la del hombre que vivía en las zonas rurales entre los chacareros. Este mundo era totalmente distinto al de París de los años 20 y de los artistas surrealista.

No pudo dejar de sentir una gran conmoción interior. De alguna manera dejó en parte el surrealismo ya que sufría la desazón, la desesperanza de la gente. Decidió asumir un compromiso con su país.

"El artista está obligado a vivir con los ojos abiertos y en ese momento (década del 30) la dictadura, la desocupación, la miseria, las huelgas, las luchas obreras, el hambre, las ollas populares crean una tremenda realidad que rompían los ojos", diría en 1976. Así comenzó la etapa del "realismo social".

Berni era un hombre con gran sentido del humor y sentía una gran necesidad del mundo de los justos. Luchó por ello siempre, pero lo hizo con gran ternura y con un trasfondo casi épico. Se identificó y se integró a ese mundo del que nunca se desligó.

De París trajo una gran carga política, influida sin duda por su intensa vinculación con los artistas surrealistas. Ese mundo de decadencia pintado casi de fantasía ahora le era real, lo tenía ahí en su pueblo, en su país. Bretón decía "lo imaginario es lo que tiende a convertirse en real". Y Berni lo tenía ahí en los hechos cotidianos.

En 1934 Berni comenzó a mostrar la problemática social de la década del 30 con sus obras "Desocupados" y "Manifestación".

No sólo la Argentina está en crisis. La desocupación, la pobreza, el comienzo del nazismo y fascismo, la Guerra Civil Española, espantan a Berni.

El retrato es una de las formas más importantes del realismo humanista, en Berni predomina el retrato humano, tanto en la década de 1930 como en la de 1940.

"Figura" fue primer rremio del XXX Salón Nacional (Buenos Aires, 1940) y "Lily", el Gran Premio Adquisición XXXIII Salón Nacional (Buenos Aires, 1943). Esto significó obtener el máximo galardón de entonces.

También pintó "La mujer del sweater rojo" en 1935, "La muchacha del libro" de 1936, "Nancy" 1941, "La chica del balón" de 1934, "La niña de la guitarra" de 1938 y "Figura de chico" de 1941. Además hizo autorretratos, uno en 1934, otro en 1938 y el último en 1945. En "Paula y Lily" de 1941, pinta a su esposa de entonces y a su hija.

En "Retrato" de 1946 muestra dos chicos de clase media acomodada, antítesis de sus personajes posteriores, Juanito y Ramona.

En 1937 presentó "Club Atlético Nueva Chicago" y en 1954 "Team de fútbol o Campeones de barrio".

Respecto al tango, pintará "Orquesta típica" en 1939, para recrearla en 1974 y 1975.

Otros aspectos tienen que ver con la vida cotidiana, como por ejemplo en "Primeros pasos" de 1937.

Berni inicia sus representaciones en Argentina de lo que será típico de la década de 1950: "La siesta" y "La fogata de San Juan".

Berni, en la década del 30 tuvo su experiencia muralista al intervenir en la construcción de "Ejercicio Plástico". Ya él había fundado el grupo "Nuevo Realismo".

Entre diciembre de 1941 y mayo de 1942 recorrió Bolivia, Ecuador, Perú y Colombia con la idea de realizar estudios precolombinos por pedido de la Comisión Nacional de Cultura. Su obra "Mercado indígena" de 1942, la basó en fotos que tomó durante este viaje.

El mundo de la década del 40 será tan conflictivo como el del 30. Una nueva gran guerra sellará sus días. En América, en Costa Rica se produjo una guerra civil. En Panamá se instaló una dictadura. En Venezuela se derrocó al presidente Rómulo Gallegos y surgió la dictadura de Laureano Gómez. En Bogotá hubo una insurrección popular por el asesinato del dirigente liberal izquierdista Jorge Gaitán. Argentina no queda al margen de este tipo de acontecimientos. Se produjo en 1943 el golpe militar, con la destitución del presidente Ramón Castillo.

Berni de exquisita sensibilidad, observará y reflejará en su pintura esa realidad. En 1944 apareció la revista Arturo, que desatará un gran cambio, ya que introdujo definitivamente el arte geométrico adelantado por Emilio Pettoruti.

Berni también manifestó su dasagrado por la situación de 1945. Con un grupo de artistas decidió exponer sus pinturas en el subsuelo del edificio de la Sociedad Rural, en Florida al 400. En el catálogo explicaban que las obras estaban destinadas al XXXV Salón Nacional pero que había decidido hacer una muestra al margen del Salón en adhesión a los anhelos democráticos del los intelectuales del país.

Berni mientras tanto pintará "Masacre" (1948) y "El obrero muerto" (1949). En 1951 hizo otra "Manifestación": mujeres y niños llevan un lienzo blanco en el que está dibujada la paloma de la paz, con un ramo de olivo en el pico. Ese año es el del primer ensayo de la bomba de hidrógeno, por parte de Estados Unidos, en el Pacífico. Todo esto influye en el ánimo de Berni. Por otra parte todavía estaban en él los ecos de la 2º Guerra Mundial.

Durante 1951, 1952 y 1953 Berni se fue a Santiago del Estero donde realizó la serie "Motivos santiagueños". Santiago del Estero sufrió la tala indiscriminada de sus bosques. Ya por 1942, 20 firmas obrajeras eran dueñas de 1.500.000 ha. Pero la situación venía desde muchos años atrás, ya que la madera como la del Chaco sirvió para los durmientes de las vías del ferrocarril y como combustible vegetal, también para los ferrocarriles. La depredación ecológica existió, pero también, la social. Los beneficios obtenidos por los empresarios no volvieron a los trabajadores. La tierra, poco a poco se agotó y también el hombre.

Esta realidad la palpó Berni y, como lo hizo siempre, la expresó a través de su pintura. Así aparecerán "Los hacheros" (1953), "La marcha de los cosecheros", "La comida", "Escuelita rural" (1956); "Migración", "Salida de la escuela", "El mendigo", "Hombre junto a un matrero" y "El almuerzo".

En el período 1955-1956, hará la serie "Chaco". Estas pinturas las expondrá en París, Berlín, Varsovia y Bucarest. Aragón inclusive lo presentó en Moscú en la Galería Creuze, en 1955.

Por entonces Berni pintó algunos paisajes del suburbano: "Villa Piolín", "La casa del sastre" (1957); "La iglesia", "El tanque blanco", "La calle", "La res" "Carnicería" (1958), "La luna y su eco" (1960) y "Mañana helada en el páramo desierto". También de esa época son "Negro y blanco" (1958); "Utensilios de cocina sobre un muro celeste" (1958) y "El caballito" (1956).

Mientras el mundo sufría la guerra de Corea en 1953, la invasión a Hungría por parte de la Unión Soviética en 1954 y en Argentina caía Perón, el mundo interior de Berni se componía de nuevas imágenes. A su vuelta de Santiago del Estero comenzó a hurgar hasta que en 1958 surgió claramente su nuevo personaje, Juanito Laguna, y poco tiempo después aparecerá también, Ramona Montiel. La historia de estos dos seres lo envolverán por tiempo y con ellos trascenderá mucho más. Tanto los "Juanitos" como las "Ramonas" se cotizaron en el mercado exterior a precios incalculables.

En 1976 Berni se va a Nueva York. Allí pintó, hizo grabados, collage, y presentó en la Galería Bonino una muestra titulada "La magia de la vida cotidiana". Durante su estadía en esa ciudad hizo 58 obras que quedaron en la Galería para una muestra en Texas que nunca se realizó. En 1982, después de su muerte, llegaron a Buenos Aires.

En esa época también pintó tres óleos referidos a Juanito y a Ramona, "Juanito en la calle", "Juanito Laguna going to the factory", "El sueño de Ramona".

Preocupado por el mundo que lo rodeaba, en Nueva York quiso conocer a su gente, saber de sus costumbres, de sus posibles necesidades. Así fue como salió a la calle, observó y pintó. Entonces conoció una sociedad opulenta, consumista, donde la publicidad es la mejor vendedora, donde él siente que hay riqueza material y pobreza espiritual, muy distante de la de Juanito, o de la de Santiago del Estero. Entonces decidió hacer un arte social con ironía.

De esta época es "Aeropuerto", "Los hippies", "Calles de Nueva York", "Almuerzo", "Chelsea Hotel" y "Promesa de castidad".

Entre abril y mayo de 1981 Berni tocó el tema del Apocalipsis al exhibir los murales realizados para la capilla del Instituto de San Luis Gonzaga en General Las Heras.

También ese año da testimonio del gran tema de su vida: "el destino del hombre". "Cristo en el garage" es un hombre común, que ocupa el centro del espacio. En el techo hay una claraboya por donde se ve el cielo, a la derecha una ventana abierta permite ver el paisaje de las fábricas y al otro lado se observa la motocicleta. Berni posiblemente quiso alegar a las torturas y las matanzas del mundo.

Por otra parte, en 1981, año de su muerte, Berni pintó una mujer desnuda en la arena, contemplando el cielo de una noche de luna. Es la mujer y la naturaleza, tal cual los creó Dios. Sólo que un avión, objeto del hombre, pasa por el lugar para invadir el momento de paz y de armonía.

Estos fueron sus últimos óleos, ya que el 13 de octubre de 1981, Antonio Berni dejaba este mundo.

Unos días antes de su muerte, Berni en una entrevista decía: "El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura es una forma de amor, de transmitir los años en arte."
Premios

En 1962 gana el Gran Premio Internacional de Grabado de la Bienal de Venecia. Sus grabados también son premiados en la Bienal Internacional de Lublana.
Producción pictórica [editar]

* Susana y El Viejo (1931), Papel y Óleo sobre lienzo, 72 x 116 cm. Pertenece a la Colección Eduardo Costantini MALBA.
* La puerta abierta (1932), óleo sobre cartón, 53 x 44 cm. Pertenece a la colección del MALBA.
* La muerte acecha en cada esquina (1932), Óleo sobre lienzo, 53 x 72 cm. Colección privada. Buenos Aires
* Manifestación (1934), temple sobre arpillera, 180 x 249,5 cm. Pertenece a la colección del MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires).
* Desocupados (1934), temple sobre arpillera, 218 x 300 cm. Colección privada. Buenos Aires
* La mujer del sweater rojo (1935). Pertenece a la colección del MALBA.

ARTE LATINO / Tarsila DO AMARAL (1886-1973)

2011-07-04T06:01:00.000-07:00

(Capivari, 1886-São Paulo, 1973) Pintora brasileña. En 1916 comenzó sus estudios de arte en Sâo Paulo y en 1920 los continuó en París, donde estudió con los pintores cubistas franceses André Lhote, Fernand Léger y Albert Gleizes. Celebró su primera exposición individual en París en 1926, y en ella se pudo ver la que sería su obra más emblemática, La Negra (1923).

Su relación con el escritor brasileño Oswald Andrade, con quien vivió durante unos años, contribuyó al intercambio de ideas entre artistas brasileños de vanguardia y escritores y artistas franceses. Sus telas reflejan una gran diversidad de influencias. Por lo general, representan paisajes de su país con una vegetación y fauna de vívidos colores, de formas geométricas y planas con influencias cubistas. Al igual que otros artistas brasileños de su época, estaba interesada en los orígenes africanos de su cultura y solía incorporar a su obra elementos afrobrasileños.

A finales de la década de 1920 comenzó a pintar una serie de paisajes brasileños de corte onírico influidos por el surrealismo francés. Tras un viaje a Moscú en 1931, incorporó aspectos del realismo socialista, estilo artístico oficial aprobado por el gobierno soviético en el que se representaba a obreros y campesinos en posturas monumentales y heroicas. Sin embargo, pronto retornó a sus temas iniciales, y pintó cuadros surrealistas de figuras alargadas en los que plasmó las brillantes tonalidades rosas y anaranjadas de la tierra brasileña.

ARTE LATINO/ Anita MALFATTI (1896-1964) Brasil.

2011-07-04T06:00:00.000-07:00

Anita Malfatti

(Ana Malfatti, llamada Anita Malfatti; São Paulo, 1896- id., 1964) Pintora brasileña. Tras ampliar estudios en Europa y EE UU, realizó una exposición en São Paulo (1917) que contribuyó a la introducción del arte moderno en su país. En 1922 participó en la Semana del Arte Moderno con su obra Hombre amarillo. En 1963 expuso una muestra retrospectiva de sus pinturas en la Bienal de São Paulo. Entre éstas destacan Mujer de cabello verde (1916), Flores (1922), Lagos italianos (1927), Puerto de barcas (1949), Casamentinho (1962).

ARTE LATINO/ Armando REVERÓN (1889-1954) Venezuela

2011-07-04T05:59:00.000-07:00

Armando Reverón (n. Caracas, Venezuela, 10 de mayo de 1889 – Caracas 18 de septiembre de 1954) fue un pintor y artista plástico venezolano. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Caracas, en España y en Francia. Se radicó en Macuto, La Guaira, (estado Vargas) - Venezuela a partir de 1921, donde realiza gran parte de su obra, en el litoral central de Venezuela, capta y transmite el impacto de la luz tropical. Es considerado el mejor pintor de Venezuela del siglo XX, se interesó profundamente por la acción de la luz sobre las formas. Entusiasta del impresionismo francés, su pintura evolucionó a la abstracción y el simbolismo. Los temas preferidos fueron el paisaje y el desnudo femenino.

ARTE LATINO/ Wilfredo LAMB (1902-1882) Cuba.

2011-07-04T05:58:00.000-07:00

Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla (Sagua La Grande, 8 de diciembre de 1902 — París, 11 de septiembre de 1982) fue un pintor vanguardista cubano.
Biografía

Wifredo Lam era hijo de un padre chino y una madre con mestizaje africano, indio y europeo. En 1916, su familia se mudó a La Habana, donde realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes. Al inicio de los 20s, realizó una primera exposición de sus trabajos iniciales en el Salón de la Asociación de Pintores y Escultores en la Habana. En 1923, Lam se trasladó a Madrid donde estudió en el taller de Fernando Álvarez de Sotomayor, Director del Museo del Prado y reconocido por haber sido maestro de Salvador Dalí.

A comienzos del 1930, la influencia surrealista era evidente en los trabajos de Lam así como la de Henri Matisse, así como también posiblemente de Joaquín Torres-García. En 1936, al visitar una exposición de Pablo Picasso se sintió fuertemente atraído hacia él tanto artística como políticamente. En 1938, se fue a vivir a París, donde el propio Picasso lo tomó bajo su tutela y alimentó su interés por el arte africano y máscaras primitivistas. En ese mismo año, viajó a México donde permaneció con Frida Kahlo y Diego Rivera.

La variada herencia multicultural de Lam así como su relación con la Santería, se manifiesta extensamente en la obra del artista.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Lam vivió la mayor parte del tiempo en el Caribe, junto con Claude Lévi-Strauss, André Masson, y André Breton, cuyo poema Fata Morgana, Lam ilustró en el 1940. En 1941, regresó a la Habana donde fue fuertemente influenciado por las teorías de Carl Jung. A finales de 1942, comenzó su importante obra "La Jungla" (1943). Lam desarrolló un estilo propio en el que combinaba el surrealismo y el cubismo con el espíritu y formas del Caribe.

Entre 1942 y 1950, realizó exposiciones regulares en el Pierre Matisse Gallery de Nueva York. Después de una breve estancia en Haití, Lam regresó a Francia pasando por Nueva York. Viajó intensamente durante los años siguientes y en 1960, se estableció en Albisola Mare, en la costa italiana. Recibió numerosos premios y reconocimientos. Su obras se encuentran en los principales museos del mundo. Se han subastado obras de Lam en todas las subastas de arte latinoamericano de prestigio mundial, alcanzando también los precios más altos (por ejemplo, $ 1,267,500 por la "La mañana verde", óleo/papel, 1943; Sotheby´s. Latin American Art. Sale #NY7140, 27 de Mayo de 1998: lote 12).

Lam murió en París el 11 de septiembre de 1982. Está enterrado en su ciudad natal.

ARTE LATINO/ María IZQUIERDO (1902-1955) México.

2011-07-04T05:57:00.002-07:00

María Izquierdo (1902-1955) fue una pintora mexicana nacida en 1902 en San Juan de los Lagos (Jalisco) con el nombre de María Cenobia Izquierdo Gutiérrez. Aunque la mayoría de sus biógrafos aceptan como fecha de nacimiento 1902, algunos otros establecen que fue en 1906. Fue la primera pintora mexicana en exponer sus obras fuera del país en el año 1930. Su primera exposición tuvo lugar en el Art Center de la ciudad de Nueva York. Murió en la Ciudad de México, el 3 de diciembre de 1955.

Sus inicios

A los cinco años de edad perdió a su padre y desde pequeña, su educación fue delegada a sus abuelos, hasta que su madre se casó nuevamente. La infancia de María Izquierdo es probablemente la razón de sus fuerzas libertarias como artista. En sus primeras obras, las que comprenden el período de 1927 a 1930 muestran su entorno más inmediato: retratos de sus seres queridos y amigos, como el Retrato de Belem (1928), o Niñas durmiendo (1930), el cual es el retrato de su hija Amparo y una sobrina; así como, naturalezas muertas y paisajes. Los paisajes revelan mucho del entorno que la envolvió en su tránsito desde su infancia rural y la vida adulta en la ciudad de México. En algunas de sus obras aparecen incluso algunas industrias, las cuales existían contundentemente en el entorno y que de esa manera, en 1930 llevó a cabo una composición de la cementera La Tolteca, con la que participó en un concurso artístico convocado por la misma empresa y que le otorgó una mención honorífica especial del jurado.

En 1927 ingresó a la Academia de San Carlos en donde estudió durante un año. En ella tuvo a algunos maestros como Germán Gedovius y a Manuel Toussaint, aunque cabe mencionar que la influencia más profunda la obtuvo de Rufino Tamayo.

Aún siendo una niña, migró a Aguascalientes y después a Saltillo, Coahuila. Se casó con un hombre mayor, y ahí hubo de convertirse en mujer y madre. De este matrimonio hubo razones lógicas por las que se separó y escapó para después establecer una relación sentimental con Cándido Posadas Izquierdo.
Su proyección al mundo

Hacia finales de los años 20, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en enero de 1928, y se mantuvo como alumna de la antigua academia de San Carlos hasta junio de 1929; Fue ahí donde se matriculó en la clase de pintura de German Gedovius, el cual impartía la clase de colorido y composición, y años más tarde en pintura de figura. Cursó historia del arte con Antonio Caso y dibujó con Alberto Garduño. Tomando en cuenta que María Izquierdo llevaba relativamente poco tiempo en la Academia, comenzó a asistir a cursos avanzados siendo que era una novata; incluso el maestro Germán Gedovius le concedió permiso para no asistir a la escuela y pintar y estudiar desde su casa ya que como el decía: "la muchacha tenía mucha cabeza para la pintura".

En el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México, había una galería de arte la cual estaba atendida por los pintores Carlos Mérida y Carlos Orozco Romero. En esa galería se llevó a cabo la primer exposición de María Izquierdo, la cual fue muy comentada por las publicaciones de la época. La introducción al catálogo fue escrita por Diego Rivera, el cual era ya Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes. En ese texto plasmó el gran desarrollo que había tenido la joven pintora, a la cual definió como una de las personalidades más atrayentes del panorama artístico y uno de los mejores elementos de la academia, considerándola "un valor seguro; seguro y concreto".

También surgieron muchas reseñas periodísticas sobre sus trabajos. Retrato de Belem, el cual es de sus primeras obras de las que se tiene conocimiento, es un retrato en el cual abandonaría el uso de la perspectiva académica, explorando y proponiendo en el terreno de lo compositivo.

Sin duda llevar a cabo este tipo de acciones significó cuestionar lo que había aprendido con su maestro German Gedovius, el cual le exigió un esfuerzo técnico totalmente distinto. Muchas de sus composiciones, realizadas por María en 1929, rememoran en buena medida los trabajos de las escuelas de pintura al aire libre, las cuales visitaba frecuentemente. Otra gran influencia que tuvo en esta época fue la del pintor mexicano Rufino Tamayo, el cual impartía clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes y tenía afinidad con los proyectos de Diego Rivera. Entre María Izquierdo y Rufino Tamayo hubo una relación profesional y afectiva que duró mas, a pesar de que Rufino abandonara la institución. Existen semejanzas entre sus pinturas en el período de 1929 a 1933, aunque cabe mencionar que Rufino Tamayo nunca fue dado a formar discípulos.

Al año siguiente (1930), en el Arts Center Gallery de Nueva York se celebró su primera exposición individual en los Estados Unidos, colocándola como la primer expositora mexicana en ese país. Su exposición contemplaba catorce óleos que incluían naturalezas muertas, retratos y paisajes. En ese mismo año la American Federation of Arts presentó en el Metropolitan Museum of Art una exposición de arte popular y pintura mexicana que incluyó obras de Rufino Tamayo, María Izquierdo, Diego Rivera y Agustín Lazo, entre otros.

Actualmente la mayoría de sus obras se encuentran en manos de extranjeros y muchos de sus restantes trabajos se encuentran perdidos. Su obra se caracteriza por el uso de intensos colores, y temáticas que van desde autorretratos, paisajes, naturaleza, hasta surrealismo.

ARTE LATINO/ Gyula KOSICE (1924) Argentina.

2011-07-04T05:57:00.001-07:00

Nació el 26 de abril de 1924 en Košice, Checoslovaquia (actualmente Eslovaquia). Tres o cuatro años después de haber nacido, sus padres emigraron a la Argentina, donde se establecieron e inscribieron a su hijo bajo el nombre de Fernando Fallik.

Utilizó como nombre de artista su ciudad natal. Fue uno de los iniciadores del arte abstracto no figurativo en América Latina. Utilizó, por primera vez en el plano mundial, el agua y el gas neón como parte de sus obras artísticas. También se valió de otros elementos novedosos en el ambiente como la luz, y el movimiento.

Ha realizado esculturas monumentales, recorridos hidroespaciales, hidromurales, etcétera. Intervino en 40 exposiciones individuales y más de 500 muestras colectivas.

1940

* Primeros Dibujos, pinturas y esculturas no figurativas. Estudio e investigación de la obra de Leonardo Da Vinci. Poemas y escritos sobre el arte interdisciplinario.

1944
Röyi, primer escultura articulada y móvil, 1944

* Röyi. Escultura articulada y móvil, nombre inventado.
* Cofundador de la revista Arturo.

1945

* Cofundador "Arte Concreto*Invención" en la casa del Dr. Enrique Pichon Riviere.
* Organiza la 2º muestra de "Arte Concreto*Invención" en la casa de la fotógrafa Grete Stern, Ramos Mejía.
* Publicación de "Invención". Poemas, esculturas móviles y textos teóricos.

1946

* Fundador del Movimiento Arte Madí. Exposición en el Instituto Francés de Artes Superiores * Van Riel.
* Autor del Manifiesto Madí y la designación del nombre Madí. Pinturas Madí con planos y color articulados.
* Por primera vez utilización del gas neón en obras de arte en el plano internacional.

1947

* Primera exposición personal de Arte Madí en el Bohemien Club, Galerías Pacífico, asimismo la primera muestra totalmente no figurativa en Latinoamérica.
* Fundador y publicación de la revista "Arte Madí Universal", ocho números aparecidos.

1948

* Exposición Madí en Réalités Nouvelles, París, invitado por Del Marle y la Comisión Directiva, obtuvo la colaboración del Agregado Cultural de Francia, M.Weibel Richard, en Buenos Aires.
* Dibujos y propuesta de "La Ciudad Hidroespacial" que vertebra su declaración en "Arturo": "El hombre no ha de terminar en la tierra".

1949

* "Hidrocinetismo". Agua, luz, movimiento. El agua utilizada en el plano artístico por primera vez en el mundo.

1950

* Realización de esculturas monumentales en hormigón armado, poliéster y marmolina, fuentes de agua con plexiglás, recorridos hidroespaciales, etc.

Algunas exposiciones [editar]
Individuales [editar]
Monumento Democracia, 1999. Av. 9 de Julio y Marcelo T. de Alvear, Buenos Aires.

1947

* Galerías Pacifico, Buenos Aires. (Primera exposición personal e arte abstracto constructivo y cinético en América Latina).

1953

* Galería Bonino, Buenos Aires.

1960

* Kosice, Galerie Denise René, París.
* Exhibition of spatial constructions and first hydraulic sculpture, Drian Gallery, Londres.

1963

* Galerie L'Oeil, París.

1964

* Galerie La Hune, París.

1965

* Terry Dintenfass Gallery, New York.

1966

* Galería de Arte Moderno, Córdoba, Argentina.

1967

* Galería Bonino, Buenos Aires.
* Kosice, Sculpture: water, light, movement. Galería Bonino, New York.

"Relieve Agua Comunicante"

1968

* "100 obras de Kosice, un precursor", Centro de Artes Visuales, Instituto Torcuato Di Tella, Buenos Aires.
* Kosice, Galería Bonino, Buenos Aires.
* 150 metros de lluvia en la calle Florida, Buenos Aires.

1969

* Bijoux et sculptures d'eau, Galerie Lacloche, París.

1970

* Galería Estudio Actual, Caracas, Venezuela.

1971

* "La Ciudad Hidroespacial", Galería Bonino, Buenos Aires.

1972

* Galería de Arte del Banco Continental, Lima, Perú.
* G.K., Foyer del Teatro Municipal General San Martín, Buenos Aires.
* Exposición organizada por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

1973

* Biblioteca Luis Arango, Bogotá, Colombia.

1974

* Kosice, Museo de Israel, Jerusalén.
* Kosice bijoux hydrospatial, Espace Cardin, París.

1975

* La cite' hydrospatial. Espace Cardin, París.
* Obras de Kosice, Galería Pozzi, Buenos Aires.

1977

* Exposición Kosice, relieves de aluminio 1945 - 50. Documentos sobre arte Madí. Departamento Cultural Librería de la Ciudad, Galería del Este, Buenos Aires.
* Exposición Hidroespacial organizada por la Argentina, "Confagua" y las Naciones Unidas para la "Conferencia Mundial del Agua", Mar del Plata, Argentina.

1979

* Esculturas insólitas, pequeño formato, piezas únicas, Galería Birger, Buenos Aires.
* Obras hidrocinóticas, Galería Unika, Punta del Este, Uruguay.
* La ciudad hidroespacial, Planetario de la ciudad de Buenos Aires, Galileo Galilei.

1982

* Kosice, Hakone Open Air Museum, Tokio, Japón.

1985

* Obras Monumentales de Kosice, Centro Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

1991

* Exposición Retrospectiva, obras 1944 - 1990. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.

1999

* Anticipaciones, más de 80 obras. 12 de agosto al 5 de septiembre, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires.

2003

* Homenaje a un creador multifacético. 62 años de trayectoria. Obras Digitales. Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2003.

2005

* Pequeña Sala Kosice. Museo de Arte Latinoamericano de Austin, Texas, Estados Unidos.
* Muso Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez – 82º Salón anual de Santa Fe, Argentina. Invitado Especial.

2006

* Caminata Madí, caminata por la calle Florida (Buenos Aires) revitalizando la vigencia del madismo.
* Homenaje a la trayectoria del Maestro Gyula Kosice en el Arte y la Cultura, Senado de la Nación, Buenos Aires, Argentina.

2007

* Merryl Lynch Arteaméricas, G. Kosice invitado especial de América Latina. Miami, Estados Unidos.

ARTE LATINO/ Julio LE PARC (1928) Argentina.

2011-07-04T05:55:00.000-07:00

Julio Le Parc

(Mendoza, 1928) Artista argentino. Estudió en Buenos Aires y en 1958 se instaló en París, donde se interesó por las investigaciones cinéticas y donde fundó en 1960, en colaboración con otros artistas, el GRAV, grupo dedicado a la investigación del arte visual. Su obra, compuesta sobre todo por relieves que integran la luz y el movimiento, recurre a líquidos fosforescentes, a hilos de nylon y a bandas metálicas movidas de forma mecánica. A partir de 1969, tras volver a la pintura sobre tela, ha trabajado en una gama de catorce colores estrictamente definidos.

ARTE LATINO / David ALFARO SIQUEIROS (1896-1974)

2011-07-04T05:48:00.000-07:00

David José de Jesús Alfaro Siqueiros mejor conocido como David Alfaro Siqueiros (Ciudad de México; 29 de diciembre de 1896 – Cuernavaca; 6 de enero de 1974) fue un pintor y militar mexicano. Es considerado uno de los tres exponentes del muralismo mexicano junto con Diego Rivera y José Clemente Orozco.

Infancia y adolescencia

Se creía que Siqueiros había nacido en Chihuahua (Chihuahua), pero recientemente se ha determinado que nació en la Ciudad de México en 1896. Su padre era el abogado Cipriano Alfaro y su madre Teresa Siqueiros. Su padre lo llevó a vivir a Irapuato, Guanajuato, donde realizó sus primeros estudios bajo la vigilancia de sus abuelos Antonio y Eusebia Alfaro, quiénes dejaron honda huella en su formación. Al morir su abuela, Siqueiros y sus hermanos se mudaron a la Ciudad de México donde fueron internados en escuelas maristas. Más tarde, en 1911 ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria y por las noches asistía a la Academia de San Carlos. En 1911, cuando sólo tenía quince años de edad, Siqueiros se vio involucrado en una huelga estudiantil en la Academia de San Carlos de Bellas Artes que protestaba contra el método de enseñanza de la escuela y urgía la destitución del director. Sus protestas con el tiempo llevaron al establecimiento de una «academia al aire libre» en Santa Anita.

Juventud artística y primeros trabajos
Del porfirismo a la Revolución

A los dieciocho años de edad, Siqueiros y varios de sus colegas de la Escuela de Bellas Artes, se unieron al Ejército Constitucional de Carranza luchando contra el gobierno de Huerta. Cuando Huerta cayó en 1914, Siqueiros se afianzó en la lucha interna «post-revolucionaria», pues el Ejército Constitucional tuvo que combatir las facciones políticas de Pancho Villa y Emiliano Zapata por el control. Sus viajes militares por todo el país le expusieron a la cultura mexicana y las crudas luchas cotidianas de los trabajadores y los campesinos pobres. Después de que las fuerzas de Carranza tomaran el control, Siqueiros regresó brevemente a Ciudad de México para pintar antes de viajar a Europa en 1919. Primero en París, absorbió la influencia del cubismo, intrigado en particular con Cézanne y el uso de grandes bloques de color intenso. Estando allí, conoció a Diego Rivera, otro pintor mexicano de «los tres grandes» justo al comienzo de una carrera legendaria en el muralismo, y viajó con él por Italia estudiando a los grandes pintores al fresco del Renacimiento.

Aunque muchos han señalado que la carrera artística de Siqueiros se vio con frecuencia «interrumpida» por la política, el propio Siqueiros creía que las dos estaban inextricablemente unidas. En 1921 Siqueiros publicó en Barcelona, España la revista "Vida Americana" donde publicó un manifiesto titulado "Tres llamados a los artistas plásticos de América" en el que escribe sobre las propuestas artísticas que tenía pensadas y que creía convenientes para América. Para entonces, Siqueiros ya había estado expuesto al marxismo y visto la vida cotidiana de los pobres. En Una nueva dirección para la nueva generación de pintores y escultores americanos pidió una «renovación espiritual» al tiempo que el regreso de las virtudes de la pintura clásica mientras infundía este estilo con «nuevos valores» que reconocían la «máquina moderna» y los «aspectos contemporáneos de la vida cotidiana». El manifiesto también reivindicaba que un «espíritu constructivo» es esencial para un arte con sentido, que se alza por encima de la mera decoración o temas falsos o fantásticos. A través de este estilo, Siqueiros tenía la esperanza de crear un estilo que enlazara el arte nacional con el universal. En su obra así como en su escritura, Siqueiros buscaba un realismo social que aclamara a los pueblos proletarios de México y el mundo al mismo tiempo que evitaba los clichés del «primitivismo» y el «indianismo» a la moda.

En 1922, Siqueiros regresó a Ciudad de México para trabajar como muralista para el gobierno revolucionario de Alvaro Obregón. El entonces secretario de Educación Pública, José Vasconcelos, se impuso la misión de educar a las masas a través del arte público y contrató a decenas de artistas y escritores para erigir una cultura mexicana moderna. Siqueiros, Rivera y José Clemente Orozco trabajaron juntos con Vasconcelos, quien apoyó el movimiento muralista encargándoles murales para edificios destacados en Ciudad de México. Aún así, los artistas trabajando en la Preparatoria se dieron cuenta de que muchas de sus primeras obras carecían de la naturaleza «pública» visionada en su ideología. En 1923 Siqueiros ayudó a fundar el Sindicato de Pintores, Escultores y Grabadores Mexicanos Revolucionarios, que afrontaba el problema de amplio acceso público a través del periódico sindical, El Machete. Ese año, el periódico publicó -«para los proletarios del mundo»- un manifiesto, que Siqueiros ayudó a redactar, sobre la necesidad de un arte «colectivo», que serviría como «propaganda ideológica» para educar a las masas y derrotar a los burgueses, a los individualistas, etcétera.

Poco después, Siqueiros pintó su famoso mural Entierro de un trabajador (1923) en el hueco de la escalera del Colegio Chico. El fresco representa a mujeres indígenas lamentándose sobre un ataúd, decorado con una hoz y un martillo. Pero conforme el sindicato se fue haciendo más crítico con el gobierno revolucionario, que no había instituido las reformas prometidas, sus miembros se enfrentaron a nuevas amenazas de ver cortados los fondos que financiaban su arte y el periódico. Se produjo una disputa interna en el sindicato sobre si dejar de publicar El Machete o perder el apoyo financiero a los murales, lo que dejó a Siqueiros en primer plano, pues Rivera abandonó en protesta por la decisión de mantener la política por encima de las oportunidades artísticas. A pesar de ser despedido de su puesto «docente» bajo el Departamento de Educación en 1925, Siqueiros permaneció hondamente implicado en actividades laborales, en el sindicato así como en el Partido Comunista Mexicano, hasta que fue encarcelado y con el tiempo padeció el exilio a principios de los años 1930.

A principios de los años treinta, incluyendo el tiempo que pasó en la prisión mexicana de Lecumberri, Siqueiros produjo una serie de litografías de tema político, muchas de las cuales se expusieron en los Estados Unidos. Su litografía Cabeza se mostró en la exposición de 1930 «Artistas mexicanos y artistas de la escuela mexicana» en los estudios Delphic de Nueva York. En 1932, celebró una exposición y conferencia titulada «Rectificaciones sobre el muralismo mexicano» en la galería del casino español en Taxco, México. Poco después, viajó a Nueva York, donde participó en la exposición de la galería Weyhe titulada «Arte gráfico mexicano». Con un grupo de estudiantes, también completó un mural, conocido a veces como América tropical, en 1932 en la Sala Italiana de Olvera Street en Los Ángeles Otros murales pintados en 1932 en Los Ángeles fueron Mitín en la Calle y Retrato actual de la Ciudad de México. Al año siguiente, en la Argentina realiza un mural Ejercicio Plástico en el sótano de Natalio Botana, director del mítico diario argentino Crítica en el cual Siqueiros fue columnista durante más de un año.

De regreso a Nueva York en 1936, fue invitado de honor de la exposición de Arte Contemporáneo en la galería St. Regis gallery. Allí también llevó un taller de arte político en preparación de la Huelga General de 1936 por la Paz y desfile del May Day. El joven Jackson Pollock acudió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile. Otro de sus pupilos en talleres experimentales fue Óscar Quiñones. Siguió produciendo varias obras a lo largo del final de los años treinta, como Eco de un grito (1937) y El suspiro (El sollozo) (1939), ambos actualmente en el MoMA de Nueva York – Siqueiros también llevó a cabo una serie de talleres de arte experimentales para estudiantes estadounidenses.

ARTE LATINO/ José Clemente OROZCO (1883-1949)

2011-07-04T05:47:00.000-07:00

José Clemente Orozco (n.23 de noviembre de 1883 - m. 7 de septiembre de 1949), muralista y litógrafo mexicano, nacido en Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco y falleció en la Ciudad de México. Graduado en la Escuela Nacional de Agricultura, estudió más tarde matemáticas.

Aún siendo un niño, conoció a José Guadalupe Posada, cuyos grabados lo llevaron a interesarse por la pintura. Estuvo casado con Margarita Valladares con quien tuvo 3 hijos. Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena; interesado en la pintura mural, logró posteriormente un perfecto dominio de su técnica.

Hizo su primera exposición individual en la librería Biblos de Ciudad de México en 1916. Al año siguiente viajó por los Estados Unidos y vivió en San Francisco y en Nueva York pintando carteles; pintó también murales para el Colegio Pomona de California, para el Dartmouth College y la New School for Social Research de Nueva York; en la decoración de esta última, realizo un verdadero fresco, pues pintó sobre yeso húmedo; fue la primera que de este tipo que se hiciera una pintura en Nueva York.

En el año 1922 se unió a Diego Rivera y a David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, intentando recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno. En 1926 por encargo de la Secretaria de Educacion, pinta en la ciudad de Orizaba, el mural Reconstrucción en el edificio que actualmente ocupa el Palacio Municipal. En 1927 regresó a los Estados Unidos y durante los siguientes cinco años realizó numerosos murales. Su primer viaje a Europa tiene lugar en 1932. Entre 1936 y 1939 realizó murales en Guadalajara, en el Paraninfo de la Universidad, en el Hospicio Cabañas y en el Palacio de Gobierno. En 1940 fue designado por el presidente Lázaro Cárdenas para decorar el nuevo edificio del Tribunal Supremo de México.

Hacia el año 1946, integró junto con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes. En este año recibió el Premio Nacional de Ciencias y Arte de México.[5] En 1947 expusó en el Palacio de Bellas Artes; murió el 7 de septiembre de 1949 en la Ciudad de México, fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres, en la Ciudad de México.

Su obra se enmarca en el grupo de pintores y muralistas mexicanos, junto a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Estos muralistas expresionistas mexicanos anticiparon las tendencias neorepresentativas o neoicónicas que se dieron hacia 1960.

A diferencia de Rivera y Siqueiros, Orozco retrata la condición humana de forma apolítica; se interesa por valores universales y no insiste tanto en valores nacionales, de ahí que sus imágenes más características comuniquen la capacidad del hombre de controlar su destino y su libertad ante los efectos determinantes de la historia, la religión y la tecnología.

El afán de lograr en sus cuadros recios efectos emotivos dió a sus obras simplicidad de línea y color y prestóles audacia en la interpretación de motivos contemporáneos y valores sociales.
Estilo [editar]

Su estilo heróico está fundado en un realismo de carácter expresionista, conscientemente ligado a las viejas tradiciones artísticas mexicanas, de violento dinamismo y amplísima factura.

“Orozco fue un pintor comprometido con las causas sociales, en las que plasmó un realismo ferozmente impresionante. Él plasmó también la penosa situación del indígena. Para él, el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte, porque no puede hacerse de ella un uso particular, sino que tiene una trascendencia social. Es, por lo tanto, el arte más puro y derecho para que el pueblo lo vea y lo confronte”.

ARTE LATINO/ Diego DE RIVERA (1896-1957)

2011-07-04T05:46:00.000-07:00

Nació el 8 de diciembre de 1886 en la ciudad de Guanajuato, México, en una familia de judíos conversos, es decir, de judíos que se vieron obligados a convertirse al catolicismo (fue criado como católico, pero estaba consciente de su herencia judía). A partir de 1896 comienza a tomar clases nocturnas en la Academia de San Carlos de la capital mexicana, donde conoce al célebre paisajista José María Velasco. En 1905 recibe una pensión del Secretario de Educación, Justo Sierra y en 1907 recibe otra del entonces gobernador de Veracruz, Teodoro A. Dehesa Méndez, que le permite viajar a España a hacer estudios a obras como las de Goya, El Greco y Brueghel; e ingresar al taller de Eduardo Chicharro en Madrid. A partir de entonces y hasta mediados 1916 alterna su residencia entre México, Ecuador, Bolivia, Argentina, España y Francia, país en el cual tuvo los primeros contactos con las reuniones de artistas de Montparnasse, donde tuvo acercamientos con intelectuales y artistas a los cuales admiraba como fueron Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María del Valle-Inclán, consiguiendo el acercamiento con las nuevas corrientes que en Europa existían como el cubismo. Ese mismo año, en París, nace su primer hijo, Diego, fruto de su primer matrimonio con la pintora rusa Angelina Petrovna Belova mejor conocida como Angelina Beloff; sin embargo, el niño moriría al año siguiente. Hacia 1917, influenciado por las pinturas de Paul Cézanne, se introduce en el Postimpresionismo, logrando captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos.
Mural de Rivera mostrando la vida de los aztecas en el mercado de Tlatelolco. Palacio Nacional de Ciudad de México.

En 1919 nace una hija fruto de sus relaciones extramatrimoniales con Marievna Vorobieva-Stebelska, Marika Rivera y Vorobieva, a la que nunca reconocería pero sí sostendría económicamente. Hacia el año de 1920, y gracias al entonces embajador de México en Francia, Alberto J. Pani, Rivera abandonó el país y emprendió un viaje a Italia, donde comenzó el estudio del arte renacentista. Cuando Álvaro Obregón designó a José Vasconcelos como secretario de educación, Diego Rivera regresó a México para participar en las campañas emprendidas por Vasconcelos y en las cuales participó también con los muralistas mexicanos José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, así como con el artista francés Jean Charlot.

En enero de 1922, comenzo a pintar su primer mural, en el Anfiteatro Simón Bolívar de la escuela Preparatoria Nacional. La pintura de Rivera comienza a convertirse en un factor considerable y de influencia para el Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano. En diciembre de ese mismo año se casa con Guadalupe Marín, también conocida como la "Gata Marín", quien le fue presentada por Julio Torri mientras hacía el mural del Anfiteatro Bolívar en la Universidad Nacional.[5] Era una indígena mexicana de piel morena, larga cabellera negra y ojos verdes.

Con ella tiene dos hijas: Lupe, nacida en 1925 y Ruth, nacida en 1926. En septiembre de 1922 inicia el fresco en la Secretaría de Educación Pública. Se convierte también en el co-fundador de la Unión de Pintores, Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios. Para ese mismo año, se da uno de los acontecimientos que marcaría gran parte de la vida de Diego, su anexión al Partido Comunista Mexicano, uno de los grandes factores influyentes dentro de su pintura. También se le otorgan los permisos necesarios para comenzar con las pinturas y murales del Palacio de Cortés en Cuernavaca y en la Escuela Nacional de Agricultura, en Chapingo, así como en el Palacio Nacional de la Ciudad de México, donde de 1929 a 1935 creó un ciclo narrativo sobre la historia del país desde los tiempos de los aztecas hasta el siglo XX.
Vida en el extranjero [editar]
Diego Rivera con Frida Kahlo, su tercera esposa.
El hombre en el cruce de caminos (1934).

Hacia 1927, Rivera fue invitado a los festejos de los primeros diez años de las Revolución de Octubre en la Unión Soviética, por lo que parte hacia la Ciudad Rusa de Moscú. Tras su divorcio con Guadalupe Marín en 1928, contrajo terceras nupcias con la pintora Frida Kahlo en el año de 1929. Igualmente, este mismo año, fue expulsado del Partido Comunista Mexicano. Hacia 1930, fue invitado a los Estados Unidos para la realización de diversas obras, donde su temática comunista desataría importantes contradicciones, criticas y fricciones con los propietarios, el gobierno y la prensa estadounidense.

Las más destacadas pinturas de Rivera en aquel país se encuentran en el San Francisco Art Institute -Escuela de Arte de San Francisco- así como en el Instituto de Artes de Detroit.

Hacia 1933, se da uno de los sucesos más controvertidos en su vida. Cuando el industrial John D. Rockefeller Jr. contrata a Rivera para pintar un mural en el vestíbulo de entrada o "lobby" del edificio RCA en la ciudad de Nueva York. Este era el edificio principal de un conjunto de construcciones que se habría de denominar como Rockefeller Center.

El edificio, situado en Fifth Avenue, una de las avenidas más famosas, se posicionaba como uno de los emblemas más importantes del capitalismo. Diego Rivera, diseñó para esta ocasión, el mural denominado El hombre en el cruce de caminos o El hombre controlador del universo. Pero cuando Rivera se encontraba a punto de completarlo, incluyó un retrato de Lenin. La reacción de la prensa y la controversia que suscitó el retrato de Lenin, fue inmediata y vocífera.

Rockefeller, vio el retrato como insulto personal y mandó cubrir el mural y más tarde ordenó que fuera destruido. Rivera poco después regresó a México en 1934, donde pintó el mismo mural El hombre en el cruce de caminos" en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes de México.

En 1936 solicita al presidente Lázaro Cárdenas del Río, el asilo político de León Trotsky en México que se concreta el año siguiente, recibiéndolo en la Casa Azul de Frida Kahlo. Para 1940 ya se había distanciado del célebre disidente ruso y se había divorciado de Frida Kahlo, volviéndose a casar con ella a finales de ese año.

Hacia 1946, pintó una de sus obras más importantes, Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central en el entonces recién construido Hotel del Prado de la Ciudad de México. También integra junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes.

En 1950 ilustró Canto General de Pablo Neruda y ganó el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México. En 1952 realizó el mural denominado "La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud deportista" del Estadio Olímpico Universitario (UNAM), en la ciudad de México y en 1955 ante la muerte de Frida Kahlo en junio del año anterior, se casó con Emma Hurtado y viajó a la Unión Soviética para ser intervenido quirúrgicamente. Falleció el 24 de noviembre de 1957 en Coyoacán, Ciudad de México y sus restos fueron colocados en la Rotonda de las Personas Ilustres, contraviniendo su última voluntad.

En el Mural que se encuentra en el Palacio de Gobierno, Diego Rivera pinta a sus esposas y amigos. Lupe Marín se encuentra pintada a un lado de Frida Kahlo

ARTE LATINO / Frida KHALO (1907-1954)

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Nació en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, el 6 de julio del 1907. A pesar de ello, Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución mexicana: "Nací con la Revolución" , porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su patria y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.

Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo (Wilhelm Kahlo), fotógrafo de origen germano-húngaro, de religión judía con su segunda esposa, la mexicana Matilde Calderón, de ascendencia española. Sus dos hermanas mayores fueron Matilde y Adriana; después de ellas nació el único hijo varón de la familia, el cual sobrevivió apenas unos días. Cuando Frida tenía apenas once meses, en junio de 1908 nace su hermana menor, Cristina, su constante compañera y la única de las hermanas Kahlo en dejar descendencia. Además de ellas, Frida tuvo tres medio-hermanas mayores: Luisa, la mayor, una segunda hermana fallecida nada más nacer y Margarita, todas nacidas del primer matrimonio de su padre con María Cardeña (llamada también Cerdeña en algunas fuentes), fallecida en el parto de Margarita en 1898.

De acuerdo al estudio de Gaby Franger y Rainer Huhle,[4] formaba parte de la leyenda, no pocas veces instigada por la propia Frida, que Guillermo Kahlo tuviera raíces húngaras o judías. Estos autores sostienen que probablemente el fotógrafo nació en Pforzheim, pequeña ciudad del estado de Baden-Wurtemberg y que sus abuelos y resto de antepasados pertenecieron a la burguesía local y eran de religión luterana.[5] [6]

Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1913 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.

En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México, la cual empezaba por primera vez a admitir chicas como alumnas. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes con los que realizó innumerables trastadas en la escuela teniendo generalmente como víctimas a sus profesores. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela.
Graffiti dedicado a Frida Kahlo en Los Ángeles.

En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández Domínguez. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento".

El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.

Tras esa recuperación, que le devolvió la capacidad de caminar, una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban, entre otros, la conocida fotógrafa, artista y comunista Tina Modotti y el futuro marido de Frida, Diego Rivera.

La artista contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1939 que solamente duró un año.

Poco después de su divorcio con Diego Rivera, Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las Dos Fridas. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre.

Al matrimonio lo llegaron a llamar la unión entre un elefante y una paloma, pues Diego era enorme y obeso mientras que ella era pequeña y delgada. Por otra parte; Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar.

A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego.
Frida Kahlo con Malu Block y Diego Rivera.

La creciente reputación de Rivera en los Estados Unidos los llevó entre 1931 y 1934 a pasar la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit.

Entre 1937 y 1939 el revolucionario ucraniano León Trotsky vivió exiliado en su casa de Coyoacán junto a su mujer. Allí tendrá un romance con el líder comunista para, tras su asesinato a manos del miembro de la NKVD estalinista Ramón Mercader, ser acusada como autora del mismo. Esto la llevó a estar arrestada pero finalmente fue dejada en libertad al igual que su marido.

En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".

En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero. A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda del México D.F.
La Casa Azul, Museo Frida Kahlo.

En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un rotundo éxito.

Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.

Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia. Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.

Las últimas palabras en su diario fueron: "Espero alegre la salida y espero no volver jamás".[7]

A los cuatro años de su muerte, la Casa Azul se convirtió en el Museo Frida Kahlo.

Varios museos le han dedicado retrospectivas: el Instituto Nacional de Bellas Artes del ciudad de México (1977), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1980), la Whitechapel de Londres (1982), la Tate Modern de Londres (2007), el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (2007), y el Museo Nacional de Bogotá, Colombia (2009).

EL MURALISMO MEXICANO.

2011-07-04T05:29:00.002-07:00

TROPICALISMO Y ANTROPOFAGIA.

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¿Cómo que no la han visto? Pues no sabemos a que esperan para acercarse a ver la exposición de la pintora brasileña Tarsila do Amaral (1886-1973) que en breve abandonará la Muy Noble Villa para recalar en La Coruña. Tarsila es un recorrido por los años veinte a caballo entre París y Sâo Paolo, desde la pintura Pau Brasil a la propuesta antropófaga: deglutir la modernidad, las vanguardias, sin renunciar en la digestión a las raíces brasileñas ¿pero es esto posible?. Acostumbrado a los relatos hagiográficos en el mundo del arte y la cíclica exhibición de sus reliquias, interrumpo nuestro imaginario viaje por Brasilia para plantear mis dudas acerca de
como los iconos del modernismo brasileño fueron modelados en París por un pequeño grupo elitista que cumple en Europa su “servicio militar” (la expresión es de Tarsila) y si no habría algo de falsificación en todo esto... sospechas que también comparten la tripulación de Vacaciones en Polonia, quienes dedican su último número a las “literaturas antropófagas”.

Para los polacos vacacionales el acto fundacional del movimiento modernista brasileño y de las teorías antropofágicas no estaría, tal y como repiten machaconamente los taxidermistas en sus biblias en la celebración de la Semana de Arte Moderna en 1922 o en alguna publicación para pijos cariocas, sino en el acto radical del genio homicida Juliano Paixaroli. Este camarero del Gran Teatro Nacional y negro demiurgo, asesina, deglute y defeca a la bailarina rusa Kristina Selligman-Vodganovskaia que aquella noche, parece lógico, no pudo actuar para su selecto público, entre quien se encontraban -¿lo adivinan?- Tarsila y Andrade. ¡Tachán!. Ahora sólo faltaba coger algunas cositas del Manifeste Cannibale de Picabia por aquí, un par de cucharaditas de Léger y una pizquita (sin abusar, que luego repite) de teoría freudiana... y ya tenemos un movimento novo.

Vale. Ya están los polacos y los infames con sus cosas y su vamos a epatéleburguá... pues no, que algo así ya lo decía Lévi-Strauss, para que vean. En Tristes Trópicos señalaba como la cultura en Brasil se había convertido en un mero juguete en manos de los ricos: Embotados por todos los festines intelectuales del pasado, que por otra parte sólo conocían de oídas, ya que no leían las obras originales, conservaban un entusiasmo siempre disponible para los platos nuevos. En este caso habría que hablar más de moda que de cocina: ni ideas ni doctrinas presentaban a sus ojos un interés intrínseco, sino que las consideraban como instrumentos de prestigio cuya primicia había que asegurarse.

"Recusación de los veganos" M.Anglès (1766)

La diferencia entre original y mistificación podría estar en dos poemarios ilustrados por la brasileña, reeditados especialmente para la ocasión (dos regalos que me hicieron. Pero hay cosas que no se pueden decir y que prefiero guardarme solo para mi): Pau Brasil de quien fuera pareja de Tarsila, el poeta Oswald de Andrade y Hojas de ruta de nuestro muy admirado Blaise Cendrars. Entre uno y otro, un tajo. El que separa la impostura de la verdadera intensidad. De entre las cartas-océano que nos envió el suizo desde la cubierta del Formose elegimos ésta que llegó hasta nosotros sin remite, pero con un intenso olor a cafetal y salitre:

ORION
es mi estrella
tiene la forma de una mano
mi mano que ha subido al cielo (*)
durante toda la guerra veía por una tronera orión
cuando los zeppelines venían a bombardear París lo hacían siempre desde orión
hoy está encima de mi cabeza
el gran mástil atraviesa la palma de esta mano que debo sufrir
como mi mano cortada me hace sufrir atravesada como está por un dardo continuo.

Y la mano cortada dijo: -Buenos días, soy yo

(*) el bueno de Cendrars era manco

ARTE URUGUAYO/ José GURVICH (1927-1974)

2011-07-04T05:24:00.001-07:00

Nacido en un pequeño pueblo de Lituania, Gurvich llegó al Uruguay con su familia cuando contaba con cinco años de edad. A los quince años entró en la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde asistió al curso de José Cuneo.Posteriormente, ingresó en el Taller Torres García, donde llegó a ser docente durante varios años y participó en sus numerosas exposiciones colectivas.

Entre 1954 y 1956 viajó a Europa y a Israel. En ese período realizó su primera y exitosa exposición europea en la Galería San Marco de Roma. En Israel se instaló en un kibutz. Incorporado a la vida comunitaria, se convirtió en pastor y continuó trabajando su obra plástica. A fines de 1956, regresó al Uruguay y se reintegró al Taller Torres García. En 1963 volvió a Israel. Se reencontró con su tarea de pastor, continuó pintando y expuso en la Galería Katz de Tel Aviv. En 1965, nuevamente instalado en Montevideo, se abocó a preparar su gran muestra que tendría lugar en 1967 en la sede de la Comisión Nacional de Bellas Artes, que funcionaba en el edificio ocupado por el Teatro Solís. Esta exposición fue recibida por la crítica con unánime reconocimiento, señalándose a Gurvich como uno de los grandes artistas nacionales.

Obra de Gurvich

En noviembre de 1969, nuevamente comenzó un viaje que a la postre, se convertiría en su alejamiento definitivo del Uruguay. Recorrió Israel, Grecia, Italia, España y Francia, países en los cuales trabajó intensamente, hasta que finalmente se radicó en Nueva York, ciudad en la que moriría a la edad de 47 años.

Tomando en cuenta la exposición que se realizara en 1967, esta retrospectiva que se inauguró el 28 de agosto en el Museo Nacional, constituye, treinta años después, la segunda que se hace de su obra, y muestra por primera vez de modo sistemático su producción posterior a la que sería su partida definitiva del país. Entre ella hay una parte importante que hasta ahora se ha mantenido inédita para el Uruguay.

ARTE URUGUAYO/ José GAMARRA (1934)

2011-07-04T05:23:00.001-07:00

José Gamarra

(Tacuarembó, 1934) Artista uruguayo. Se formó en Montevideo y en Río de Janeiro y se instaló en París a fines de los años sesenta. Su obra, con influencias de H. Rousseau, comprende paisajes, obras de denuncia política y objetos tridimensionales.

ARTE URUGUAYO / Luis CANMITZER (1937)

2011-07-04T05:22:00.000-07:00

Camnitzer, Luis

Lübeck, Alemania, 1937

Artista uruguayo.
Aunque nacido en Alemania, emigra a Uruguay a los catorce meses y se convierte en ciudadano de este país. Estudia escultura y arquitectura en la Universidad de la República de Uruguay y más tarde realiza estudios de escultura y grabado en la Academia de Múnich. En 1965 funda junto a Liliana Porter el taller experimental New York Graphic Workshop. Desde 1969 es profesor emérito de la Universidad del Estado de Nueva York. A partir de la década de los setenta realiza obras cercanas al arte conceptual con un marcado contenido ético y político y en las que se abordan temas como la libertad, la identidad o el exilio. Le interesa evocar las cosas, más que narrarlas o explicarlas y por ello se mueve casi siempre en el terreno de la instalación, un medio que le permite lograr la máxima implicación del espectador y que deja amplio margen para la interpretación. Ha participado en importantes colectivas como: "Versiones del sur" (2000-2001) celebrada en el MNCARS de Madrid o "Face à l´histoire" (1996), en el Centro Pompidou de París. Entre sus individuales pueden mencionarse las retrospectivas del Lehman College Art Gallery de Nueva York (1991), la del Museo de Artes Plásticas de Montevideo, Uruguay (1986) y la antológica que en el 2007 le realizada el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de San José de Costa Rica.

ARTE URUGUAYO/ Alfredo TESTONI (1919-2003)

2011-07-04T05:21:00.000-07:00

Alfredo Testoni
(1919-2003)

Fotógrafo artístico nacido en Montevideo el 1º de junio de 1919 y fallecido en la misma ciudad el 3 de octubre de 2003.
Se formó en el taller de fotograbado orientado por el italiano Gino Lugli y a los dieciséis años, empezó a desarrollar su carrera como reportero gráfico en el diario El Pueblo, La Mañana y El Diario. Una de sus primeras tomas tiene que ver con el hundimiento del Graf Spee (1939). En 1950 ingresó como jefe de fotógrafos en el diario El Debate. Fue fotógrafo, desde 1947, del Taller Torres García. Fue Jefe de Fotógrafos de "La Mañana, "El Diario" de Montevideo; corresponsal de revistas Time y Life. Fue secretario de la Comisión Nacional de Bellas Artes, fue fundador del "grupo 8" en 1959.

Expuso individualmente en la Facultad de Humanidades, 1949; Amigos del Arte, 1950; Centro de Artes y Letras, 1960; Casa de América Latina, Roma, y Unión Panamericana, Washington, 1961; Instituto de Cultura Hispánica, Madrid, 1962; Instituto General Electric, 1965, 1968; Alianza Francesa, 1984; Museo Fundación Batuz, Dresden, 1997; Muestra Retrospectiva 1939-1999 Centro Cultural MEC, 1999; Muestra Homenaje, Museo de Arte Americano de Maldonado, 2000; Museo Municipal de Bellas Artes Juan Manuel Blanes, 2000; Museo Nacional de Artes Visuales, 2002. Ha participado en una cincuentena de muestras colectivas realizadas en el país y en el exterior. Esas muestras colectivas incluyen varias bienales de grabado, encuentros de fotografía y la XVI Bienal de San Pablo.

Obtuvo premio en la Bienal de Barcelona, 1955; Salón Nacional de Artes Plásticas de 1971, 1972; premios Adquisición Salón Municipal de 1972, 1973, 1976; primer premio Cine 35mm color, corto Publicitario, Uruguay, 1975; 2do Premio Cine 35 mm Color Bienal Iberoamericana de Publicidad, 1977; Bienal Iberoamericana de Publicidad en Argentina, 1977; 1er Premio Festival de Audiovisuales en Uruguay, 1978, 1979; Premio Adquisición 1er Salón Nacional de San José 1980; 1er premio grabado Salón Nacional, 1981, 1982.
Fue una de las figuras decisivas para que la fotografía se incorporara definitivamente al ámbito de las artes plásticas en el medio uruguayo y en ese campo supo agregar a su virtuosismo un permanente impulso experimental. Además, su preocupación artística no se limitó a la fotografía. Recurrió a la serigrafía para aludir en forma crítica a la adhesión de los individuos a las masas.
También incursionó en el video y en el cine, muchas veces en el campo de la publicidad. Fue sensible a la atracción por los muros ciudadanos, lo que define un momento singular de su trayectoria. En las fotografías refleja la materia real trabajada por la erosión. Un lúcido anticipo del Arte Otro. Amplía inconmensurablemente fragmentos de muros corroídos por la intemperie. Con ellos descubre diversas facetas al dejar de lado la percepción convencional. Trabaja fachadas antiguas, agrietadas, corroídas, en la que los vetustos materiales emergen detrás de un revoque, haciendo así visible lo invisible. Sus obras figuran en los acervos del Museo Nacional de Artes Visuales, Museo Municipal Juan Manuel Blanes, Museo Municipal de San José, Museo Municipal de Salto, Edificio Libertad, Banco Central, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Instituto de Cultura Hispana de Madrid, Instituto de Artes Visuales de la O.E.A. en Washington, Museo Municipal de Kyoto, Japón.

ARTE URUGUAYO/ Octavio PODESTÁ (1929)

2011-07-04T05:20:00.000-07:00

Octavio Podestá
(1929)

Escultor uruguayo nacido en 1929 en Montevideo donde reside y tiene su taller.

Egresó en 1961 de la Escuela Nacional de Bellas Artes donde estudió dibujo y escultura con los Profs. Juan Martín y Severino Pose. Amplió sus estudios de escultura en Francia, Italia y El Libano. Ganó la beca municipal Carlos María Herrera en 1964 en usufructo de la cual realizó un viaje de estudios a Europa. El gobierno francés, a su vez le concedió una beca de estudios para asistir a la Escuela Superior de Bellas Artes. Fue docente de los talleres de escultura de la Escuela de Bellas Artes de Montevideo y profesor de la Universidad del Trabajo.

Entre sus exposiciones individuales se cuenta: Facultad de Arquitectura, 1964; Galería "U", 1968; Asociación Cristiana de Jóvenes, 1973; Instituto Italiano de Cultura, 1976; Gordon Gallery, Buenos Aires, 1977; Museo Departamental de San José, 1978; A.E.B.U., 1984; Cátedra Alicia Goyena, 1987; Exposición individual itinerante por ciudades del interior y Montevideo, 1988; Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos, 1992; Museo del Gaucho del Banco República, 1993. Participó en muestras colectivas junto al grupo La Cantera, (1961-1963) y participó en Salones nacionales y municipales.

Obtuvo Premio Adquisición en el XI Salón Municipal, 1959; 1er Premio Encuentro de Tapicería, 1985; Premio Salón Municipal a la trayectoria, 1986; Recibió el premio "Fraternidad" de la B´nai B' rith y el Premio Figari del Banco Central en 1998.

Su procedimiento recurre, básicamente, al juego de "armar" nuevas formas a partir de piezas de desecho -aún cuando el artista incorpora sus propias articulaciones- resignificando el desperdicio industrial. Trabaja el hierro; sus figuras vivientes son resueltas con criterio mecanicista, en busca de movimientos lúdicos. Por ello mismo Podestá es el primer escultor nacional que incorporó el movimiento real a la escultura.

Entre las obras mayores incorporadas a distintos edificios, puede mencionarse algunos de Punta del Este, Yaguarón, el Cementerio Israelita de La Paz, la Rambla del Puerto del Buceo, Bulevar Artigas y Garibaldi, el Parque de Esculturas del Edificio Libertad y la fachada posterior del Palacio Municipal, así como otras esculturas emplazadas en ciudades del interior. Sus obras se encuentran también en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo de Bellas Artes "Juan Manuel Blanes", en el Museo Departamental de San José y colecciones privadas.

ARTE URUGUAYO/ Carmelo DE ARZADÚN (1888-1968)

2011-07-04T05:14:00.001-07:00

Carmelo de Arzadun (* 16 de julio de 1888, Mataojo Grande, Salto –† 16 de octubre de 1968) pintor uruguayo.

Sus primeros estudios los realiza en Salto. Luego se traslada a España donde cursa clases con Antonio Aramburu.

Estudia también con Carlos María Herrera en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo, y obtiene por concurso una beca para viajar a Europa, lo que le permite asistir a las Academias de la Grande Chaumière y Collarossi de París, y estudiar con los maestros Anglada Camarasa y Kees Van Dongen en la Academia Vitti de esa ciudad. En años posteriores obtuvo otras dos becas oficiales lo que le permitieron estudiar nuevamente en el exterior.

Recorre muchos de los más importantes centros artísticos europeos, en los cuales trabaja.

ARTE URUGUAYO/ Ernesto LAROCHE (1879-1940)

2011-07-04T05:12:00.000-07:00

Ernesto Laroche (Montevideo, 8 de marzo de 1879 - idem. 2 de junio de 1940) fue un pintor uruguayo.

Cursó sus primeros estudios con el pintor Federico Renóm. En 1928 asumió como Director del Museo Nacional de Bellas Artes, cargo que desempeño hasta su muerte.

Su obra giró principalmente en plasmar numerosos paisajes del territorio uruguayo, como cerros, lagunas, arroyos, así como elementos típicos de las zonas rurales como ranchos y carretas. En 1939 publicó el libro "Algunos pintores y escultores". En donde fuera su casa y taller su familia abrió al público el "Museo y Archivo Ernesto Laroche".

ARTE URUGUAYO / juan Manuel FERRARI (1874-1916).

2011-07-04T05:11:00.000-07:00

Juan Manuel Ferrari
(1874-1916)

Nació en Montevideo el 21 de mayo de 1874 y falleció en Buenos Aires el 31 de octubre de 1916. Comenzó sus estudios en Montevideo y en Buenos Aires, con su padre, el escultor Juan Ferrari, autor del monumento en conmemoración de la independencia nacional, emplazado en Florida en 1879. En 1890 obtuvo una beca del Gobierno de Uruguay, por tres años, para estudiar en Europa, la cual sería extendida por tres años más. Se radicó en Roma, donde estudió con el escultor Ettore Ferrari y con Ercole Rosa en el Real Instituto de Bellas Artes de aquella ciudad. En 1892, obtuvo el Primer Premio de Escultura de ese instituto. También en 1892, envió a Uruguay un boceto para la erección de un monumento a Colón, que nunca llegó a concretarse. En mayo de 1893, llegaron a Montevideo las primeras obras enviadas por el artista: "Artigas" y "Pugilista romano", a las que seguiría el "Prometeo encadenado", las cuales integrarían la muestra del Museo Nacional de Bellas Artes. Regresó a Uruguay en 1896 y estableció su propio taller. Fundador del curso de plástica en la Facultad de Matemáticas, fue catedrático honorario durante tres años. Pasó luego a vivir a Buenos Aires, donde instaló un taller en un lugar apartado de la ciudad. Obtuvo el Segundo Premio en el concurso organizado para erigir un monumento a la Independencia Argentina. Invitado por el Gobierno de Uruguay, participó con un boceto para la realización de un monumento a José Artigas. El jurado otorgó el Primer Premio a los trabajos de Ferrari y de Zanelli (escultor italiano), al tiempo que aconsejaba llamar a una nueva prueba a ambos artistas. El Gobierno desestimó esa decisión y un nuevo jurado eligió como ganador al boceto de Zanelli. En 1915 se instaló nuevamente en Roma. Fue invitado por el Gobierno de Uruguay para realizar el monumento a Garibaldi, debido al fallecimiento del escultor español Querol, ganador del respectivo concurso. Entre sus obras más conocidas deben citarse: monumento a Juan Antonio Lavalleja, inaugurada en Minas (1902), monumento a la Batalla de Las Piedras, inaugurada en la ciudad del mismo nombre (1911), monumento al Ejército Libertador del General San Martín, realizado por encargo del Gobierno de la Provincia de Mendoza, inaugurado en el Cerro de la Gloria, en los Andes (1914), etc. También realizó numerosos monumentos funerarios, bustos y retratos, como, por ejemplo, "Diógenes Hequet", "El cafetero San Román", de pequeño formato.
Realiza sus obras con un modelado nervioso, en el que el papel de la luz es fundamental pues dinamiza la figuras debido al tratamiento y modelado de las superficies.

ARTE URUGUAYO / Carlos María HERRERA (1875-1914)

2011-07-04T05:10:00.000-07:00

Carlos María Herrera
( 1875 - 1914 )

Nace el 18 de diciembre de 1875 en una familia que desde la fundación de Montevideo tendrá larga resonancia en la vida política y cultural del país. Inicia sus estudios de pintura y dibujo -de un claro acento academicista- con Pedro Queirolo en Montevideo. Se traslada a Buenos Aires asistiendo dos años a las clases del Círculo Estímulo de Bellas Artes- institución de enseñanza y difusión artística sin parangón aún en nuestro medio.
Probadas sus condiciones en pintura consigue una beca del Estado para perfeccionar sus estudios en Europa. Como otros artistas nacionales eligió Roma, aunque tuvo como profesores a dos españoles residentes en Italia: Salvador Sánchez Barbudo y Mariano Barbazán Lagueruela. En 1902 gana una nueva beca, esta vez con destino España. Estudia allí con Joaquín Sorolla y Bastida. A partir de su retorno en 1905, se abre una etapa de trabajo continuo. Instala su taller en el barrio de Capurro, realiza muchos trabajos por encargo y despliega una intensa actividad docente en el recientemente fundado Círculo Fomento de Bellas Artes, del que fue director docente.
Si bien cultivó el género histórico en su última etapa, alcanzó su nivel más alto en el retrato, preferentemente de figuras femeninas e infantiles. Su propia familia le hizo frecuentemente de modelo, aunque también fue el retratista de la alta sociedad rioplatense. Herrera utiliza el óleo, pero es especialmente un pastelista. Supo aprovechar la tenue transparencia del material empleado, y combinarla con la sutileza de sus modelos. Junto con Sáez y Blanes Viale perteneció por generación al grupo de pintores modernistas finiseculares. Muere a la edad de 39 años en 1914, año en que la Belle Epoque que retrató también había llegaba a su fin.

ARTES PLÁSTICAS: algunos conceptos.

2011-07-03T14:37:00.000-07:00

ALGUNOS CONCEPTOS DE ARTES PLÁSTICAS

Figura - Fondo:
Ley de la Sicología de la Forma, formulada por E. Rubin que establece la tendencia a subdividir la totalidad de un campo de percepción en zonas más articuladas (figuras) y otras fluidas y desorganizadas que constituyen el fondo. Según esta ley toda superficie rodeada tiende a convertirse en figura en tanto que la restante actuará como fondo. E. Rubin, fijó además otras cualidades principales que determinan el fenómeno: todo objeto sensible existe contra un fondo; la figura tiene calidad de cosa, el fondo calidad de sustancia; nunca los límites son comunes a ambos campos; siempre pertenecen a la figura; se tiene la impresión que el fondo `pasa' por detrás de la figura; la figura es por lo general el campo de menor tamaño; el color es más denso y compacto en la figura que en el fondo; también aquella presenta mayor estabilidad, claridad y precisión, apareciendo siempre más cerca del espectador. Todo lo de la figura se recuerda mejor.
Imagen:
Se llama usualmente imagen a las representaciones que tenemos de las cosas. En alguna medida imagen y representación son sinónimos y se refieren a los diversos tipos de aprehensión de un objeto presente, la representación de percepciones pasadas, estar ligado a la imaginación en la libre combinación de percepciones pasadas o a la alucinación. Las imágenes o representaciones pueden ser acústicas, ópticas, eidéticas, no eidéticas, afectivas, volitivas, etc.
En el sentido artístico, la imagen plástica puede ser definida como el resultado de un proceso de creación, en el que, buscando la adecuación de los materiales, las técnicas y la organización sufre una transformación de las impresiones sensoriales, de fantasías mnémicas, supone siempre la actualidad de la experiencia, la que aparece a través de la imagen; esto hace suponer a la vez una experiencia anterior. La imagen trae consigo la actualidad del objeto convocante de lo dado.
Percepción:
El término alude primariamente a una aprehensión, sea cual fuere la realidad aprehendida. Percibir es en efecto recoger, si se recoge o aprehende notas intelectuales se habla entonces de nociones. El rojo o el verde no son sensaciones, son algo sensible, y la cualidad no es un elemento de la conciencia, sino una propiedad del objeto.” También es distinta de la intuición intelectual, parece ser equidistante de ambos actos. Distingue entre percepción interna y externa, llamadas a veces intuiciones. La interna llamada también inmanente, son vivencias intencionales, cuya esencia consiste en que sus objetos intencionales, cuando existen pertenecen al mismo flujo vivencial. La percepción es sensible cuando aprehende un objeto real, `que es aprehendido directamente' y categorial cuando aprehende un objeto ideal, es decir cuando se constituyen nuevas objetividades que se fundan en las anteriores y se refieren a ellas. Dentro de este campo la percepción tiene una base sicológica, pero con un propósito ontológico.
No se supone al mundo percibido el mundo de las ideas. La idea descansa sobre la percepción. El mundo percibido es el fondo siempre presupuesto por toda racionalidad, todo valor y toda existencia.
Para dar un ejemplo, al observar una mancha clara, sobre un fondo oscuro homogéneo, todos los puntos que integran la mancha, tienen una función, hacer de ellos una figura. El color de la figura parece ser más denso que el del fondo, hay contraste; los bordes de la mancha de la figura, le pertenece totalmente a ella; la figura parece colocada sobre el fondo, al cual no interrumpe y que pasa por debajo de ella. Esto constituye una percepción elemental, pero como cada parte anuncia más de lo que contiene, ya está cargada de sentido.
Proporción:
Es una relación de medidas armónicas entre las partes componentes de un todo, tanto como la distancia armoniosa entre parte y parte. Estas relaciones de medida son encontradas en el mundo orgánico e inorgánico. Pero tales relaciones matemáticas no se expresan de manera mecánica, la relación existe pero las formas exhiben una serie de pequeñas variaciones dentro de la relación general, lo que contribuye a la belleza y la vitalidad.
Razones numéricas o geométricas de distinta índole que emergieron de investigaciones sobre la naturaleza fueron aplicadas al arte, siempre en la persecución de una unidad armónica, los diversos rectángulos, pentágonos, las divisiones internas de los mismos, etc.; tanto como en los diversos cánones de medida aplicados a la figura humana para obtener belleza, por ejemplo los cánones de siete u ocho cabezas hacen a la proporción. El recurso de la forma regular fue tenido en cuenta, aun frente a la influencia de distorsionante de la perspectiva, es así que de acuerdo con Vitrubio los griegos ensanchaban la
parte superior de la columna, respecto de la inferior y en relación al aumento
de altura para mantener la proporción cuando ésta entraran visualmente en la convergencia de la perspectiva. Todo esto tenía como finalidad salvar la belleza de la obra.
Punto:
Según Wassily Kandinsky, es el elemento plástico básico. Siguiendo sus conceptos el punto en plástica no es un ente material, sino que al reclamar una cierta superficie sobre el plano, se materializa, posee límites, sus tensiones internas y comienza a vivir como ente autónomo; en él se encuentra el embrión de la línea y el plano, pero se lo percibirá como punto si en relación con el plano que lo contiene y los elementos que lo rodean, su tamaño es adecuado a la percepción de un punto. Su forma externa es variable, sea circular, triangular, trapezoidal, como simple mancha sin características geométricas, etc. Constituye el `sonido' elemental de la plástica y con sólo un punto sobre el plano éste ya comienza a expresarse estructuralmente.
Existe una designación geométrica del punto a través de la O. igual `origo' es decir, origen, comienzo.
Plano:
Tiene dos dimensiones. Rectángulo del cuadrado. Se le denomina también al nivel espacial. Que guarda siempre características de chatura, de poca profundidad.
Desde el punto de vista geométrico, el plano puede ser representado sobre una superficie, pero en el espacio no es posible representarlo sin espesor, tiene que existir como material, en este caso si el alto y el ancho predominan con respecto al espesor percibimos la forma como un plano.
Movimiento:
Es el foco de atención más fuerte en una comprensión.
Sugerencia que logra en un orden plástico debido a la aplicación, en la organización, de determinados fundamentos visuales: destino común, buena dirección, agrupamiento, secuencia lineal, transponibilidad, progresión, alternancia, etcétera.
Tensión existente entre varios elementos formales o lineales y el campo que los contiene, a través de la cual las figuras son atraídas, repulsadas o aquietadas provocando la sugerencia del movimiento o desplazamiento. Según la regla de Duncker, en la experiencia de desplazamiento el marco tiende a permanecer fijo, mientras que el objeto dependiendo de ese marco ejecuta el movimiento. La estructura del contexto en el espacio y en el tiempo determinan la percepción del movimiento; de igual manera ocurrirá con las propiedades del movimiento, es decir velocidad y dirección (la velocidad puede ser constante, cambiar en progresión regular o abruptamente). El movimiento se percibe dentro de ciertos límites de velocidad, el minutero del reloj, aparentemente parece quieto, dada su escasa velocidad, pero las paletas de un ventilador se ven como una forma borrosa y quita dada su alta velocidad.
De igual manera un objeto pequeño parecerá desplazarse a mayor velocidad que uno de gran tamaño. La dirección está determinada por el sentido de la secuencia en que un objeto, forma, color, etc. sigue en un orden dado, o por la tensión de una línea, forma, etc. con respecto a un borde o en su propia dinámica, así vemos desplazarse hacia arriba a una vertical con velocidades distintas en sus extremos, subir a un triángulo isósceles, dirección igual en una horizontal con mínima diferencia de velocidad hacia la izquierda, y carecer de dirección a un cuadrado. Es decir, los elementos axiales expresan movimiento, una catedral gótica es ascendente. Las superficies curvas expresan movimiento doble, acercarse y alejarse.
El movimiento puede ser continuo, con dirección establecida, lineal o giratoria. La forma del movimiento puede ser simple o compleja, cuando por ejemplo, varios elementos realizan igual movimiento con igual ritmo, o cuando dos o más grupos realizan distintos movimiento organizados con ritmos distintos entre sí.
Croquis:
Diseño rápido y ligero que se hace de un terreno, de un paisaje, de una posición militar, etc., sin valerse de instrumentos ni aparatos geométricos en forma de dibujo y como tanteo o preliminar de algo que puede completarse.
A pesar de ello un croquis no carece de mérito. Incluso algunos, realizados por grandes artistas, se consideran actualmente como obras de gran valor, debidamente apreciadas y con categoría de producciones artísticas. Son famosas, por ejemplo, algunos croquis de Rafael, Rubens, Leonardo Da Vinci, etc.
Boceto:
En pintura, es la plasmación de la primera idea del artista, realizada en un borrador, es decir, en una superficie apta simplemente para trazar unas líneas y dar unos colores, todo de forma rápida, y con el único objeto de conocer el objeto que ha de producir la obra definitiva.
Tono:
Color integrado en todas sus dimensiones.
Se denomina también tono a la escala resultante de un color mezclado sea con blanco, negro o gris, es decir, al matiz o bien con su color complementario.
Escala de valores:
Es el orden de los gradientes que se encuentran entre los extremos máximos. En este caso se refiere sólo a variaciones crecientes o decrecientes de claridad, ubicadas entre polos de claridad o oscuridad.
Tonalidad:
Es la resultante de diversas relaciones del tono, conceptuado en todas sus dimensiones, que por su organización tienden a provocar un tipo tal de orden de color que se manifiesta moviéndose hacia la armonía, el contraste o la relación de temperatura.
Frente a un cuadro siempre se hace referencia a la tonalidad dominante, sea armónica, por predominio de un solo color (monocromático), por predominio de un color al cual los otros tienden a asemejarse por mezcla (tonalidad rojiza, azulada, etc.), tanto como por su oposición (contraste), o por su temperatura (tonalidad cálida o fría). Puede darse también en valores de grises.
Valor:
Grados de claridad u oscuridad que existen entre dos extremos de valor, por ejemplo, blanco y negro. El valor pone de manifiesto un mayor o menor grado de la posibilidad lumínica, ligada ésta siempre a la claridad u oscuridad del mismo. El valor no es condición única de los grises que resultan de la mezcla de blanco y negro, sino de toda aquella superficie que refleje más o menos luz.
Así el color puro tiene un valor que es intrínseco, dependiendo siempre de su grado de claridad, teniendo en consecuencia una ubicación con respecto a la escala de valores; de esto resulta que el amarillo es más claro que el violeta y el rojo anaranjado, tanto como el azul verde se encuentran en el centro de estos extremos.
El valor de un color puede a su vez ser variado y controlado por las mezclas que él mismo sufra, sea con blanco, negro, grises y sus complementarios, en este caso no sólo varía su valor sino a la vez su saturación, dado que la mezcla quebranta el color, neutralizándolo y haciéndole perder su pureza.

ANTONI MIRÓ: un alcoiano solidario.

2011-07-03T14:35:00.002-07:00

ANTONI MIRÓ nace en Alcoy en 1944. Vive y trabaja en el Mas Sopalmo . Vive y trabaja en el Mas Sopalmo. En 1960 recibe el primer premio de pintura del Ayuntamiento de Alcoy. En 1960 recibe el primer premio de pintura del Ayuntamiento de Alcoy. En Enero de 1965, realiza su primera exposición individual y funda el Grupo Alcoiart (1965-72) y en 1972 el "Gruppo Denunzia" en Brescia (Italia). En Enero de 1965, realiza su primera exposición individual y funda el Grupo Alcoiart (1965-72) y en 1972 el "Gruppo Denunzia" en Brescia (Italia). Son numerosas sus exposiciones dentro y fuera de nuestro país, así como los premios y menciones que se le han concedido. Son numerosas sus exposiciones dentro y fuera de nuestro país, así como los premios y menciones que se le han concedido. Miembro de diversas academias internacionales. Miembro de diversas academias internacionales.

En su trayectoria profesional, Miró ha combinado una gran variedad de iniciativas, desde las directamente artísticas, donde manifiesta su eficaz dedicación a cada uno de los procedimientos característicos de las artes plásticas, hasta su incansable atención a la promoción y fomento de nuestra cultura. En su trayectoria profesional, Miró ha combinado una gran variedad de iniciativas, desde las directamente artísticas, donde manifiesta su eficaz dedicación a cada uno de los procedimientos característicos de las artes plásticas, hasta su incansable atención a la promoción y fomento de nuestra cultura.

Su obra, situada dentro del realismo social. Su obra, situada dentro del realismo social. Se inicia en el expresionismo figurativo como una denuncia del sufrimiento humano. Se inicia en el expresionismo figurativo como una denuncia del sufrimiento humano. A finales de los años sesenta su interés por el tema social le conduce a un neofigurativismo, con un mensaje de crítica y denuncia que, en los setenta, se identifica plenamente con el movimiento artístico "Crónica de la realidad", inscrito dentro de las corrientes internacionales del pop-art y del realismo, tomando como punto de partida las imágenes propagandísticas de nuestra sociedad industrial y los códigos lingüísticos utilizados por los medios de comunicación de masas. A finales de los años sesenta su interés por el tema social le conduce a un neofigurativismo, con un mensaje de crítica y denuncia que, en los setenta, se identifica plenamente con el movimiento artístico "Crónica de la realidad", inscrito dentro de las corrientes internacionales del pop-art y del realismo, tomando como punto de partida las imágenes propagandísticas de nuestra sociedad industrial y los códigos lingüísticos utilizados por los medios de comunicación de masas.

Las distintas épocas o series de su obra como "Les Nues" (1964), "Els Bojos" (1967), "L'Home" (1970), "Amèrica Negra" (1972), "El Dòlar" (1973-80), "Pinteu Pintura" (1980-90), "Vivace" (1991-2001) y "Sense Títol" desde 2001, rechazan todo tipo de opresión y claman por la libertad y por la solidaridad humana. Las distintas épocas o series de su obra como "Les Nues" (1964), "Los Locos" (1967), "El Hombre" (1970), "América Negra" (1972), "El Dólar" (1973-80 ), "Pintad Pintura" (1980-90), "Vivace" (1991-2001) y "Sin Título" desde 2001, rechazan todo tipo de opresión y claman por la libertad y por la solidaridad humana. Su obra está representada en numerosos museos y colecciones de todo el mundo y cuenta con abundante bibliografía que estudia su trabajo exhaustivamente. Su obra está representada en numerosos museos y colecciones de todo el mundo y cuenta con abundante bibliografía que estudia su trabajo exhaustivamente.

En resumen, si su pintura es una pintura de concienciación, no es menos cierto que su proceso creativo se incluye un destacado grado de "concienciación de la pintura", en la que diversas experiencias, técnicas, estrategias y recursos se aúnan para constituir su particular lenguaje plástico, que no se agota en ser un "medio" para la comunicación ideológica sino que de común acuerdo se constituye en registro de una evidente comunicación estética. En resumen, si su pintura es una pintura de concienciación, no es menos cierto que su proceso creativo se incluye un destacado grado de "concienciación de la pintura", en la que diversas experiencias, técnicas, estrategias y recursos se aúnan para constituir su particular lenguaje plástico, que no se agota en ser un "medio" para la comunicación ideológica sino que de común acuerdo se constituye en registro de una evidente comunicación estética.